Präsentation von Künstlern und ihren Werken

„Das Wesen des Unbekannten“ lautete der Titel der ersten Einzelausstellung von Stefan Rosendahl in der Galerie Pamme-Vogelsang. Gezeigt werden Skulpturen, Installationen und Zeichnungen des münsteraner Bildhauers.  

Grundsätzliche Fragen der Bildhauerei

Die Frage um das rechte Maß zieht sich wie ein roter Faden durch das künstlerische Werk von Stefan Rosendahl. Dabei nimmt der Künstler vor allem bei sich selbst Maß, nicht aus narzistischen Gründen, sondern eher unter einem praktischen Aspekt, denn nichts liegt näher als am eigenen Körper Maß zu nehmen um hiervon ausgehend grundsätzliche Fragen der Bildhauerei und des Menschenbildes zu verhandeln.

Biometrischen Daten auf Körperschablonen abstrahiert

Die Anthropometrie, die Idee um die exakte Bestimmung menschlicher Maßverhältnisse, ist gleichsam die Basis von der aus Stefan Rosendahl seine bildhauerischen Arbeiten entwickelt und diese, indirekt, mit den modernen Möglichkeiten, biometrische Daten zu gewinnen, konfrontiert. Rosendahl reduziert und abstrahiert seine biometrischen Daten auf Körperschablonen, die dem Bildhauer maximale künstlerische Freiheit geben um die so gewonnene Form in ihrer Statik und Dynamik weiter zu entwickeln.

Monumentalität der Skulpturen

Die Arbeiten von Rosendahl beeindrucken im wahrsten Sinne des Wortes in mehrfacher Hinsicht: die Vervielfachung der Körpermaße führen zu einer Monumentalität der Skulpturen; die Reduktion auf Schablonen und die expressive Farbigkeit bringt den Betrachter auf Distanz zum vermeintlich natürlichen Vorbild. Nicht zuletzt führt die Installierung der Skulpturen an ungewöhnlichen Orten und Umgebungen zu einer weiteren Abstrahierung und inhaltlichen Erweiterung des ursprünglichen Abbildes

Auseinandersetzung mit der eigenen Körperlichkeit

Dabei wird der aufmerksame Betrachter immer weiter vom Impuls seiner Gedanken, dem Kunstwerk, weggeführt hin zur Auseinandersetzung mit seiner eigenen Körperlichkeit und dem Menschsein im Allgemeinen und Besonderen. Umgekehrt werden die Ergebnisse seines Denkens wieder zum Kunstwerk und an den Ort zurückgeführt. So oszilliert der Dialog zwischen der konkreten Existenz der Skulptur am Ort und der “Nicht-Existenz“ der gedanklich konstruierten Körper.

Stefan Rosendahl (*1970) hat nach seiner Ausbildung zum Steinmetz in Bremen, Marseille und Münster studiert. In Münster war er Meisterschüler bei Katharina Fritsch. Seit 1994 werden seine Arbeiten in Einzel- und Gruppenausstellungen international gezeigt.

Ausstellung in Köln

Galeriekontakt:

Galerie Pamme-Vogelsang

Dr. Gudrun Pamme-Vogelsang

Hahnenstraße 33 

D-50667 Köln

info@pamme-vogelsang.de

www.pamme-vogelsang.de

Es sind heikle Motive, die uns in der aktuellen Serie “Süße Lügen” erwarten. Nach “Sabotage” und “Keine Tränen für die Kreaturen der Nacht”, “Mind Candy” und den “Cadavre Exquis” nun also Halbnackte und Nackte in den Büschen. Eigentlich ein klassisches in der Geschichte der Kunst gut abgehangenes Sujet mit solch prominenten Altlasten wie Botticelli und Rubens und Manet und Cézanne und Picasso und so weiter.

Fairerweise wäre auch Paula Modersohn-Becker zu nennen, diejenige Künstlerin, die 1906 das erste Aktselbstbildnis gemalt hat. Damals ein Affront sondergleichen. Eigentlich glaubt man schon alles gesehen zu haben. Doch es wäre nicht Tanja Selzer, wenn es ihr nicht gelungen wäre, diesem an sich abgedroschenen Thema neues (vibrierendes) Leben einzuhauchen. Angesichts der neuen Werke scheint es so, als ob Tanja Selzer den Begriff “Akt” in seinem ursprünglichen Sinne versteht; sich aus den Begriffen des “actus”, also der Gestikulation und des “agere”, was soviel meint wie sich in Bewegung setzen, ableitend.

Ihre Motive sind Screenshots aus dem globalen Bilderalbum des Internet

Outdoor-Momente, die sich irgendwo abspielen können. Kaum kompromittierend, wenn man sie am Bildschirm sieht. Andererseits sind diese Gemälde nicht nur von beachtlicher Größe, sondern zeigen die Körper in einem Farbraum, der auf uns beängstigend, irrational und in seiner gemalten Ekstase lustvoll zugleich wirkt. Irgendwie absurd wie sich die hautfarbenen Formen in diese unsagbare Welt farbiger Abstraktionen verirrt haben.

Es ist genau dieser Widerspruch, der uns irritiert und der uns herausfordert. Aus der Nähe betrachtet wird diese Ekstase noch sichtbarer und spürbarer. So verschmelzen im floral-vegetabilen Liebesakt die Formen des Davor und Dahinter, die Schatten der Menschen und Büsche, die Farben der Gewänder und Pflanzen miteinander. Das Liebesspiel ist ein unmittelbares und ein Intimes; dem Moment und Ausschnitt ähnlich, den die Künstlerin aus der Fülle des ihr zur Verfügung stehenden Materials gewählt hat.

Werk der Woche

Tanja Selzers subtile Techniken der Malerei sind dem dargestellten Thema entsprechend angepaßt. Kraftvolle kontrastreiche Stöße wechseln mit sanften rhythmischen Lasuren ab. Dramaturgisch überaus gekonnt lenkt sie den Blick der Betrachtenden über eine Vielfalt von malerisch geschickt inszenierten Augenblicken hin zum vermeintlichen Höhepunkt. Dieser bleibt im Unscharfen. Wie so oft bleibt es uns überlassen das Dargestellte in unserer Phantasie auszumalen oder das Dargestellte als das zu geniessen, was es nun einmal zuallererst ist: bemalte Leinwand und dies in einer überaus lustvollen Art und Weise.

