Künstler mit besonderen Leistungen auf GFDK

17.01.2018 Komplimente können wir uns sparen

GFDK - Künstler Vorgestellt

Und so sehr die beiden auch das Schmusekätzchen-Image pflegen, im Konzert zeigten sie Krallen. In der intimen Zwiesprache spielten die Schwestern ihren größten Trumpf aus: ein geradezu blindes Vertrauen, traumhaft ausdrucksstark, ohne eine Spur von Routine.“ (Ostseezeitung)

Keine Schmusekätzchen

Lea und Esther Birringer verfügen souverän über „zentrale Parameter für mitreißende Interpretationen“ (BR). „‘Ich‘ und ‚wir‘ meint bei ihnen oft untrennbar dasselbe. Den Satz, den die eine lossprudelt, pointiert die andere. Dialoge perlend wie ein Mozart-Duett.“ (Saarbrücker Zeitung)

Mit Geige und Klavier bilden sie einen „fast symbiotischen Klangkörper“ (NDR). Obwohl die Schwestern schon früh erfolgreich ihre eigenen Wege als Solistinnen gingen, musizieren sie gemeinsam „wie aus einem Guss!“ Sie „bersten vor Spielfreude, mehr noch: vor musikalischer Angriffslust“ (BR) auch in ihrer neuen Einspielung.
 
Bei Rubicon Classics erscheint am 26.01. ihr neues Album Lifelines, auch dank erfolgreichen Crowdfundings. Nach seltenem Repertoire aus dem 20. Jahrhundert schlagen die Beiden in ihrem zweiten Album nun einen Bogen zwischen den musikalischen Gefühlswelten des 19. Jahrhunderts:

Von einem wenig gespielten Jugendwerk Edvard Griegs aus dem sagenhaften Skandinavien über berührende Klagelieder Franz Liszts bis hin zum hochdramatischen Lebenszyklus César Francks, damit beeindrucken die Beiden auch im Konzert: „Voller drängender Leidenschaft schien der Bogen der Geige mit den tanzenden Fingern auf dem Klavier eine Art virtuosen Wettstreit aufzuführen.“ (Oberbayerisches Volksblatt)
 
„Hochdramatisches und Tiefromantisches von Grieg, Liszt und Franck versammelt „Lifelines“, beim SR aufgenommen. Ein Klanggenuss durch und durch.“ (Saarbrücker Zeitung) Ausgangspunkt ist eine Jugendsonate op. 8 von Edvard Grieg.

Franz Liszts späte Elegien bilden in diesem Album die Brücke zur Sonate des Liszt-Freundes César Franck, die ein ganzes Leben umspannt. Nicht zuletzt war das Werk Cesár Francks ein Hochzeitsgeschenk für den Geiger Ysaÿe. So sind die drei Kompositionen der Hochromantik für das Geschwisterpaar durch einen roten Faden miteinander verbunden.
  
„Lebhaft und ausdrucksstark, (...) berührend“ erschließen Lea und Esther Birringer die „melancholische Folkloristik“ von Griegs Musik und ergreifen von dort aus die emotionale Vielfalt der späteren Kompositionen Liszts und Francks neu:

„In den beiden Elegien von Franz Liszt wechselte duftige Leichtigkeit mit leidenschaftlichen, düsteren Gefühlsausbrüchen. Das Klavier klang oft gläsern und klar wie eine Harfe. Lea Birringer zauberte auf ihrer Violine mal rauchig-sonore, dann wieder glockenreine Töne, die das Klavier lockend zu umschmeicheln schienen.“ (Oberbayerisches Volksblatt)   

„Komplimente können wir uns sparen“

Das dynamische Schwestern-Duo schöpft die Energie für das gemeinsame Spiel auch aus den Erfahrungen, die jede Einzelne auf Solopfaden macht. Die Violinistin Lea Birringer „weiß, was sie vermitteln will.

Ihre Performance ist viel mehr die einer Musikerin denn nur die einer Geigerin“ (DrehPunktKultur). Esther Birringer, das „kraftvolle Energiebündel“ (Weißenburger Tagblatt) begeistert durch ihr sensibles und gleichermaßen packendes Klavierspiel.

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09.01.2018 für sie ist Ironie die Poesie des Humors

Uwe Kerkau/ Rico Scholz

Olivia Trummer ist ein höchst feinsinniger Mensch, ein großes und selbstbewusstes Mädchen von 26 Jahren, ein Temperamentbündel, das gerne lacht und die Welt mit offenem und klugem Blick betrachtet. Die in Stuttgart geborene und lebende Pianistin und Komponistin hat mit ihrem nunmehr vierten Album ihren musikalischen Kosmos tiefgreifend erweitert.

Die hoch talentierte Musikerin, die sich bereits viele Meriten als klassische Konzertpianistin verdient hat, aber vor allem als Jazzpianistin in den letzten Jahren für Furore sorgte, steuert mit „Poesiealbum“ wohlgemut und optimistisch allen vorgefestigten Meinungen und Erwartungshaltungen entgegen.

Die vielseitige Künstlerin erweitert auf den neun Aufnahmen ihr ohnehin weit gefasstes stilistisches Spektrum mit gesungenen Liedern, besser noch, sie konzipiert Musiklandschaften, die sie mit ihrer Stimme und mit ihren Gedanken füllt, mit heiteren bis besinnlichen lebensphilosophischen Reflexionen. So hat man Jazzsongs wahrlich selten, wenn überhaupt gehört.

Nachdem sie schon auf dem Vorgänger „Nobody Knows“ (2010), inspiriert von ihrem Studium an der Manhattan School of Music in New York, erstmals auf einem ihrer Alben gesungen hatte, allerdings vornehmlich englisch, vertraut sie nun auf „Poesiealbum“ ganz ihrer Muttersprache.

Frei nach dem Motto, dass Ironie die Poesie des Humors ist, fügen sich ihre feinfühligen Weltbetrachtungen über die Liebe, die Natur und all die kleinen Dinge, die das Leben lebenswert machen und ein „Poesiealbum“ befruchten, in die feinen Verästelungen ihrer weitläufigen Kompositionen.

Aufgenommen hat Olivia Trummer ihr neues Album mit ihrem langjährigen Lebensgefährten, dem Schlagzeuger und Perkussionisten Bodek Janke, sowie mit dem erfahrenen Kontrabassisten Martin Gjakonovski und dem Posaunisten Johannes Lauer. Beide Musiker hatte sie erst vor geraumer Zeit kennen und schätzen gelernt – und der schnell spürbaren Chemie vertraut, die sich im Zusammenspiel mit diesen ergeben hatte.

Die erlesen produzierten Quartett-Einspielungen werden angeführt von „Meer ohne Wasser“, ein Stück, das gekonnt mit Versatzstücken des Swing kokettiert und zugleich über Lebenslust und das Leben im Überfluss unter der Prämisse sinniert, dass es mit der Menschheit irgendwann zu Ende geht.

Wann ist schon mal so frohgemut die Apokalypse konstatiert worden? Da ergibt sich ein „Requiem“, so der Titel der darauffolgenden Coda, mit seiner düsteren Atmosphäre wie ein nachhängender Gedanke fast zwangsläufig. Im weiteren Verlauf des rein formal schon abenteuerlichen Albums macht sich Olivia Trummer diverse Stilmittel ganz zu Eigen.

So nimmt sich das kokette „500 Millionen“ aus wie ein in Bebop getränkter Ragtime, „Verrückt“ birgt Konnotationen des Latin Jazz und mündet doch in komplexen Improvisationskaskaden, „Für ein Lächeln“ rührt an nostalgische Chansons aus der Marlene-Dietrich-Ära, und „Es ist windig heut‘“ spielt mit Tempowechsel wie das Wetter selbst.

Auch das verspielte „Ohne Winter“ vertraut auf die Polarität und die Kreisläufe des Lebens, was durchaus so etwas wie einen roten Faden des Albums bildet. „Die Liebe“, das älteste und persönlichste Stück des Albums, überzeugt als stark bewegendes, demütig wirkendes Schlussmotiv und überrascht, wie dies bei ihren Melodiebögen nicht selten der Fall ist, mit pittoresken Volten wie einem Zitat aus dem Jazzstandard „Someday My Prince Will Come“.