Subtile Techniken der Malerei

Mit ihrer neuen Serie greift Tanja Selzer auf die Frühgeschichte des Aktes zurück, denn damals war dieser nicht religiös-moralisch verklärt, sondern diente zuallererst dem Kult der Fruchtbarkeit. So lotet Tanja Selzer in den Gemälden ihrer aktuellen Serie “Süße Lügen” nicht nur auf überaus gekonnte Art und Weise die Gesetze der Malerei aus, sondern spielt ebenso mit der seltsamen Gesinnung einer Gesellschaft, die vor lauter Überdruß an virtueller Pornographie scheinbar zurück ins Gebüsch muß.

Text von Harald Krämer

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Über die Künstlerin:

1970

geboren in Idar-Oberstein

1993-1999

Studium in Hamburg an der Hochschule für angewandte Wissenschaften, Fachbereich Gestaltung, Hamburg

seit 2003 lebt und arbeitet in Berlin

Vita der Künstlerin

Einzelausstellungen

2013

Tanja Selzer neue Arbeiten, 31.August – 12.Oktober, janinebeangallery, Berlin

2012

“Sub Rosa”, janinebeangallery, Berlin

“Mind Candy”, Galerie Karin Sutter, Basel, Schweiz

2011

„Keine Tränen für die Kreaturen der Nacht“, janinebeangallery, Berlin

„Sabotage“, art.ist Galerie, Castrop-Rauxel

Galerie Mühlfeld+Stohrer, Frankfurt a. M.

2010

„Gib mir dein Rot“, janinebeangallery, Berlin

„Nothing Happened“, Galerie Mühlfeld+Stohrer, Frankfurt a. M.

2009

„Surface“, Verve Gallery, Berlin

2007

„New Works“, Galerie Andreas Engler, Berlin

2006

„Full Coverage“, Galerie Andreas Engler, Berlin

Gruppenausstellungen

2013

“Schöne Landschaft – Bedrohte Natur. Alte Meister im Dialog mit zeitgenössischer Kunst” Landschaftsbilder aus der SØR Rusche Sammlung Oelde/Berlin in der Kunsthalle Osnabrück, 9. Juni bis 13. Oktober

„I Amsterdam you Berlin“, St. Johannes-Evangelist-Kirche, Auguststraße 90 in Berlin

“Tierstücke” der Sammlung SØR Rusche Oelde/Berlin

Niederländische Tiergemälde des 17. Jahrhunderts im Dialog mit zeitgenössischer Malerei, 10. 02.-28. 04.2013, Museum Abtei Liesborn

2012

„KREATUREN“, Malerei, Fotografie, Video und Skulptur, Tanja Selzer, Sabine Wenzel, Sevrina Giard, Kerstin Grimm, janinebeangallery, Berlin

„Eros und Thanatos“, 28. April – 26. Mai, Sammlung SØR Rusche Berlin/Oelde, Baumwollspinnerei, Leipzig,

2011

„SATT“, Kunstverein artmx.eV, während der Langen Nacht der Museen, Köln

532 Gallery Thomas Jaeckel, New York City

„röhrender Hirsch“, Galerie Karin Sutter, Basel

„HotSpot Berlin – Eine Momentaufnahme“, Georg Kolbe Museum, Berlin, in Verbindung mit einer Benefiz-Auktionfeaturing mit Simon de Pury

„WANTED“, janinebeangallery, Berlin

„Kreaturen“, Kunstverein Lemgo

„Kreaturen“, Galerie Bernau

2010

„NORDSCHAU 4 – Neue Blicke in die Kunstsammlung der HSH Nordbank“, Hamburg

Café Endlager, kuratiert von Ralf Schmerberg, Stuttgart

2009

„Idyllic Abysses“, Lucas Carrieri Gallery, Berlin

„8 Years Gallery“, Galerie Mühlfeld+Stohrer, Frankfurt a. M.

„NORDSCHAU 1 – Blick in die Kunstsammlung der HSH Nordbank“, Hamburg

2008

„artmx cologne vol.01“, Köln

3rd prize at the Members Art Award 2008, ART FAIR 21, Köln

2005

„Electric Ladyland“, Umformwerk Bewag, Berlin

Messen

2013

Art Karlsruhe, janinebeangallery (Einzelschau)

Messen

2013 Art Karlsruhe, janinebeangallery (Einzelschau)

2012

Art Karlsruhe, janinebeangallery (Einzelschau)

Art Wynwood Miami, 532 Gallery Thomas Jaeckel

2011

Aqua Art Fair Miami, 532 Gallery Thomas Jaeckel

Scope Basel, janinebeangallery

Scope New York, janinebeangallery

2010

Scope Basel, janinebeangallery

Kunst 10 Zürich, Galerie Mühlfeld+Stohrer

art fair 21, Köln, Galerie Mühlfeld+Stohrer

art Karlsruhe, Galerie Mühlfeld+Stohrer

2006

Art Zürich, Galerie Artdirekt

2005

Berliner Kunstsalon, Galerie Andreas Engler

Sammlungen

Sammlung Familie Schneider, Dreieich

Rusche SØR Collection, Berlin, Oelde

Museum am Dom, Würzburg

HSH Nordbank, Hamburg

Sammlung Schirm, Berlin

Kontakt: janinebeangallery info@janinebeangallery.com

Die karge Gegenständlichkeit Kahlhofers – es tauchen umrisshaft gefasste Boote und Menschenformen auf – vollzieht sich in irrealen Räumen. „Sie überwältigen einen, schaffen zuerst Verunsicherung. Dann stellen sich andere Empfindungen ein als in klar definierten Räumen. (Klaus Honnef)

Suggestiv wirken diese Räume, die aus Nebel und gleißendem Licht, Luft oder Wasser geschöpft zu sein scheinen und doch laut Honnef „keine Referenz zu sichtbaren Welt“ aufweisen.

Aus den Tiefenschichten kontemplativen Schauens filtert Karin Kahlhofer Bild gewordene Einsichten über Sein und Welt. Form- und Farbformulierungen zeugen dabei von disziplinierter Handwerklichkeit und gleichzeitig offenbaren große Pinselschwünge spontane Malweise. (Hildegard Ginzler)

Meisterschülerin von Josef Beuys

Karin Kahlhofer studierte gleich bei drei bekannten Künstlern an der Kunstakademie Düsseldorf Malerei und Bildhauerei: Gerhard Hoehme, K.O. Götz und vor allem bei Josef Beuys, dessen Meisterschülerin sie wurde.

Karin Kahlhofer lebte nicht von ungefähr jahrelang während der Wintermonate auf Bali. Schon immer fühlte sie sich zum Buddhismus hingezogen, speziell zum Zenbuddhismus mit seiner abstrakten Kalligraphie. In Bali entdeckte sie aber auch Figuren, die ihr merkwürdig vertraut vorkamen. „Wer sind wir, woher kommen wir, wohin gehen wir“ sind die Fragen, denen die Künstlerin in ihrem Werk nachspürt. Es geht um das Eindringen in die Tiefe, sowohl in die eigene als auch in die der Menschheitsgeschichte. Wichtige Stationen in Kahlhofers Leben sind auch das bekannte Fuertoventura-Projekt sowie ein Stipendium für einen Aufenthalt in Japan.

Bildende Kunst

Aktuell ist Karin Kahlhofer bei Garwain Kunstprojekte Kallenbach in Koblenz zu sehen. Die Künstlerin zeigt Malerei auf Leinwand und Papier und Skulpturen aus den Jahren 2007 bis 2013. Die Ausstellung trägt den Titel „Unterwegs“ und wird am 1. September 2013, 12.00 Uhr eröffnet. Jürgen Raap, Kölner Kunstjournalist, wird die Einführung in die Ausstellung halten.

GARWAIN

Verlag & Kunstprojekte Kallenbach

Martin Gropius Bau

Im Teichert 110 a  |  56076 Koblenz

akallenbach@garwain.de

galerie@garwain.de

www.garwainkoblenz.de

 Mit dem akribischen Strich eines wissenschaftlichen Zeichners und Vorliebe für kühle Neon- und Bildschirmfarben malt Valentin Magaro¹ gegenständliche Bilder in Acryl, die in ihrer synthetischen Künstlichkeit an die Ästhetik der virtuellen Computerwelt erinnern.²

Seine Bilder bestehen aus vielen– teils selbst schon vielschichtigen –Bildfragmenten, die in einem langen Überlegungsprozeß zu homogenen Bildwelten zusammenwachsen.
Es gelingt ihm dabei, im tradierten Medium der Malerei , die Sehnsüchte und Ausflüchte seiner Generation in einer zeitgemäßen, unserer technisch-konstruierenden Sehweise entsprechenden Formensprache auszudrücken.

Dabei ist Raum wichtig für Magaro – das Atelier als Innenraum, als Außenraum die Stadt, der Denkraum im Kopf. Verschiedene Raumgebilde werden in seinen Malereien zu neuen Kompositionen zusammengefügt. Die Linien und Flächen seiner Zeichnungen und Gemälde sind so präzise und perfekt platziert wie die eines Renaissancekünstlers, der mit malerischen Mitteln ein illusionistisches Loch in eine Wand reißt... sie ...beschreiben unheimliche Volumina mechanischer Perspektiven, die zu Universen gehören³, die außerhalb unserer vertrauten Vorstellungen liegen und uns vor neue Herausforderungen der Wahrnehmung stellen. Der Schweizer Maler und Zeichner ist dabei kein Konzeptkünstler –seine Ideen entstehen immer direkt beim Arbeiten.

Im Herbst 2012 war er auf Einladung des Art Kapital Verlags für zwei Monate Gast in der artist-in-residency der Ateliergemeinschaft Milchhof mitten im Zentrum von Berlin.

Valentin Magaro kam bewußt ohne inhaltliche Ideen in die Metropole, um hier neue Inspirationen für seine Bilderwelt zu finden. Auf langen Spaziergängen versuchte er, die Atmosphäre der neuen Umgebung einzuatmen und den fremden pulsierenden Rhythmus der Stadt aufzunehmen.

Die Großstadt bietet die Möglichkeit und Versuchung, sich zu verlieren und die wenig bestimmte Aufgabe, sich dabei nicht verlorenzugehen. Valentin Magaro fand die Gegenwart der Künstler des Milchhofs als sein Mittel der Wahl. Wie kaum ein Gast zuvor regte er Begegnungen und Gespräche an, förderte in langen, intensiven Gesprächen Geschichten aus der älteren und jüngeren Vergangenheit der Stadt zutage und regte zu fruchtbaren Kontakten mit gegenseitigen Atelierbesuchen und gemeinsamen Küchenabenden an.

So gelang es ihm, dem Sturm der visuellen Eindrücke der Großstadt standzuhalten und aus ihm Energie zu gewinnen, die in seinem breit gefächerten Formenvokabular mit immer wieder neuen Bilderfindungen und Motiven Gestalt gewann. Während seines Aufenthalts entstanden 60 Zeichnungen in verschiedenen Techniken, meist im Format A3, die Fiktionalität und Perfektionismus im Detail verbinden und die nun – über den Zwischenschritt mehrerer zeichnerische Kompositionsentwürfe im Format A2 – in großformatige, komplexe Malerei umgesetzt werden.

Magaro hatte die Zeichnungen am Ende seines Auftenhalts im Gastatelier vorgestellt und damit die Künstler der Ateliergemeinschaft Milchhof beeindruckt. Deshalb ist er nun eingeladen worden, vom 21. Juni bis zum 9. Juli 2013 seine neu entstandenen Malereien im Pavillon am Milchhof ⁴ der Öffentlichkeit zu präsentieren.