Dass Olivia Trummer in einem sehr harmonischen Elternhaus aufgewachsen ist, in dem sowohl Vater als auch Mutter als Musiker tätig sind, hat ihrer musikalischen Entwicklung natürlich die besten Voraussetzungen geboten. Während ihre Mutter ihr schon früh die Basis klassischer Musikerziehung angedeihen ließ, hat sich Olivia von klein auf „den Tonraum mit Improvisationen eigenständig erschlossen“, wie sie es schön formuliert.

Dass sie im Laufe der Jahre fünf Mal bei „Jugend musiziert“ als Siegerin vom Podest geht, gehört ebenso zu ihrer dynamischen Entwicklung wie der Abschluss mit Auszeichnung an der Stuttgarter Musikhochschule und das durch eines ihrer zahlreichen Stipendien geförderte Studium des Jazzklaviers an der Manhattan School of Music in New York.

Imposant nimmt sich auch die Liste ihrer Konzertauftritte aus, die neben zahlreichen heimischen Festivals auch Tourneen durch Italien, Tschechien, Polen und Russland umfassen sowie Auftritte in der Carnegie Hall, bei den Ludwigsburger Schlossfestspielen und auf Schloss Elmau. Mit ihren Kompositionen ist Olivia Trummer auch schon in einigen Kultursendungen der öffentlich-rechtlichen Fernsehsender aufgetreten und erhält von diversen Kulturträgern immer wieder mal Kompositionsaufträge.

Bislang hat sie mit dem Olivia Trummer Trio drei Alben veröffentlicht: „Nach Norden“ (2006), „Westwind“ (2008) und „Nobody Knows“ (2010). „Poesiealbum“ ist nun das erste Werk, das nur unter ihrem Namen erscheint – eine Zäsur, vielleicht sogar ein bewusster künstlerischer Befreiungsschlag. Die Fachpresse ist sich jedenfalls einig: „Olivia Trummer gehört die Zukunft“ (Jazzpodium) und „…besitzt fraglos das Potential, ein Star zu werden“ (Mannheimer Morgen).

Dabei erstrahlen die vielen Talente der Olivia Trummer – „young, gifted und deutsch“, wie Jazzthing einmal titelte – natürlich vor allem in der Gegenwart, wie sie unlängst wieder eindrucksvoll unter Beweis stellen konnte. In Baden-Baden hatte sie vor kurzer Zeit die Ehre, mit Bobby McFerrin gesanglich und pianistisch einen improvisierten Kurzauftritt aufs Parkett zu legen.

„Da saß jeder Ton, da war Intensität, Magie und Eleganz: Bobby war begeistert!“ Dieses Pressezitat lässt sich natürlich spielend auch auf das vorliegende „Poesiealbum“ übertragen. Lange habe sie gewartet, sich mit ihrem Gesang auf die Bühne zu wagen.

Nun ist dieser Moment gekommen und es ist schon bewundernswert, wie hervorragend es ihr gelingt ein enorm anspruchsvolles Album mit Liedern voller Tiefgang und Substanz mit so viel Leichtigkeit und Humor zu füllen und zu gestalten. Mit „Poesiealbum“ erobert sich Olivia Trummer eine weitere künstlerische Dimension, die ihr ein verdientermaßen noch größeres Publikum bescheren wird und die auf ihrem weiteren Weg noch sehr lange nachklingen dürfte.

„Poesiealbum“ obsiegt als ein kaleidoskopisches Vergnügen voller Atmosphäre und Abenteuer, Finesse und Farbenpracht, Ironie und Improvisationslust, Phantasie und natürlich Poesie. Ein eigenwilliger Kosmos, der Olivia Trummer in neuem Licht strahlen lässt.

Die Pianistin, die so ziemlich alle musikalischen Hürden nehmen kann, die es in der Klassik und im Jazz überhaupt gibt, hat sich nun neben ihrem Furor als Komponistin auch als wie ein Fisch im Wasser mühelos dahingleitende Vokalistin zu einer der stärksten und wohl auch visionärsten Jazzstimmen unserer Zeit emporgeschwungen.

Musiklabel:

Neuklang gehört zu Bauer Studios GmbH:

Rico Scholz
Markgröninger Str. 46; DE-71634 Ludwigsburg; Tel. 07141 2268-0, Fax 2268-99
e-mail: rico@bauerstudios.de, URL: www.neuklangrecords.de / www.bauerstudios.de

 

Uwe Kerkau Promotion
Hammermühle 34
D-51491 Overath

Tel ++49 (0) 22 06 / 80 00 7
Fax ++49 (0) 22 06 / 80 77 6

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2012

13.01.12 - Rostock, Olivia Trummer "Poesiealbum", Jazzclub

07.02.12 - Berlin, Olivia Trummer "Poesiealbum", B-flat

10.02.12 - Halle, Olivia Trummer "Poesiealbum", Women-In-Jazz-Festival

19.02.12 - Heilbronn, Olivia Trummer "Poesiealbum", Cave 61

 

 

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24.08.2017 Don Bosco´s Jugend Dritte Welt

Gottfried Böhmer

Das ist ein Artikel aus 2008. Leider hat unsere Redaktion nicht mehr viel davon gehört. Dabei ist das Thema doch gerade in den letzten Jahren immer wichtiger geworden und von daher eine Erinnerung wert.

Kunst für die Jugend Dritte Welt - An einem Ort, wo sich normalerweise geschäftige Bankkunden ihr Stelldichein geben, Aktienkurse verfolgen und die neuesten Nachrichten austauschen, zog die Kunst ein.

Am 27. Mai 2008 fand in der Kreissparkasse Köln am Neumarkt eine Premiere statt, worauf der Vorsitzende des Vorstandes Alexander Wuerst der besagten Bank besonders Stolz  war. Es geht um ein Kunstprojekt mit einer besonderen Note.

2007 wurde das Kunstprojekt Erdenkinder ins Leben gerufen. Ziel dieses ungewöhnlichen Kunstprojekts ist es, die Lebensbedingungen junger Menschen stärker in den Blick der Öffentlichkeit zu rücken. Ein Problemfeld, das heute nicht mehr nur die Dritte Welt berührt, sondern auch in Deutschland zunehmend große Sorge bereitet.

Was war passiert? Im Jahr 2007 ging der Verein  Don Bosco, JUGEND DRITTE WELT e.V. neue Wege, um auf die Bedürfnisse von Straßenkinder und jungen Menschen am Rande der Gesellschaft aufmerksam zu machen. Don Bosco war ein italienischer Priester und Ordensgründer.

1859 gründete er eine religiöse Vereinigung, die 1874 von Papst Pius IX. als „Gesellschaft des Heiligen Franz von Sales“ anerkannt wurde. 1872 gründete er gemeinsam mit der später heilig gesprochenen Maria Mazzarello die Ordensgemeinschaft der „Töchter Mariens, Hilfe der Christen“ (Don-Bosco-Schwestern).

Ziel beider Vereinigungen blieb die Erziehung und Fürsorge für arme und benachteiligte Jugendliche.Der Verein ist heute in über 100 Ländern Afrikas, Asiens, Lateinamerikas, Ozeaniens und Osteuropas tätig, um jungen Menschen nach dem Vorbild Don Boscos eine bessere Zukunft zu ermöglichen.

Kinder und Jugendliche sollen die Möglichkeit haben, zur Schule zu gehen und eine Berufsausbildung zu erhalten, um so den Sprung aus der Armutsfalle zu bekommen.   Das Credo des Ausstellungsprojektes Erdenkinder lautet kurz zusammengefasst: „Junge Menschen von heute werden unsere Zukunft von Morgen sichern.

Erdenkinder von heute sind die Weltbürger von morgen.“ Die Auftaktveranstaltung fand 2007 auf der ART COLOGNE statt und wurde von deren ehemaligen Direktor Gerard A. Goodrow und der mittlerweile verstorbenen Direktorin Dr. Evelin Weiss des Museums Ludwigs Köln gefördert und kuratiert.  