Die von Magaro (unabsichtlich) erprobte Form des art dinners soll dabei wieder eingesetzt werden, den begonnenen Dialog fortzusetzen und nach außen zu öffnen. Moderator wird Dr. phil. Kai Lorenz sein, der seit Jahren eng mit dem Milchhof und seinen Künstlern verbunden ist und die Arbeit von Valentin Magaro im letzten Herbst schätzen gelernt hat. 

Kerstin Karge (Kuratorin)

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1996 schloss VALENTIN MAGARO (1972) sein Studium als wissenschaftlicher Zeichner an der Schule für Gestaltung in Zürich ab. Seither baut er ein komplexes künstlerisches Werk auf, welches sich vorwiegend im Bereich Malerei, Zeichnung und Objekt bewegt. Seine Arbeiten waren an diversen Gruppenausstellungen wie z. B. dem Seedamm Kulturzentrum, Kunstmuseum Winterthur, Kunstmuseum St. Gallen, Kunstmuseum Kanton Thurgau, Haus für Kunst Uri, Georg-Kolbe Museum Berlin, Kunstmuseum Singen.

Wichtige Einzelausstellungen waren 2007 im Kunstraum Kreuzlingen und 2009 in der Kunsthalle Winterthur, zu der eineumfassende Monografie (Verlag Arnoldsche Art Publishers) erschien.
Valentin Magaro erhielt für seine Arbeit den Adolf-Dietrich Förderpreis (2007), einen Förderpreis der UBS Kulturstiftung (2009), den Förderpreis der Internationalen Bodensee Konferenz (2010) und einen Förderbeitrag des Kantons Thurgau (2012).Jährlich erscheinen Künstlerbücher zu seiner Arbeit mit Texten von Dieter Schwarz, Paulina Szczesniak, Peter Killer, Dominique von Burg, Norberto Gramaccini usw. Valentin Magaro stellt seine Arbeiten regelmäßig in Galerien in der Schweiz, Deutschland und in Luxemburg aus.

Pressekontakt: kerstin.karge@web.de
mehr Informationen: pavillon@milchhof-berlin.de, www.milchhofpavillon.de

valentin@valentinmagaro.ch

¹  Adolf-Dietrich-Preisträger, 2007; Förderpreisträger der Internationalen Bodensee Konferenz, 2010; Förderpreisträger des Kantons Thurgau, 2012; www.valentinmagaro.ch/

²  Lucia Angela Cavegn

³  Richard Grayson

Bilderwelten von Barbara Petzold sind von rätselhaften Frauen bewohnt. Man begegnet Ihnen auf der Strasse, am Strand, in Bars, im Wasser, im Wald, an gewöhnlichen und weniger gewöhnlichen Orten. Zauberhafte Wesen, die wie schwebend aus den durch feine Lichtregie gestalteten Farbräumen auftauchen.

Träumend, in sich versunken, mal poetisch, mal spielerisch, gehen sie ihren Beschäftigungen nach. Nur schwer zu erraten, wer sie sind und woher sie kommen, wirken sie sehr verführerisch in ihrer irdischen und doch so geheimnisvollen Art. So nah und gleichzeitig unnahbar, lassen sie viel Raum für Phantasie und Interpretation.

Die Malweise trägt zur Fragilität und Sinnlichkeit dieser Figuren bei. Im zeitaufwendigen Verfahren werden die Farben mit einer speziellen Pinselführung Schicht für Schicht aufgetragen. Ob tiefes Blau, Braun, Violett oder zarte und doch intensive Grüntöne der offenen Naturflächen entfalten die Farben eine starke Tiefenwirkung. Die Gemälde erscheinen wie ein Übergang zwischen dieser Welt und einer Welt der Träume. Die Farben sind intensiv und transparent zugleich. Wie im Zwielicht changieren sie zwischen Licht und Schatten.

Wie verträumt und märchenhaft sie auf den ersten Blick auch wirken mögen, man kann diese Bilder auch in Bezug auf die Identität einer Frau und ihrer Wahrnehmung in der Gesellschaft befragen. Welche Rollenbilder verstecken sich hinter diesen Darstellungen? Sind diese Frauen bewusst Verführerinnen oder sind sie auch ungewollte Projektionsflächen für Träume und Wünsche?

Das Motiv der Braut, das hier eines der zentralen Themen ist und das üblicherweise mit romantischem Klischee von Liebe verbunden ist, wandelt sich schnell zum Unheimlichen.

Die Frauen befinden sich oft im Wald, einem O

rt, an dem viele Märchen geschehen, doch sie sind immer allein. Zwar sind sie von märchenhaften Motiven, solchen wie Frösche oder Zauberpflanzen umgeben, doch entfalten sich diese sehr schnell von ihrer den Unheil bringenden Seite. Der Frosch hat sich nicht in den Prinzen verwandelt und beim aufmerksamen Betrachten sieht man ein kleines Rinnsal am Handgelenk der Braut hinablaufen. Ist sie am Verbluten?

Die magische Wirkung der Tollkirsche (so ein Bildtitel) wurde schon seit dem Mittelalter mit Frauen und ihrer Fähigkeit zum Verzaubern oder sogar zum Verhexen in Verbindung gebracht und somit als Symbol der weiblichen Macht gedeutet.

Schwarze Tollkirsche, auch als Belladonna bekannt, ist ein Nachtschattengewächs. Sie galt nicht nur als Heilpflanze, sondern auch als ein Mittel der Verführung. Einige Tropfen in die Augen gegeben führen zur Pupillenerweiterung, was als erotisches Signal bewusst oder unbewusst wahrgenommen wird. Diese magische Pflanze kann aber auch eine tödliche Wirkung haben. Das Einnehmen von Beeren führt zu Atemstillstand und Tod.

Die von der Malerin inszenierten malerischen und emotionalen Situationen sind sanft und beklemmend zugleich. Ihre Bilder sind wie die Annäherung an das Weibliche. Die von ihr geschaffenen Frauen sind verträumt, doch nie abwesend. Schwer fassbar, aber nie geisterhaft. Sie sind verführerisch und verletzbar zugleich. Ihre Körper sind wie Träume, wie Erinnerungen, wie Phantasien. Und genau wie diese könnten sie jederzeit entschwinden.

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Text von Anja Szech/ Assistant Curator, Fondation Beyeler, Basel

info@barbara-petzold.de

Wasser ist die Quelle des Erkennens, des Lebens, der Aufklärung und der Wiedergeburt aber auch die des Todes. Als Element ist es voll von Geheimnissen und Gefahren. Die Meerestiefen bergen in sich seltene und gefährliche Geschöpfe.

Dieses Potenzial von Bösem und Dunklem kontrastiert mit der besänftigenden Sicht des Meeres und dem relaxierenden Wellenrauschen. Doch der moderne Mensch vergisst oft auf diese duale Natur des Wassers, und beschränkt sich auf die in den Reisekatalogen abgelichtete Attraktivität.

Gerade diese Sorglosigkeit und die Hingabe an den angenehmen Aufenthalt am Meer wurden zum Ausgangspunkt und zum Hauptthema des Werkes der jungen, polnischen Malerin Julita Malinowska. Die in der Ausstellung „At the Sea-Side“ in der Galerie Sandhofer präsentierten Bilder bilden gleichsam ein Resümee des bisherigen Schaffens der Künstlerin. Die Leinwände stammen aus 2010 und gehen zurück bis 2006, sie ergänzen einander und vermischen sich inhaltlich.

Ausstellung in Salzburg

Malinowska widmet sich, wie auch Claude Monet, der endlos seine berühmten Seerosen malte, dem Thema des Strandes als eines Ortes, der psychosoziologisch ungewöhnlich ist. Einerseits ist es ein öffentlicher Platz, auf dem wir überdeutlich sichtbar sind. Menschen in Badeanzügen stellen sich zur Schau und sind den kritischen Blicken anderer Strandbesucher ausgesetzt.

Jedoch bewirken die Hitze, die entspannte und verspielte Atmosphäre, dass die Menschen schrittweise lockerer werden und sich auf sich selbst konzentrieren und vergessen dabei die Regeln, die auf öffentlichen Plätzen normalerweise gelten. Wie die Künstlerin selbst bemerkt: Die Anwesenheit eines Individuums unter der unzähligen Masse gibt das Gefühl der Anonymität, was einem erlaubt sich gehen zu lassen. Auf dieser Weise wird der Strand zur riesigen Bühne, auf welcher unzählige Auftrittszenen statt finden. Gerade diese sind das Thema von Julita Malinowskas Bildern.

Die Aufmerksamkeit des Zuschauers konzentriert sich auf die Helden dieser Szenen – Kinder und Erwachsene gleichermaßen. Die Leinwände aus 2006 zeigen thailändische Kinder, die unbekümmert im Meer spielen. Die Künstlerin verewigte sie zwei Jahre zuvor auf ihren Fotos um sie später zu malen und ihre reine und aufrichtige emanierende Lebensfreude aufs Neue auf Leinwand zu bannen. Die dunkle Hautkarnation der Kinder erinnert an die polynesischen Frauen Gauguins.

Bildende Kunst

Besonders augenfällig wir dies auf den Bildern „Gesten IV“ und „Gesten V“: Vor klarem, puristischem Hintergrund, dominieren Kindersilhouetten den Bildausschnitt. Ihre expressive Haltung drückt ihre gegenseitige Relationen und Emotionen aus. Aus ihnen emaniert die Natürlichkeit und der Mangel an Scham angesichts ihrer eigener Nacktheit; so muss das verlorene Paradies ausgesehen haben. Die Nacktheit der Kinder in Malinowskas Bildern ist rein und ursprünglich. Es erinnert an die Antike und die Liebe zum eigenen Körper wie z.B. im Bild „By the swimming-pool“ (2008), das nackte Jünglinge beim Springen in den Pool und beim Verlassen des Pools zeigt.

Malinowska registriert auch ungeniertes Zeigen von Zuneigung auf den Strand.
Besonders interessant ist ein Bild, auf welchem sich drei Paare küssen und sinnlich im Wasser umarmen. Bis zur Hüfte eingetaucht, scheinen sie vollständig vergessen zu haben, dass sie von anderen Menschen beobachtet werden. Indem sie auf diese Szene zurückgreift, zeigt uns die Künstlerin, dass Wasser einen erotischen Anklang hat und auf natürliche Weise mit körperlicher Liebe verbunden ist.

Freunde der Kunst

Obwohl Wasser und Strand sehr wichtige Elemente in den Bildern Malinowskas sind, wurden sie nicht realistisch gemalt. Sie wurden eher wie eine Szenografie behandelt: als unaufdringlicher Hintergrund der es dem Zuschauer erlaubt seine Aufmerksamkeit auf die menschlichen Verhaltensweise, Emotionen und gegenseitige Relationen zu richten.

Der Himmel, das Meer und sandige Strände erzeugen des Öfteren flach postierte Farbflächen. Diese Einfachheit macht die gemalten Motive unreal, sodass sie als Kompositionen schön und angenehm fürs Auge wirken. Durch diesen Griff führt die Künstlerin den Betrachter in die Irre. Statt Beunruhigung empfinden wir Begeisterung, bei dem Betrachten von Menschen die von einem unsichtbaren Kliff in das tiefe Meer springen.

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Über die Künstlerin:

Malinowska hatte über 27 Einzel und über 300 Gemeinschaftsausstellungen.

Galerie Sandhofer
Dietrichsteinstraße 6a
125020 Salzburg
www.galerie-sandhofer.com
info@galerie-sandhofer.com

Johannes Lotz lässt in seinen Gemälden auf Leinwand und Holztüren Bildwelten entstehen, die bevölkert sind von bizarren Figuren auf verschlungenen Wegen zu seltsamen Orten. Sie scheinen mal mehr und mal weniger in vertraute Märchen zu führen, deren Geschichten jedoch durch die Zerstücklung der Narration und formale Uneinheitlichkeit gebrochen sind und damit verschlüsselt bleiben.