Doch nun wieder zurück zur Premiere des Kunstprojektes Erdenkinder in der Kreisparkasse Köln. Das Ausstellungsprojekt Erdenkinder wurde von einer Reihe namhafter Künstler mit ihren Werken gesponsert.

Mit dabei waren Tony Cragg, Katharina Grosse, Heinz Mack, Boris Becker, Rebecca Horn, Harding Meyer, Robert Schad, Günther Uecker, Camille Leberer, Mischa Kuball, etc. und die Kaiserswerther Kunstpreisträgerin Dorothea Schüle. Dorothea Schüle hatte sich wie ihre Künstlerkollegen 2006 spontan entschlossen an diesem Projekt teilzunehmen.

In Anwesenheit des Vorsitzenden des Kuratoriums „Don Bosco - Jugend Dritte Welt“ Hans-Michael Heitmüller sollten nun die Werke der Ausstellung zu Gunsten von Don Bosco versteigert werden. Leider durften nur geladene Gäste der Versteigerung beiwohnen.

Die Kölner Bürgerschaft hätte hier sicherlich gerne mitgeboten. Vielleicht ist das eine kleine Anregung für das nächste Kunstprojekt zu Gunsten für die Jugend Dritte Welt. Die „Tatort“-Schauspielerin Rita Russek hatte die Schirmherrschaft für die Auktion übernommen und ließ es sich nicht nehmen, eine bewegende Rede zu halten.

Anschließend rief Andreas Rumbler, Geschäftsführer von Christie’s Deutschland zur Bieterschlacht auf. Am Ende der Auktion gab es viele glückliche Gesichter, denn ganze 92.500 € kamen zu Gunsten von „Don Bosco´s Jugend Dritte Welt“ zusammen.

Kunst bewegt eben doch die Welt“. Wer sich  für die Projekte Jugend Dritte Welt interessiert  kann das unter www.jugenddrittewelt.de  oder E-mail: info@jugenddrittewelt.de .

Aber auch wir, die Gesellschaft Freunde der Künste, sind für Anregungen dankbar, wie man mit Kulturprojekten die Jugend auch in Deutschland fördern kann. 



 

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09.08.2017 Nature's Songs von Frederike Berendsen

Redaktion - GFDK

Die junge Holländerin Frederike Berendsen will nun auch den deutschen Musikmarkt mit ihren Songs erobern. Dabei liegt Frederike Berendsen die Natur, Farben, Formen, Flora und Fauna ganz besonders am Herzen.

In Zeiten, in denen Eidechsen umgesiedelt und Klimaabkommen gekündigt werden, scheint die Natur oft mehr Hindernis als Bereicherung zu sein. Dabei offenbart sie bei näherer Betrachtung unnachahmliche, wundersame Perfektion in ihren vielfältigen Erscheinungen und inspirierte seit Urzeiten die Kunst. Schon Johann Wolfgang von Goethe schrieb 1778 in seinem Gedicht „An den Mond“:


Füllest wieder 's liebe Tal
Still mit Nebelglanz,
Lösest endlich auch einmal
Meine Seele ganz

Songs über Natur, Farben, Formen, Flora und Fauna

Auch die 21 Jahre junge, niederländische Sängerin, Frederike Berendsen widmet sich in zehn Stücken dem verloren geglaubten Blick auf die verschiedenen, wundersamen Aspekte der Natur.
Inspiriert von eben dieser und von den vier jungen Musiker*innen im Licht des Zeitgeistes betrachtet, entstand ein Konzept- und zugleich ein Debutalbum, das die tiefe und ursprünglichste Verbundenheit von uns Menschen mit der Natur neu entfacht und uns ermutigt, wieder zu staunen - über Farben, Formen, Flora und Fauna.

Das Konzept für „Nature's Songs“, von Frederike Berendsen ist tief mit dem eigenen Leben von Frederike Berendsen verbunden. Da sie auf einem Hof im ländlichen Osten der Niederlande aufwuchs, spielte die Natur schon immer eine große Rolle in ihrem Leben. Ihr Optimismus und ihre Verbundenheit zur Natur und ihrer Umwelt spiegeln sich in ihren Songs wider.

Das Quartett um die Sängerin  Frederike Berendsen hat sich mit Ben van Gelder, einem der gefragtesten Saxophonisten der Niederlande und dem vielfach ausgezeichneten Pianisten Florian Weber (u.A. ECHO JAZZ 2013 Piano national, WDR Jazzpreis 2014 Improvisation), zwei großartige Gastsolisten ins Studio eingeladen, die sich ganz natürlich in den Sound der Band einfühlen und die Stücke mit ihren einzigartigen und wunderbaren Klangsprachen bereichern.

Und auch der Mond (Song #6 „The Moon“) darf auf diesem Album nicht unbesungen bleiben…. .

FRÉ – NATURE'S SONGS:
Frederike Berendsen:  vocals, charango, compositions
Julian Bohn:  piano, Fender Rhodes, melodica, background vocals
Caris Hermes:  doublebass
Lukas “Bobby” Büning:  drums


Special Guests:
Florian Weber:  Fender Rhodes
Ben van Gelder:  alto saxophone

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23.07.2017 ein Album von internationalem Format

GFDK - Uwe Kerkau

Seit Ilse DeLange 1998 mit ihrem von Barry Beckett in Nashville produzierten Debütalbum „World Of Hurt“ an die Spitze der niederländischen Charts stürmte, haben es sechs weitere Alben an die Spitze der heimatlichen Hitlisten geschafft.

Die blonde Sängerin mit dem strahlenden Lächeln und der kristallklaren Stimme, die ihren künstlerischen Aufstieg als Country-Sängerin begann, hat beste Chancen, als nunmehr formidable Popkünstlerin hierzulande einem breiten Publikum bekannt zu werden.

Mit „Miracle“, ihrem bis dato erfolgreichsten Hit aus dem 2008er „Incredible“ Album, war Ilse DeLange vor vier Jahren nicht nur ihr erster Nummer-eins-Hit gelungen sondern zudem eine dieser nachhaltig wirkenden Balladen, die man immer wieder hören kann und denen die Zeit nichts anzuhaben vermag.

Geschrieben hatte sie den Song, der auch als Titelsong des Kinofilms „Bride Flight“ reüssierte, gemeinsam mit dem britischen Songwriter Sacha Skarbek, der unter anderem für Adele, James Blunt, Duffy und Lana del Rey gearbeitet hat. Dieses Stück gibt nun auch Ihrem 'Debut' in Deutschland den Album-Titel und ist gleichzeitig ein Bonus, denn es wurde hierzulande bislang nicht veröffentlicht.

In all den Jahren ist die enge Zusammenarbeit mit renommierten Songautoren zum Fundament ihres künstlerischen Schaffens geworden. Längst firmiert sie bei all ihren Songs als Co-Autorin. Die meisten Alben nahm sie mit Sessionmusikern in den USA auf, meist in Nashville, aber auch in Los Angeles.

In dieser Hinsicht bildet  „Miracle“ eine Ausnahme. Ilse DeLange hatte sich wegen des Todes ihres Vaters entschlossen, die Aufnahmen im Kreise ihr vertrauter Musiker zu machen und sich bewusst für die Musiker ihrer angestammten Begleitband entschieden. Das ist der Qualität der Produktion und dem harmonischen Gesamtbild des Albums durchaus zugute gekommen

Musik CD voller Magie

„Miracle“ ist ein Album von internationalem Format und hat ein geradezu magisches Pop-Appeal. Die dynamische und enorm emotionale Stimme von Ilse DeLange macht natürlich den besonderen Zauber aller Songs aus. Beeindruckend ist die enorme stilistische Bandbreite. Ihre Entwicklung von einer Countrysängerin hin zu einer genreübergreifenden Popkünstlerin scheint hier endgültig vollendet.