Ähnlich wie  Märchen auf eine bedrohliche und schwer zu ergründende Welt verweisen, führen Lotz` Arbeiten in brüchige und ambivalente Lebensräume, die hintergründig auch gesellschaftliche Mechanismen reflektieren. Nicht nur die Thematik der Bildwelten, sondern auch deren malerischer Prozess erinnert an Vorgehensweisen, die uns aus Literatur und Malerei mitunter aus dem Kreis der Surrealisten bekannt sind.

Allen voran prägte André Breton die Écriture automatique, welche Texte und Bilder anstrebte, die ohne jede Kontrolle der Vernunft entstehen sollten. Vergleichbar bedient sich Lotz der Kraft psychischer Prozesse, mit der er die kontrollierende Realitätswahrnehmung des Bewusstseins teilweise bricht und das Ergebnis in seinen Gemälden bannt und ausformt.

In seiner künstlerischen Arbeit umkreist Johannes Lotz die menschliche Figur, um sie malerisch entweder zu verorten oder ihr jeden Bezugspunkt zu entziehen. Mal wird sie zur Randfigur einer übersteigerten Umwelt, mal gewinnt sie eine labile Dominanz über den Bildraum, der sich zurückzuziehen scheint wie in ein schwarzes Loch. Hier liegt der Grat, an dem sich die Ausstellung orientiert und der sich im Werk des Künstlers abzeichnet.

So sind die Bildflächen bei Johannes Lotz zum Teil vollständig von dynamischen Elementen beherrscht, die an den malerischen Gestus fauvistischer, frühkubistischer und expressionistischer Tradition denken lassen. Die gleichsam aus einem exaltierten Wirbel heraus geborenen Figuren sind lediglich Elemente eines vielstimmigen Raumes. Weite Teile des Bildraums antworten den Figuren auf der Handlungsebene nicht. Sie scheinen in einer zeitlosen, »absurden Einsamkeit« (Johannes Lotz), in eine von ihnen nicht zu kontrollierende Umgebung verwickelt.

Diesem Horror Vacui steht eine Ausdrucksform gegenüber, die eine radikale Trennung, einen Bruch zwischen Figur und Lebensraum forciert. In den Gemälden verhalten sich die farbigen Figuren kontrapunktisch zu einem entleerten und fast steril wirkenden Hintergrund. Die Figuren sind isoliert und im Dialog mit sich selbst, eingebettet in eine unbestimmbare Beziehungs- oder Dingwelt. Es sind Motive, die der Welt der Phantasie und Groteske zu entspringen scheinen, um dabei die menschliche Bandbreite und ihre Abgründe zwischen Eros und Thanatos wie in einer gauklerischen Halluzination zu verhandeln.

Zahlreiche Ausstellungen in Deutschland

Johannes Lotz (*1975) studierte an der Akademie der bildenden Künste in Mainz bei Friedemann Hahn und in München bei Gertraud Schottenloher. Nach verschiedenen Einzelausstellungen, u.a. in der Galerie Michael Janssen in Berlin und Köln und im Künstlerhaus Saarbrücken, widmete ihm die Galerie Parrotta bereits zum zweiten Mal eine Ausstellung. (C) Galerie Parrotta Contemporary Art Stuttgart / Berlin.

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GALERIE PARROTTA CONTEMPORARY ART

Augustenstrasse 87–89
70197 Stuttgart
T +49.711.69 94 79 10
F +49.711.69 94 79 20
mail@remove-this.parrotta.de
www.Parrotta.de

Die Kunst der Malerin Nina Nolte bezaubert durch die Lebendigkeit ihrer Sujets und die Brillianz der Ausführung. Ihre Bilder zeigen vertraute Themen der Kunstgeschichte, jedoch versteht es die Künstlerin, sie so darzustellen, als sähen wir sie zum ersten Mal. In einer klaren Bildsprache, die die Gegenstände zeichenhaft vereinfacht, realisiert sie eine Malerei, deren Farbigkeit überwältigt.

Dabei gelingt der Malerin mühelos die Synthese von Intellekt und Emotion. Dem beschreibenden Bildelement Zeichnung, das die Form der Objekte fixiert, fügt die Farbe die subjektive Deutung hinzu.

Der Grundton eines jeden Bildes wird mit dem flächig aufgetragenen Hintergrund festgelegt – vor diesem entsteht dann, nur durch Umrisse und Binnenzeichnungen definiert - das eigentliche Thema. Nina Noltes Farben sind stehts intensiv-leuchtend, oft in überraschenden, brillanten Kombinationen, die zur Verfremdung der Bildgegenstände beitragen.

Auf die Welt und den Menschen

Erinnerung und Phantasie der Künstlerin wirken in einem Wechselspiel zusammen, das die Realität mit Sinnlichkeit wahrnimmt, aber auch das Sinnliche in die Realität eines Kunstwerks überführt.

Die Vielfalt der Themen im bisherigen Werk der Künstlerin verschmilzt in der inneren Verwandschaft, mit der die bildnerische Handschrift der Malerin die Vielheit der Gegenstände zur Einheit der künstlerischen Botschaft verdichtet.

Für den Betrachter verbindet sich dadurch der Reiz des Wiedererkennens mit dem Erlebnis einer individuellen malerischen Sicht auf die Welt und den Menschen.

Geheimnis und Offenbarung

Die Unbeschwertheit, mit der die Malerin ihre Deutung von Wirklichkeit vorträgt, wird erst durch eine souveräne Beherrschung der bildnerischen Mittel möglich.

Der Perfektion der Zeichnung entspricht der meisterliche Umgang mit dem Phänomen Farbe, sodaß aus der Beschreibung von Welt unter den Händen der Malerin eine Neuschöpfung von Welten geschieht, die Alltägliches und Flüchtiges in die poetische Zeitlosigkeit der Kunst transponiert.

Darin liegt das Geheimnis und zugleich die Offenbarung der Kunst Nina Noltes.

Jost Funke Professor für Bildende Kunst und Kunstgeschichte an der Hochschule Bremen

Galleriekontakt:

thomas punzmann fine arts - germany
weckmarkt 1
60311 frankfurt am main, germany
tel.: + 49 - (0)69 - 244 50 191
cellphone: + 49 - (0)170 - 565 1982

Nina Nolte nina@ninanolte.com

Agata Madejska (geb. 1979 in Warschau, lebt und arbeitet in London und Essen) findet ihre oftmals erst auf den zweiten Blick erkennbaren Bildmotive im urbanen Raum. In ihren Bildern löst sie prägnante architektonische Strukturen wie Denkmäler oder Wolkenkratzer aus dem sie umgebenden Stadtraum heraus und überführt sie mit den grundlegenden Mitteln der Fotografie wie Licht, Kontrast, Komposition und Entfremdung in eine neue Bildwirklichkeit.

Sowohl historisch stark aufgeladene Objekte wie das Denkmal des Kleinen Aufständischen im ehemaligen Warschauer Ghetto als auch temporäre Installationen wie der Sky Mirror von Anish Kapoor in London werden in ihren Fotografien zu abstrakten Zeichen, die den Bildraum dominieren. In ihrer manifesten, geradezu theatralischen Anwesenheit sind die Dinge jedoch umso mehr abwesend. Madejskas Fotografien lassen sie als das erscheinen, was sie sind: prekäre Projektionsflächen einer sich immer wieder selbst vergewissernden Kultur.

Sie isoliert in ihren fotografischen Serien architektonische Strukturen – beispielsweise Denkmäler und Spielplatzobjekte, wie Rutschen oder Schaukeln – von dem Stadtraum, der diese umgibt. Ihre sehr präzise und langsame Arbeitsweise – Madejskas Werkgruppen umfassen kaum mehr als zehn Fotografien und entstehen über mehrere Jahre hinweg – spiegelt die Perfektion ihrer Bildsuche und -behandlung. Fast wissenschaftlich nähert sich die 1979 in Warschau geborene Künstlerin einem Thema. Sie recherchiert, macht Skizzen und Notizen und sucht lange, bis sie ihre Bildmotive gefunden hat.

Ein fast konservativ wirkendes, dabei dezidiert künstlerisches Verständnis des fotografischen Mediums ist in ihren Arbeiten erkennbar. Alle Aufnahmen entstehen analog, ohne künstliches Licht, unter Einbeziehung der natürlichen Witterungen. Ideogram (2007–2009) – eine Serie von acht Bildern, die jeweils ca. 60 x 45 cm – fotografierte Madejska bei grauweiß bedecktem Himmel. Die Serie zeigt Hochhäuser, die durch die Konzentration auf die oberen Gebäudeteile von dem Stadtraum isoliert wirken.

Alles Störende ist ausgespart. Diese Porträts von Gebäuden sind kühl und zart zugleich. Sie haben eine stark zeichnerische Ästhetik, ähnlich einer Architekturskizze, und werden allein durch die Streben der Glasfassaden strukturiert. Farblich sind die Aufnahmen fast monochrom. Eine Rücknahme der Farbigkeit findet sich in allen Arbeiten von Agata Madejska, auch ihrer neuesten, 2010 begonnen Serie The Order of Solids. Erneut grenzt Madejska ihre Bildmotive – Denkmäler, Skulpturen und Springbrunnen - von der Umgebung ab.

Die bilddominierenden Objekte des öffentlichen Raumes können in der Abstraktion der Darstellung zum Teil erst durch den schmalen Bildrand, in dem Häuser und Bäume zu sehen sind, entziffert werden. Sie interessieren Madejska in ihrer Funktion als Projektionsflächen eines kulturellen Kontextes und können als eine übermächtige und gleichzeitig abstrahierende Auseinandersetzung mit der Geschichte und ihrer Repräsentation verstanden werden. The Order of Solids verdeutlicht darüber hinaus Madejskas Interesse und ihre Hinwendung zur Skulptur, zur Dreidimensionalität sowie ihr Verständnis von Fotografie als Ausgangs- aber nicht Endpunkt ihres künstlerischen Schaffens. In der Präsentation der Bilder versucht sie stets ihren Bildraum skulptural zu erweitern.

Dabei spielt es keine Rolle, ob es sich wie in der neuesten Entwicklung ihrer Arbeiten tatsächlich um Objekte im Raum handelt oder ob sich dieses spezifische Interesse für den Raum in der Rahmung der Bilder ausdrückt. Die Präzision ihres Arbeitens zeigt sich in ihrem gesamten Werk – in der Stringenz des Motivs und der Kontrolle des Abzuges, der Präsentationsform und der Installation. Text: Lisa Marei Schmidt

Agata Madejska, 1979 in Warschau geboren, lebt und arbeitet in London und Essen. Sie studierte an der Folkwang Universität der Künste in Essen und am Royal College of Art in London. Im vergangenen Jahr erhielt sie das Förderstipendium des Landes Nordrhein-Westfalen sowie ein Stipendium der Kunststiftung NRW für eine monographische Publikation. In der kestnergesellschaft Hannover war sie an der Ausstellung 'MADE IN GERMANY ZWEI' beteiligt. Zeitgleich zur Ausstellung in Stuttgart sind Madejskas Arbeiten auch in 'Twisted Entities. Zeitgenössische polnische Kunst' im Museum Morsbroich Leverkusen zu sehen.

Kontakt

Galerie Parrotta Contemporary Art
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D - 70197 Stuttgart
T +49.711.69 94 79 10
F +49.711.69 94 79 20
mail@parrotta.de

Der deutsche Fotograf Thomas Karsten (55) erhält den diesjährigen Fotopreis der Michael Horbach Stiftung. Der mit 10.000 Euro dotierte Preis wird alle zwei Jahre an Künstler vergeben, die gesellschaftlich relevante Themen in den Mittelpunkt ihrer Arbeit stellen. Thomas Karsten erhält den Preis für seine Arbeiten „60 Bicycles for Uganda“ und „Foundation MUKISA, Uganda“ aus den Jahren 2011.