„Ich habe mich nie als reine Country-Musikerin gesehen, aber mich auch nie von Country komplett getrennt. Das hat sich alles nach und nach entwickelt. Ich habe schon immer die Herausforderung geliebt und mit jedem neuen Album auch mit neuen Leuten gearbeitet. Die haben auch ihre Erfahrungen eingebracht und so bin ich auch von all den Songschreibern, Musikern und Produzenten,

mit denen ich gearbeitet habe, beeinflusst worden.“ Neben Barry Beckett hat sie auch mit anderen Top-notch-Produzenten gearbeitet, etwa für ihr Album „The Great Escape“ (2006) mit Madonna-Produzent Patrick Leonard. „Miracle“ ist auch tatsächlich das erste Album, bei dem sie selbst Regie geführt hat.

Die Stärke der neuen Songs verdankt sich nicht nur der natürlichen Ausstrahlungskraft ihrer Interpretin, sondern auch den brillanten Melodien. So ist das eindringliche „I Need For You“, aufgebaut und überzeugend wie eine U2-Ballade à la „One“, absolut unwiderstehlich.

Ein großer Wurf von Ilse DeLange und ihrem US-amerikanischen Co-Autoren Nate Campany, der noch an weiteren Songs mitgewirkt hat: an dem hymnischen „We Are Diamonds“, dem herrlich nostalgischen und in kräftigen folkloristischen Farben ausstaffierten „Just Kids“, das jederzeit mit den Hits von Nelly Furtado mithalten kann, sowie dem schwungvollen „Dance On The Heartbreak“, mit dem sich jederzeit auch in Dance-Clubs aufwarten lässt.

Auch an dem eindringlichen „We Are One“ hat er als Co-Autor mitgewirkt. Den Song, den sie ihrem Vater gewidmet hat, konnte sie diesem noch zu Lebzeiten vorspielen. „We Are One“ bildet gemeinsam mit „Time Will Have To Wait“ und dem ihrer Mutter gewidmeten „I Need For You“ die „emotionalen Säulen“ des Albums, das gleichwohl von Songs dominiert wird, die lebensbejahend und erhebend klingen.

Songs wie der an die besten Zeiten von Fleetwood Mac erinnernde „Winter Of Love“, der sphärisch-sanfte Countryfolk von „Space Cowboy“ oder der mit Synthesizer unterfütterte Rocksong „Magic“. Zu wahren Pophymnen schwingen sich „Learning To Swim“ und „Hurricane“ auf. So muss Mainstream deluxe klingen.

Das musikalische Talent von Ilse DeLange war schon früh zu erkennen. In der nahe der deutschen Grenze gelegenen Kleinstadt Almelo aufgewachsen, nahm Ilse schon als Kind an Talentwettbewerben teil und begeisterte sich schon früh für Country, Americana, Bluegrass und Blues.

Von Jugend an sammelte sie Erfahrungen in diversen Bands. Während eines Auftritts bei den Dutch Country Music Awards wurde sie von einem Talentscout aus den Staaten entdeckt und nach Nashville eingeladen, wo sie die Chance bekam, mit dem renommierten Produzenten Barry Beckett (Bob Dylan, Dire Straits) zu arbeiten, der ihr Sensationsdebüt produzierte.

„Ich war damals noch enorm jung, gerade mal 18, 19 Jahre alt und für mich wurde ein Traum wahr. Ich hatte damals noch nicht viel Ahnung von allem. Jetzt war ich plötzlich unter all diesen großartigen Musikern und Instrumentalisten, um meine erste Platte aufzunehmen.

“ Barry Beckett, mit dessen Unterstützung sich „World Of Hurt“ allein in den Niederlanden über eine halbe Million mal verkaufte, sollte auch das folgende Album ' Livin On Love' produzieren. „Dear John“, ein Livealbum mit ausschließlich Coverversionen von John-Hiatt-Songs, dessen Klassiker „Have A Little Faith In Me“ noch heute einen Stammplatz in ihrem Liverepertoire genießt, wurde mit seiner Hilfe gemixt.

Mit mittlerweile 20 Hits in den Top 40 und etlichen Platinauszeichnungen für ihre Albumveröffentlichungen gehört Ilse DeLange zu den Top Artists ihres Landes. Wie beliebt Ilse DeLange in den Niederlanden ist, zeigt auch ein Blick auf die zahlreichen Auszeichnungen und Preise, die ihr dort verliehen wurden.

Neben fünf Edison Awards (das Pendant zum Echo) wurde sie in diversen Kategorien wie Best Singer, Best Single, Best Album und Best Pop Artist mit dem begehrten 3FM-Award (Radiopreis) sowie mit mehreren TMF Awards (Fernsehpreis) ausgezeichnet. Außerdem wurde ihr für ihre besonderen Verdienste für die niederländische Popmusik die „Gouden Harp“ (Goldene Harfe) verliehen.

Während sie in den Niederlanden ganze Stadien füllen kann (zuletzt eindrucksvoll demonstriert und dokumentiert auf ihrem No.1-Album „Live In Gelredome“ aus dem Jahr 2011), ist sie in jungen Jahren schon mit den Dixie Chicks durch Europa getourt. Erinnerungswürdig sind auch ihr Auftritt mit Pat Metheny auf dem North Sea Jazz Festival und ihr Duett mit Italiens Superstar Zucchero („Blue“, 2004).

Doch Ilse DeLange hat sich noch nie auf ihren Lorbeeren ausgeruht. Die Künstlerin, die für ihre Bodenständigkeit ebenso hoch geschätzt wird wie für ihren Charme, arbeitet schon wieder an neuen Songs, während ihr längst überfälliger Durchbruch in Deutschland bevorsteht. „Für mich wäre ein Erfolg in Deutschland wundervoll“, sagt die Künstlerin voller Bescheidenheit.

„Es fühlt sich an wie ein großes Abenteuer. Es ist natürlich schön, nicht davon abhängig zu sein. Es wäre die Extraportion Sahne auf einer ohnehin sehr gut schmeckenden Torte. Es würde mir natürlich ungeheuren Spaß machen, auch mal live aufzutreten.“

Wenn im Frühsommer das frisch gekrönte niederländische Königspaar in Deutschland erstmals seine Aufwartung macht, wäre das auch eine glänzende Gelegenheit für Ilse DeLange, ihre Songs auf deutschen Bühnen live zu präsentieren. Wie schrieb George Sand einst: „Zweifellos vermag die Politik Großartiges zu schaffen, aber nur das Herz vollbringt Wunder“.


Manchmal braucht es ein kleines Wunder, um etwas zu bewegen. Manchen Wundern kann man aber auch auf die Sprünge helfen. Ilse DeLange ist das, was man ein „natural born talent“ nennt. Sie ist eine der erfolgreichsten Musikerinnen der Niederlande. Die 35-jährige Sängerin, Songwriterin und Gitarristin kann auf eine exzeptionelle Karriere in ihrem Heimatland zurückblicken.



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22.06.2017 Das preisgekrönte Minetti Quartett

GFDK

Als „musikalische Sensation aus Österreich“ betitelte Der Tagesspiegel das Minetti Quartett bereits nach seinem Debüt in der Berliner Philharmonie. Seit ihrer Gründung 2003 werden die vier jungen Streicher und Streicherinnen Maria Ehmer, Anna Knopp, Milan Milojicic und Leonhard Roczek immer wieder hoch gelobt und mit Preisen sowie Förderprogrammen bestückt.

So waren sie als „Rising Star“ in der Saison 2008/2009 nicht nur in bedeutenden europäischen Musikmetropolen unterwegs, sondern konzertierten auch schon in den angesehensten Konzerthäusern Japans, Australiens und Nord- sowie Südamerikas. Nach Auftritten bei renommierten Kammermusikfestivals wie der Schubertiade Schwarzenberg sind sie nun auch beim kommenden Kissinger Winterzauber mit auserlesenen Kompositionen  zu Gast.

Maria Ehmer

1982 geboren, erhält ihre künstlerische Ausbildung bei Wolfram Wincor am Bruckner-Konservatorium Linz und bei Ernst Kovacic an der Wiener Musikuniversität (2005 mit Auszeichnung bestandene erste Diplomprüfung), seit Herbst 2005 Studium in der Meisterklasse von Günter Pichler (Alban Berg Quartett).

Viermalige Siegerin beim Bundeswettbewerb Prima la Musica, Sonderpreis beim Internationalen Johannes Brahms Wettbewerb 2000 in Pörtschach/Kärnten.

Meisterkurse und Workshops im In- und Ausland bei internationalen Größen wie etwa Benjamin Schmid, Lynn Blakeslee, Antje Weithaas und Hagai Shaham.

Solistische Auftritte mit dem Brucknerorchester Linz, dem Tiroler Sinfonieorchester Innsbruck, der Philharmonia Wien und der Kammerphilharmonie Warschau sowie mit zahlreichen Jugendorchestern.

2002 Gründung und Primgeigerin des Minetti Quartetts. Bereits 2003 triumphiert dieses künstlerisch von Johannes Meissl (Artis Quartett) und den Mitgliedern des Alban Berg Quartetts betreute Ensemle beim renommierten österreichischen Wettbewerb „Gradus ad Parnassum“. Es folgen ein vielumjubeltes Debüt im Wiener Konzerthaus und erfolgreiche Konzerte in vielen Ländern Europas, Meisterkurse bei Norbert Brainin (Amadeus Quartett), Hatto Beyerle (Gründungsmitglied des Alban Berg Quartetts), Christoph Richter (ehem. Cherubini Quartett) und Erich Höbarth (Quatuor Mosaiques) sowie ein Stipendium des Herbert von Karajan-Centrums.

Maria Ehmer spielt auf einer Violine von Giovanni Battista Guadagnini ("ex Meinel", 1770-1775), einer Leihgabe aus der Sammlung der Österreichischen Nationalbank.

Leonhard Roczek

Leonhard Roczek wird 1983 in Salzburg geboren. Erster Klavierunterricht im Alter von vier Jahren, erster Cellounterricht mit sieben. Als 10-Jähriger Beginn des Studiums an der Universität Mozarteum Salzburg, vorerst bei Heidi Litschauer, später bei Clemens Hagen (Hagen Quartett). Nach der Matura Wechsel an die Musikuniversität Wien zu Valentin Erben (Alban Berg Quartett). 2010 Magisterium mit Auszeichnung.

Mehrfacher Preisträger bei den Cello-Wettbewerben Liezen, Gorizia und Gradus ad Parnassum. Stipendiat der Thyll-Dürr-Stiftung (Schweiz). Meisterkurse bei Zara Nelsova, Wolfgang Böttcher, Christoph Richter, Patrick Demenga, u.a.

Leonhard Roczek ist Gründungsmitglied des Minetti Quartetts - zahlreiche Stipendien und Preise bei großen internationalen Streichquartett-Wettbewerben, Konzerte in Nord- und Südamerika, Japan, China, Australien und vielen europäischen Musikzentren. Von den Europäischen Konzerthäusern zum "rising star" gekürt und somit Konzerte in den bedeutendsten Sälen der Welt (z.B. Kölner Philharmonie, Concertgebouw Amsterdam, Palais des Beaux Arts Brüssel, Festspielhaus Baden-Baden, Wigmore Hall London, Berliner Philharmonie). Regelmäßiger Gast bei renommierten Kammermusikfestivals (z.B. Schubertiade Schwarzenberg, Aldeburgh, Aix-en-Provence, Mecklenburg-Vorpommern, Kuhmo). 2009 Debut-CD des Minetti Quartetts beim deutschen Label „Hänssler Classic“ mit Werken von Joseph Haydn (www.minettiquartett.at).

Neben seiner intensiven kammermusikalischen Tätigkeit tritt Leonhard Roczek auch solistisch auf (z.B. 2010 Schumann Cellokonzert mit dem Grazer Philharmonischen Orchester im Wiener Musikverein), sammelt Orchestererfahrung (z.B. Wiener Philharmoniker, Camerata Salzburg), und ist zudem als Dozent (Kuhmo, Matrei), Komponist und Rockmusiker (www.metaphysis.at) tätig. Er spielt ein Violoncello von Giovanni Tononi (Bologna, 1681), eine Leihgabe der Österreichischen Nationalbank.

Anna Knopp

geboren 1982, ist Gründungsmitglied im österreichischen Minetti Quartett, das seit seiner Nominierung für den Rising Star-Zyklus 2008/09 in die führenden Konzerthäuser Europas eingeladen wird. Viele Konzerte werden live für Internationale Radio-Stationen aufgezeichnet. Konzerte und Tourneen nach Argentinien, Japan, Australien und den USA wurden bereits absolviert. Zahlreiche Preise und Förderungen begleiten das Minetti Quartett auf seinem bisherigen Werdegang. Nach der erfolgreichen Debut-CD mit Werken von Haydn im April 2009 erschien 2012 eine weitere CD mit Quartetten von Mendelssohn bei Hännsler classic.

Anna Knopp studierte bei Prof. Gerhard Schulz an der Universität für Musik in Wien (Magister-Diplom mit Auszeichnung 2010). Meisterkurse bei T. Varga, Y. Menuhin, B. Schmid, V. Gluzman ua. Während ihrer Musikgymnasiumszeit in Linz Studium am Bruckner Konservatorium Linz. Ihren ersten Geigenunterricht erhielt sie an der Landesmusikschule ihrer Heimatgemeinde Ohlsdorf, OÖ, wo sie auch viele Jahre lang als Mitglied der Köcker-Musi Kontakt zur österreichischen Volksmusik pflegte.

1996 erster solistischer Auftritt mit dem Wiener Kammerorchester unter Sandor Vegh. Weitere solistische Auftritte mehrmals mit dem Brucknerorchester Linz und der Südböhmischen Kammerphilharmonie Budweis.

2005 Anerkennungspreis der Stadt Frankfurt, 2003 Kammermusikpreis der Firma Bösendorfer, 1999 2. Preis beim Internationalen Rundfunkwettbewerb Concertino Praga. 1995-1999 alljährlich 1. Preise und mehrere Sonderpreise bei „Prima la Musica“.

Preise und Förderungen mit dem 2003 gegründeten Minetti Streichquartett beinhalten: Startstipendium 2010 des österreichischen Bundesministeriums für Unterricht Kunst und Kultur, 1. Preis beim Intern. Rimbotti Wettbewerb in Florenz, jeweils Sonderpreise und 2. Plätze beim Haydn-Wettbewerb in Wien 2007 und Schubertwettbewerb in Graz 2004, Preis der Pressejury in Trapani/Sizilien 2004, Kammermusikpreis bei Gradus ad Parnassum und Großer Gradus ad Parnassum Preis 2003, Gewinnerin des Karajan-Jahres-Stipendiums 03/04. Weitere Auszeichnungen bei Musica Juventutis und Live Music Now in Wien.

Unterrichtstätigkeit beim Kuhmo Festival/Finnland und seit 2009 bei den Osttiroler Streichertagen .

Konzerttätigkeit auch zusammen mit ihrer Mutter Naoko Knopp (Klavier) sowie Mitgliedern und Solisten der Wiener Philharmoniker.

Anna Knopp spielt auf einer Violine von Laurenzius Storioni (Cremona, 1793), einer privaten Leihgabe.

Milan Milojicic

Milan Milojicic wird 1982 in Jagodina, Serbien geboren. Studium am Mozarteum Salzburg bei Thomas Riebl. Weiteren Unterricht bei Veronika Hagen, Diemut Poppen, Gerard Causse und Nobuko Imai. Preisträger bei zahlreichen Wettbewerben, u.a. Spezialpreis beim internationalen Wettbewerb "Petar Konjovic" in Belgrad "Summa cum Lauda" sowie Publikumspreis beim internationalen Wettbewerb Bogdan Warchal in Dolny Kubin, Slowakei. Solistische Auftritte mir der Deutschen Kammerakademie Neuss und dem Slowakischen National-Kammerorchester. Bei internationalen Festivals konzertiert er u.a. mit Solisten wie S. Azzolini, I. Grafenauer und M. Kofler.