„60 Bicycles for Uganda“ ist Dokument einer Hilfsaktion, in der unter großem persönlichen Einsatz Fahrräder an bedürftige Familien verteilt wurden, mit denen diese ihren Lebensunterhalt als Kurierfahrer bestreiten. „Foundation MUKISA“ porträtiert Mütter mit behinderten Kindern – ein nicht nur in Uganda mit vielen Vorurteilen und Ängsten belegtes Thema.

„Thomas Karsten fotografiert mit einem zugewandten und zugleich unaufgeregten Blick, der sich über sein Gegenüber weder erhebt noch den Fotografen zum heimlichen Gegenstand  des Bildes macht. Ganz im Gegenteil: Seine subtilen Kompositionen, seine diskrete Lichtführung und sein Einfühlungsvermögen für andere stellen diejenigen in den Mittelpunkt, um die es in sozial engagierter Fotografie gehen sollte: Die Menschen und ihre Lebensumstände“, so Stiftungsgründer Michael Horbach über den Preisträger.

Über Thomas Karsten

Thomas Karsten wurde 1985 in Eisenach, Thüringen geboren. Vom DDR-Regime an einer akademischen Ausbildung gehindert, fand er in den frühen 80er Jahren in der Fotografin und Hochschuldozentin Evelyn Richter eine erste fotografische Mentorin.

1982 verließ Karsten die DDR in Richtung Westen und setzte seine Karriere als freier Fotograf und Assistent von Stefan Moses in München fort. Seit 1983 selbstständig, machte er sich mit Porträt- und Aktarbeiten einen Namen und arbeitete unter anderem für Stern, Art, Eltern, Nerve (New York) und Capital. Sein erster Bildband im Verlag C.J. Bucher „Thomas – mach ein Bild von uns“ erhielt 1988 den renommierten Kodak Fotobuchpreis. Viele seiner seither erschienenen 17 Buchpublikationen gelten als Ikonen der Akt- und
Porträtfotografie. Seine Arbeiten werden in zahlreichen Galerien und Museen des In- und Auslands ausgestellt.

Seit rund fünf Jahren ist Thomas Karsten auch als Kameramann aktiv. Sein Kurzfilm „A good catholic girl“ (2011) lief im Programm des Filmfestivals Cannes, sein Langfilm “State Research Bureau” (2010) wurde auf dem Pearl Film Festival mit dem Preis für die beste Kameraarbeit ausgezeichnet. Thomas Karsten ist seit 2010 mit der Uganderin Joanita Karsten (geb.Tusubira) verheiratet und hat seither mehrere Arbeiten in dem ostafrikanischen Land fotografiert, darunter die beiden jetzt prämierten Serien. Mehr Info: www.thomaskarstenphotography.com

Über „60 Bicycles for Uganda“ und „Foundation MUKISA“

„60 Bicycles for Uganda“ dokumentiert eine Hilfsinitiative der Michael Horbach Stiftung, nämlich die Verteilung von Fahrrädern an bedürftige Familien in Uganda. In den meisten ländlichen Gebieten Ugandas gibt es keine öffentlichen Transportmittel. Der Besitz eines Fahrrades kann den ugandischen Familien daher die Möglichkeit eröffnen, als Kleinunternehmer tätig zu werden. Sie können mit dem Fahrrad beispielsweise Güter transportieren oder Taxidienste anbieten und sich damit eine eigene Existenz aufbauen.

Die gestifteten Fahrräder wurden von Thomas Karsten und seiner Frau vor Ort an die Familien verteilt – ein aufgrund der lokalen Verhältnisse mit großen logistischen Schwierigkeiten behaftetes Unterfangen. Die Bilder zeigen in der Manier klassischer, inszenierter Familienporträts die Empfängerfamilien unmittelbar nach der Übergabe der Fahrräder. „Foundation MUKISA“ ist eine Serie von Einzelporträts von ugandischen
Müttern mit ihren Kindern, die an einer Behinderung leiden. MUKISA ist der Name einer Stiftung, die sich um dieses Familien kümmert und in der Thomas Karsten die Menschen porträtierte.

„In Afrika ist eine Behinderung oft mit einem Stigma verbunden. Für Kinder, die davon betroffen sind, ist es besonders schwer: Es gibt keine Gesetze, die sie schützen, sie haben keine Rechtsansprüche. Hinzu kommt der in vielen Teilen Afrikas noch weit verbreitete Aberglaube. Mütter von behinderten Kindern werden oft noch der Hexerei beschuldigt und nicht selten von ihren Männern verlassen. Sie schämen sich für ihre Kinder und verstecken sie vor den Augen der Gemeinschaft. Mein Anliegen war, diesen Schleier zu lüften und den Frauen und ihren Kindern ein Gesicht zu geben“, so Thomas Karsten über seine Serie.

Über Michael Horbach und die Stiftung

Michael Horbach (62) stieg im Jahr 2000 aus einem erfolgreichen Unternehmerleben aus und gründete die Michael Horbach Stiftung, die Entwicklungsprojekte in Ländern der sogenannten Dritten Welt fördert und
sozial engagierten Künstlern eine Plattform bietet. Schon während seiner Unternehmertätigkeit hat er sich einen Namen als Sammler und Galerist gemacht.

Seine Fotosammlung „Die andere Seite der Schönheit“ wurde 1995 erstmals im Rheinischen Landesmuseum Bonn ausgestellt und befand sich dort bis 2011 als Dauerleihgabe in Zusammenarbeit mit der Gesellschaft Photo Archiv e.V. (Prof. Klaus Honnef). Von 1996 bis 1991 führte Horbach neben seinem Unternehmen die Galerie Hans Müller mit Künstlern wie Blalla W. Hallmann, Thomas Huber, Marie-Jo Lafontaine und Heinz Zolper. „Mein Cuba“ ist die erste große Einzelausstellung seiner Werke.


Christoph Lieck

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