Als Solobratschist der Salzburg Chamber Soloists und der Deutschen Kammerakademie Neuss spielt er in zahlreichen europäischen Ländern, Asien und den USA.

Seit Januar 2011 ist Milan Milojicic Mitglied im Minetti Quartett.

Generalmanagement

Künstlermanagement TILL DÖNCH

Till Dönch
Roegergasse 24-26/G2
A-1090 Wien
Tel: +43 1 470 80 83
Fax: +43 1 479 69 71
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www.doench.at

Deutschland

Künstlersekretariat Rolf Sudbrack

Inhaber Joachim Nerger e.K.
Gösselkoppel 54a
D-22339 Hamburg
Tel: 0049-40-538 2165 oder 538 2049
Fax: 0049-40-538 7220
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www.sudbrackmusik.de

Schweiz

Hochuli Konzert AG

Erla Scholz
Postfach 41
9056 Gais
Tel: +41 71 791 07 70
Fax: +41 71 791 07 72
info@hochuli-konzert.ch
www.hochuli-konzert.ch

Felix Mendelssohn-Bartholdy
Minetti Quartett

Streichquartette op. 13 & 12
SCM Hänssler
Art.-Nr.: 098.645.000
Mai 2012

Joseph Haydn
Minetti Quartett

Streichquartette op. 64/4 | 74/3 | 76/5
SCM Hänssler
Art.-Nr.: 098.589.000
April 2009


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22.06.2017 Begegnungen, Begebenheiten, Eindrücke

GFDk - Redaktion

Die 1983 geborene Wahlmünchenerin Stephanie Lottermoser  schreibt uns ein paar Zeilen über ihr neues Album. "Paris Songbook" ist mein drittes Album und ich freue mich sehr, dass es nun endlich da ist. Die Stücke darauf habe ich zum Großteil während meines Aufenthalts an der "Cité International des Arts" in Paris geschrieben, welcher mir 2013/14 durch einen Bayerischen Kunstförderpreis ermöglicht wurde.

Die Stücke sollen meine Zeit dort widerspiegeln - Begegnungen, Begebenheiten, Eindrücke, Einfälle, Gefühle und Gemütszustände, Ausblicke und Rückblicke: Ich freue mich sehr, dass ich den französischen Pianisten François Faure für die Aufnahmen gewinnen konnte, ich habe ihn in Paris mehrere male spielen gehört und war von Anfang an begeistert und wollte sehr gern mit ihm zusammenarbeiten. Er hat mir auch geholfen, eine sehr gute Band in Paris zusammenzustellen mit der ich im Mai das nächste mal in Paris mein Programm spielen werde.

Aus Liebe zu Saxophon und Jazz

Weiterhin sind mit Ferdinand Kirner (git), Peter Cudek (b) und Magnus Dauner (dr) drei Musiker dabei, mit denen ich schon sehr lange und sehr gerne zusammenarbeite, sowie neu Heiko Himmighofen (perc).

Außerdem stellte sich mir bei zwei Stücken die Frage nach einem zusätzlichen Gastmusiker oder Special Guest und da ich ein großer Fan seiner Musik bin und die gewünschten Instrumente für diese Stücke für mich Gitarre und Gesang waren kam eigentlich nur Torsten Goods in Fragen und ich freue mich, dass das geklappt hat. Am 5. September werden wir mit ihm gemeinsam im A-Trane in Berlin spielen.

Es war nicht von Anfang an geplant, ein komplett neues Programm für ein Album in Paris zu schreiben, aber ich habe gehofft dass es dazu kommt und die Stadt und alles was dort passiert ist haben mich sehr inspiriert und begeistert und ich denke, dass ich auch weiterhin so oft es geht dorthin reisen werde - das nächste mal im Mai.

Und so habe ich eben durch das Album "Paris Songbook" die Möglichkeit allen die wollen von meiner Zeit dort zu erzählen... und natürlich denke ich auch selbst gere daran.

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13.06.2017 er tourte bereits mit James Blunt

GFDK/Polydor/Universal

Es ist nicht mehr altäglich das sich ein Newcomer sechs Jahre nach seiner Entdeckung immer noch ganz oben in der Musikwelt hält. Die Sterne sind offtmals schneller verschwunden, als die Tinte mit der man gerade über sie geschrieben hat trocken ist. Nicht so bei Julian Perretta, von einem Newcomer kann man nicht mehr sprechen, er ist ganz oben geblieben. Der NDR schrieb unlängst "Julian Perretta auf den Spuren der Stones".

Julian Perretta verwebt auf seinem Debütalbum „Stitch Me Up“ zeitloses Songwriting mit zeitgenössischen Klangwelten – und definiert mit dieser einzigartigen Mischung aus Damals und Heute mal eben den Sound der Stunde.

Mit seinen gerade mal 22 Jahren verfügte der Senkrechtstarter aus London bereits 2011 über ein stattliches Songrepertoire und jede Menge Bühnenerfahrung. Hinzu kommt, dass er es gar nicht nötig hatte, sich irgendein Image zu kreieren, denn die ganz Großen der Musikindustrie waren schon weit, weit vor der Albumveröffentlichung von seinem Können überzeugt.

Sein Auftritt bei der Verleihung des wichtigsten französischen Musikpreises im Jahr 2010 katapultierte Perretta endgültig auf die musikalische Landkarte als er vor allem eines tat: die Worte Pop und Soul endlich wieder zu einer Einheit verschmelzen ließ. Seine im März auch hierzulande erscheinende Single „Wonder Why“ hatte sich da bereits als Hit entpuppt:

In Frankreich kletterte der Track auf Platz #3 der Airplay- und Single-Charts und wurde mit Gold ausgezeichnet. Und während man seinen souligen Sound unmöglich auf ein Genre oder eine Ära festnageln kann, fließen darin etliche Stile und Einflüsse ineinander. Britischer Pop, Rock und Soul der späten Sechziger und frühen Siebziger treffen auf einen gekonnten Mix der letzten zehn Jahre.

Für Perretta, dem Zeppelin, Hendrix und Clapton von seiner Familie quasi in die Wiege gelegt worden waren, kam ein Leben ohne Musik so oder so nicht in Frage. Als Brite mit italienischen Wurzeln wuchs er mit einem musikbesessenen Vater (dessen Vater wiederum sein Geld als Pianist verdient hatte) und einem Bruder auf, der sich als Orchesterdirigent einen Namen gemacht hat.

Er war gerade mal sechs (und verfügte über genügend Eifer und Ausdauer für zwei), als sein Vater ihm erste Stücke wie „Blackbird“ von den Beatles auf der Gitarre beibrachte. Als Teenager erweiterte er die so oder so schon reichhaltige Palette dann zum Beispiel durch Entdeckungen wie Hall & Oates oder Klassikern von Bowie.

Mit 15 wurde er Mitglied der Schulband und spielte ab sofort die Hits von The Strokes oder von The Killers. Und nicht mal ein Jahr später traf er eine Entscheidung, die viele wohl als den Anfang vom Ende bezeichnen würden:

Als 16-Jähriger ließ er sein Stipendium für die Royal Academy of Dramatic Art in London einfach sausen, weil er sich ein anderes Ziel als die Schauspielerei in den Kopf gesetzt hatte. Im Vertrauen auf sein Können als Songwriter wollte er sich auf die Musik konzentrieren und seinen eigenen Weg gehen. Sein konkretes Ziel lautete dabei: das perfekte Popalbum zu kreieren.

Blauäugig, absolut bestimmt und bereit, die eigentlich kaum greifbaren Melodien und Stimmen in seinem Kopf in eingängige Resultate zu verwandeln, machte sich Julian auf die Suche nach seinem eigenen Sound. Eingängig, authentisch und zeitlos.

Schon bald meldete er sich daher bei Matt Johnson, dem Keyboarder von Jamiroquai, und fragte den zunächst wenig überzeugt wirkenden Musiker, ob man nicht gemeinsam ein paar Stücke aufnehmen könne ein Angebot, auf das Johnson dann doch sofort eingehen sollte, nachdem er die besagten Songs gehört hatte).

Schließlich waren es Rob Harris und Matt Johnson von Jamiroquai, die gemeinsam mit Julian an dessen Debütalbum arbeiteten. Den Anfang machte stets eine Textidee, daraufhin traf sich Julian in der Regel mit „dem Duo“ im Studio, um gemeinsam die passenden Instrumental-Tracks zu kreieren, zu denen er wiederum die endgültigen Melodien und Texte beisteuern sollte.

Ein intensiver Prozess, der mehrere Jahre beanspruchen sollte. Doch schließlich verpassten sie dem Longplayer in den Londoner Konk-Studios den letzten Schliff. Allerdings sollten die Resultate zunächst noch als Visitenkarte fungieren und den britischen Produzenten und Songwriter Guy Chambers (u. a. Robbie Williams) dazu veranlassen, ebenfalls einen Track für Julians Album zu schreiben („King For A Day“) – und zwar im Laufe eines einzigen Nachmittags.

Über mehrere Ecken resultierte daraus wiederum, dass Mark Ronson (unter anderem bekannt für seine Arbeit mit Amy Winehouse) schließlich bei ihm anklopfte, weil der gerade auf der Suche nach einem Sänger für eine Tournee war. Julian sollte an dreißig Abenden hintereinander als Vokal-Gast auf die Bühne kommen, um den Track „Stop Me“ (im Original von Daniel Merriweather eingesungen) in ganz Europa live zu präsentieren.

Doch auch dieses Karrieresprungbrett war nur ein kurzer Zwischenstopp, denn gleich danach meldete sich die Crew von Beyoncé bei Perretta und fragte, ob er nicht im Vorprogramm ihrer „I Am“-Tour auftreten wolle. Womit wir so langsam im Hier und Jetzt gelandet wären.

Das Jahr 2011 begann zwar gerade erst, doch der eingangs erwähnte junge Mann hat seine Ziele schon in Teilen verwirklicht: Er stand schon auf riesigen Bühnen. Und er hat ein riesiges Album aufgenommen, das auf den Titel „Stitch Me Up“ hört.

Die Unbeschwertheit und Aufgeschlossenheit, die in Julians Songs zum Ausdruck kommt, zeigt deutlich, dass man es hier keinesfalls mit irgendeinem „künstlichen Produkt“ zu tun hat. Im Gegenteil: „Stitch Me Up“ ist das Ergebnis einer Suche nach der eigenen Stimme, nach Selbstbestimmung, und die überraschend schlichten und reif wirkenden Textpassagen, die hier auf intelligente wie eingängige Pop-Arrangements treffen, basieren größtenteils auf persönlichen Erfahrungen. Ganz gleich, ob es sich nun um den Megahit „Wonder Why“ oder aber um Songs wie „King For A Day“, „Ride My Star“ oder „Somebody Love Me“ handelt: sie alle unterstreichen, dass hier jemand seinen Sound gefunden hat und schon jetzt eine unverkennbare Marke mit viel guter Laune ist.

 

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Presse: Giang.Truong@umusic.com
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13.06.2017 Die neue Stimme des Jazz

GFDK - Jörg Himmrich r

2017 -  Was ist aus Chris Anderson geworden? Wir haben lange nichts mehr von ihm gehört. Der junge Entertainer Chris Anderson (24 Jahre) war die Neuentdeckung 2011 und aus der Swing und Jazz-Szene der USA nicht mehr wegzudenken. Mit seinem wunderbar charismatischen Charme und seiner fantastischen Stimme überzeugte er mit seiner Show "The Swing Thing" Veranstalter und Zuschauer gleichermaßen.

Seine Hommage an die zeitlosen Klassiker von legendären Künstlern wie Frank Sinatra, Dean Martin, Nat King Cole, Harry Connick Jr., Bobby Darin sowie wie den jüngsten Swingsound al'a Michael Buble präsentiert der Sänger und Entertainer mit seiner Begleitband, dem bekannten hochklassigen Jürgen Fetzer Orchester (u.a. Begleitband für Johnny Logan, Celine Dion, Babara Schönberger, Paul Kuhn, Satchmo - The King of Jazz Tour) 2012 erstmals dem Publikum in Europa.

Mit seinem aktuellen Videos " dem Peggy Lee Klassiker "Fever" und dem Duett "Baby, You've Got What It Takes (Top Hit für Dinah Washington & Brook Benton ) mit der wundervollen Sweet Sensation Stimme Tillie Sager (produziert und umgesetzt von Kenny "LaMar" McGowan) spricht Chris Anderson Jung und Alt gleichermaßen an.

Und die Kritiker sind sich einig, dieser junge Entertainer wird mit seinem frischen jugendlichen Bigband -Sound auch Europa faszinieren. Sein aktuelles Album "Let Them Talk" kann zur Zeit nur über die USA bezogen werden.

Die neue Stimme des Jazz - Chris Anderson Schon in ganz jungen Alter war Chris Anderson von der Idee begeistert vor einem tosenden Publikum auf der Bühne zu stehen. Er wusste, das er ein Performer werden wollte, aber er wusste nicht wann er sein Glück in die Welt des Entertainment finden wird.

Zwar stammte Chris Anderson aus einer musikalischen Familie, doch so richtig zeigte er nie Interesse ein Instrument zu beherrschen oder vor einem Publikum zu singen. Er stand lieber vor dem Radio und sang für sich selbst. Als 18 jähriger wandte sich das Blatt und er fing an sich um seine Musikkarriere zu kümmern. Nach Abschluss der Highschool ging es dann los.

Chris begann mit Playbacks live in kleinen und großen Clubs aufzutreten. Mit Songs von Elton John, R. Kelly bis hin Stevie Wonder reichte sein abwechslungsreiches Programm. In dieser Zeit hörte er zum ersten mal Jazz- Standards von seinem Großvater. Anfangs fiel es ihm schwer sich in diese Musik reinzuversetzen. Doch nach einiger Zeit fand er immer mehr Gefallen an dem Sound und der Musik.

Chris Anderson versetzte seinen Geist in die Texte und den Big-Band-Sound von Jazzgrößen wie Bobby Darin, Frank Sinatra und Nat King Cole. Als sein Onkel sein Talent sah nahm er ihn mit in seine 3-Mann Jazz Combo auf, wo er als Leadsänger der "Blue Notes" mit ihm tourte. Nach vielen Auftritten lernte Chris Anderson unzählige Jazz und Swingsongs und begeisterte immer mehr sein Publikum.

Die Nähe zu seinen Zuhörern brachte ihm sehr viele gute Referenzen ein. Im Winter 2006 arbeitete Chris im besten Restaurant von Eatonville. Das Jebinos ist ein "Rat-Pack Themen Restaurant in dem viele große Acts auf der Bühne stehen und natürlich die Musik von Frank Sinatra, Dean Martin und Sammy Davis Jr. gespielt wird.

Bei einen Abendessen mit der Familie im Restaurant fiel dem Onkel die komplette Bühne, Licht und das Sound-System und die ganzen Erinnerungsstücke auf und er sah sofort die Möglichkeit für Chris. Er fragte den Inhaber ob Chris einen Jazz-Standard singen dürfte. Da John von dem Talent von Chris wusste, stimmte er zu.

Ein wenig nervös ging Chris auf die Bühne und performte Sinatras "Fly Me To The Moon" Das Publikum war begeistert und der Inhaber war völlig fassungslos. Nach diesem Abend arbeitet Chris nicht mehr in der Küche sondern auf der Bühne. Er wurde zum Markenzeichen des Restaurants.

Heute ist Chris Anderson 24 Jahre alt und in der Swing und Jazz - Szene nicht mehr wegzudenken. Mit seinem jugendlichen Charme und seiner fantastischen Stimme überzeugt er Veranstalter und Zuschauer gleichermaßen. Kritiker nennen den jungen Chris Anderson gerne "The new voice of Jazz Generation" und stellen ihn auf die Stufe eines Michael Buble' oder Tom Gaebel. Chris Anderson bietet Entertainment der Spitzenklasse.

 

Kontakt

Agentur Jörg Himmrich

Postfach 1250
32269 Kirchlengern

Telefon:
+49(0)5223 940 26 69

Mobil:
+49 (0)157777 63 133

E-Mail:
info@remove-this.joerghimmrich.com

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07.05.2017 Hobbits, Elfen und sakrale Kunst

GFDK Redaktion

Heute möchten wir Euch einen sehr begabten und kreativen Künstler vorstellen. Er hat die Filmwelt, genauer gesagt, die Fantasiefilmwelt geprägt. Er schaffte Filmwelten für J.R.R. Tolkiens "Der kleine Hobbit" oder mischte auch bei Michael Endes "Unendlicher Geschichte" mit. Ab Mitte Mai 2017 gibt es zwei bekannte Werke des Künstlers in Bad Säckingen zu bewundern.

Doch wer ist dieser Künstler und was steckt hinter seinem großen Namen? Angerer der Ältere sieht seine Aufgabe in erster Linie darin, der Kunst wieder Schönheit, Phantasie, Geheimnis und Mythos zurückzugeben. Sein Credo ist, „Die Rückkehr des Menschen in die Kunst“.

Hobbits, Elfen und sakrale Kunst

Wenn es in den USA um fantastische Filmwelten geht, führt der Weg an Niederbayern nicht vorbei. Angerer der Ältere konnte mit seinen kreativen konzeptionellen Ideen zur „The Neverending Story II“ (Production Warner Bros.) nicht nur den Bayerischen Filmpreis ergattern, sondern nachhaltig ein Millionen Publikum begeistern. Seine fantastischen Bilder verkaufen sich weltweit.

Im Juli 2004 feierte Frankreich den „100. Geburtstag Salvador Dalis“ – Angerer der Ältere vertrat mit seinem Gesamtwerk die hohe Kunst und entwarf das Plakatbild Hommage à Dali.

Egal ob Leuchtendesign (Angerers sechs Meter hoher Lüster‚ the 113 ostrich- egg-chandelier) oder andere Werke, zu seinen Kunden zählen neben etlichen privaten Sammlern und Kunstschätzern nur beispielsweise das Nachrichtenmagazin ‚Der Spiegel’ (Covertitel) oder er schuf aus einem Original Audi Getriebe eine phantastische Burg, die Getriebe-Burg. Für die Fa. Wolf Klimatechnik entstand Technik und Kunst mit phantastischen Verwandlungen und somit eine neue Schule des Sehens.

Auch Papst Benedikt XVI em., ließ es sich nicht nehmen eine von Angerer der Ältere entworfene und in Eigeninitiative gebaute „ERlÖSERKAPELLE“ als endlich wieder wirkliche sakrale Kunst mit einem persönlichen Grußwort zu loben. Ein Kunstwerk, das sowohl italienische und deutsche Würdenträger ebenso begeistert, wie den Metropolit (heute Patriarch in Rumänien), der ihm den Auftrag für eine Ikone erteilte; eine große Ehrzuteilung für einen katholischen Christen.

Seine Kunst und seine Produkte springen mühelos hin und her zwischen einer Welt der verrückten Phantasie und der Theater-Welturaufführung  für Der kleine Hobbit“ J.R.R. Tolkien. Angerer der Ältere war verantwortlich für Bühnenbild, Creatures und Kostüme und der Welt der ewigen Mitte, der Ruhe, als Herr der letzten Reise. Angerer der Ältere schuf auch das einmalige Grabmal für Michael Ende als großes Bronzebuch mit reliefartigen Fabelwesen auf dem Kinder beim Spielen gesehen wurden. Etwas, was sich Michael Ende, einer der erfolgreichsten und anerkanntesten Schriftsteller unseres Jahrhunderts, sicher gewünscht hätte. Insbesondere Japan huldigte dem Kunstwerk in zahlreichen Magazinen.

Künstler, Bildhauer und Architekt

Aktuelle Ausstellung in Bad Säckingen

Vom 13. Mai bis 11.Juni 2017 gibt es 2 Kunstwerke von Angerer dem Älteren in der Villa Berberich zu bewundern, veranstaltet wir die Ausstellung vom Kunst-und Kulturverein callas-bremen e.V. in Zusammenarbeit mit dem Tourismus und Kulturamt der Stadt Bad Säckingen.

An der Ausstellung „Real - Surreal - Irreal - ? 2017 werden etwa 50 Künstler aus 12 Europäischen Ländern aus den Bereichen Realismus, Surrealismus, Magischer bzw. Phantastischer Realismus teilnehmen.

Die Ausstellung wird am 13. Mai um 18.00 Uhr eröffnet und endet mit einer Finissage am 11. Juni um 15.00 Uhr.


Villa Berberich – Parkstr. 1 – D 797123 Bad Säckingen


VITA

Geboren 07. August 1938 in Bad Reichenhall.

Architekt, Filmarchitekt, Kunstmaler, Bildhauer, Bühnenbildner, Schriftsteller, Designer, Preisträger zahlreicher Architekturwettbewerbe.

1957-1961 Architekturstudium in München

1961-1966 Akademie der Bildenden Künste (bei Prof. Ruf)

1967-1975 Entwurfsarchitekt bei Freiherr Alexander von Branca,

1981   Kunstband „Phantastik der Sehnsucht“ (Gustav René Hocke, Bruckmann Verlag)

1983   Aufnahme im Thieme Becker Künstlerlexikon  (Die bildenden Künstler aller Zeiten und Völker)

1984  Kunstband „Kampf und Vision“ (Manfred van Well, Bruckmann-Verlag)

1989  Bayerischer Filmpreis für die künstlerische Gestaltung von Michael Ende  „Die unendliche Geschichte II“

1990  Videofilm „Deutsche Trennung und Einheit“ uraufgeführt am 3. Oktober 1990 in der ARD in Zusammenarbeit mit Sohn Christian Angerer.

1994  Theater-Welturaufführung von „Der kleine Hobbit“ J.J.R.Tolkien, Bühnenbild und Kostüme

1994  „Kulturpause“, Streitschrift wider den Zeitgeist, Nymphenburger Verlag München

1996   Gestaltung des Grabmals von Michael Ende.

1997   Bau der Erlöserkapelle, ein christliches Gesamtkunstwerk aus Architektur, Malerei und Bildhauerei. Persönlicher Glückwunsch von Papst Benedikt XVI em.

2000   Auftrag für eine Ikone vom Patriarch von Rumänien

2004   Ernennung zum kulturellen Botschafter Niederbayerns

2008   Kulturpreis Landkreis Kelheim

2008   Kulturpreis „Trophée Apocalypse Dore“ überreicht von Mr. Louis Giscard d’Estaing in Le Mont-Dore, Frankreich

2010   Lebensgroßes Modell Christus-Dom, geplant in 80 m Höhe.

2011   Kulturpreis „Trophée Apocalypse Dore“, überreicht von Mr. Louis Giscard d’Estaing in Le Mont-Dore, Frankreich

2011   Videofilm der weltgrößten Christus Statue als Christus Dom   www.youtube.com/AngererDerAeltere

2013   Bronze-Medaille im Grand Palais Paris bei Art en Capital 2013 für sein Gemälde „Don Quijote“ von „Société des Artistes Français“ gegr. von König Ludwig XIV.

2014   Große Werkschau bei Trierenberg-Art in Traun (Architektur,Bildhauerei und Malerei)

2014  Silber-Medaille im Grand Palais Paris bei Art en Capital 2014 für sein Gemälde „Absoluter Höllensturz“ von „Société des Artistes Français“ gegr. von König Ludwig XIV.

2015  Vollendung Erlöserkapelle in Biburg mit neuem Engel

2016  Kunstband Die Rückkehr des Menschen in die Kunst

2016   Märchenroman Janus und Sunaj

2017   Grand Palais Paris Einladung der Société des Artistes Francais

 

Ausstellungen: Grand Palais Paris, Europäisches Parlament Brüssel, Königliche Akademie Barcelona, Phantastenmuseum Wien, sowie weitere in den Ländern Europas.

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