Exklusive Interviews mit interessanten Menschen

15.03.2011 veröffentlichen am 22.04.2011 ihr CD-Debüt

Hasko Witte - 3 Bilder

Mikhail Ovrutsky ist erster Preisträger des Internationalen Wettbewerbs Pablo Sarasate, des Internationalen St. Petersburger Musikwettbewerbes Liana Issakadze, des Johansen Wettbewerbes von Washington und des UNISA-Wettbewerbs von Pretoria sowie Preisträger des Moskauer Tschaikowsky- und des Queen-Elisabeth-Wettbewerbes Brüssel.

Im Jahr 2006 erhielt er außerdem den „Europäischen Förderpreis“ der Stiftung „Pro Europa“. Dieser Preis, für den der Geiger von Anne-Sophie Mutter vorgeschlagen wurde, würdigt sein „großes künstlerisches Talent und herausragende Leistung“.


1980 als Sohn einer Musikerfamilie in Moskau geboren, begann Mikhail das Violinspiel im Alter von fünf Jahren an der Spezialschule für musikalisch hochbegabte Kinder bei Zoya Makhtina. Seine Studien führten ihn weiter zu Albert Markow an der Manhattan School of Music, Dorothy Delay an der New Yorker Juilliard School sowie Yumi Scott und Victor Danchenko am Curtis Institute of Music und zu Zakhar Bron an der Musikhochschule Köln, wo er seine Diplomprüfung und das Konzertexamen mit Auszeichnung absolvierte.

Zum Wintersemester 05/06 erhielt er einen Lehrauftrag an der Musikhochschule Köln als Assistent von Professor Bron.


Mikhail Ovrutsky konzertierte weltweit mit führenden Orchestern und Dirigenten wie dem Philadelphia Orchestra, dem London Symphony Orchestra, dem Vlaams Radio Orkest unter Yoel Levi, dem Marinsky Orchester St Petersburg unter Valery Gergiev, dem State Academic Symphony Orchestra of the Russian Federation unter Mark Gorenstein, dem Tschaikowsky Orchester Moskau unter Wladimir Fedosejew, dem Litauischen Staatsorchester unter Toshiyuki Shimada oder dem Royal Flemish Philharmonic Orchestra unter Jorma Panula.


Er tritt als Solist und Kammermusiker bei zahlreichen Festivals auf, unter anderem beim Kammermusikfest Lockenhaus oder der Kronberg Academy „Chamber Music Connects the World“, in deren Rahmen er zusammen mit Yuri Bashmet und Menahem Pressler konzertierte.


Mikhail Ovrutskys CD-Aufnahme des Violinkonzertes von J. Rodrigo wurde im Strad Magazine als „exceptional“, außergewöhnlich, gepriesen. Seit 2006 ist Mikhail Ovrutsky Mitglied des Beethoven Trio Bonn. Anfang 2007 erschien die Debüt-CD des Klaviertrios mit Werken von Beethoven und Mendelssohn.


Seit 2004 ist er Stipendiat der Freundeskreis Anne-Sophie Mutter-Stiftung und konnte im Rahmen der Förderung bereits mehrfach als Solist gemeinsam mit Frau Mutter auftreten.

Im Sommer 2008 feierte Mikhail Ovrutsky mit einem Solo-Rezital sowie einem gemeinsamen Konzert mit Anne-Sophie Mutter sein erfolgreiches Lucerne Festival – Debut:

„Ein Geiger auf dem Weg zur Weltspitze“ (Neue Luzerner Zeitung).

In der Saison 2008/2009 begeisterte M. Ovrutsky unter anderem mit dem Prager Rundfunkorchester unter Alexander Vedernikov, dem Helsinki Philharmonic unter Leif Segerstam, dem Baseler Symphonieorchester unter Andrés Orozco-Estrada, dem BBC Philharmonic und dem WD R Sinfonieorchester Köln unter Pietari Inkinen sowie dem Orchestre Philharmonique de Radio France unter Dmitrij Kitajenko.


In der Saison 2009/2010 gab Mikhail Ovrutsky sein Debut im Wiener Musikverein mit den Wiener Symphonikern unter Dimitrij Kitajenko und spielte mit seiner Schwester Sonya Ovrutsky ein Rezital in Salzburg.

In der laufenden Saison bilden eine Tournee mit Filarmonica della Scala, eine Wiedereinladung bei BBC Philharmonic und ein Rezital im Wiener Konzerthaus die Höhepunkte. Mikhail Ovrutsky spielt eine Violine von Gioffredo Cappa, Turin ca. 1700.

Die Frage nach der Heimat ist für Mikhail Ovrutsky nicht einfach zu beantworten. Im Jahr 1980 in Moskau geboren hielt er schon im zarten Alter von vier Jahren seine erste Geige in den Händen. Da kam zusammen, was offensichtlich zusammen gehört, denn nur wenig später, mit fünf Jahren, ging er zu einer Spezialschule für musikalisch hochbegabte Kinder.

Mit elf Jahren jedoch zog er mit seiner Familie nach Philadelphia, wo sich eine völlig neue Welt für den jungen Misha auftat. Er  besuchte unter anderem die Juilliard School und lernte eine ganz andere Musikauffassung und -lehre kennen.

Mit sechzehn eröffnete sich ihm eine weitere große Chance, als er dem berühmten Geigenlehrer Zakhar Bron vorspielen konnte, bei dem er daraufhin in Deutschland, genauer gesagt in Köln studieren konnte. Hier lebt er bis heute, ist mittlerweile Brons Assistent und geht als Künstler seinen Weg, spielt mit den namhaftesten Orchestern, Dirigenten und Kammermusikpartnern.


Auf diese Weise hat der junge Musiker immer wieder Wurzeln an ganz verschiedenen Orten dieser Welt geschlagen. Mit "Turning Points" legt er nun zusammen mit seiner Schwester Sonya sein CD-Debüt bei Berlin Classics vor, und wie der Titel vermuten läßt, handelt es sich um ein sehr persönliches Album.

Alle eingespielten Stücke haben eine besondere Bedeutung für ihn, sind mit Orten, Erinnerungen und besonderen Stimmungen verbunden, über die er auch im Booklet-Interview ausführlich berichtet.

Mit dieser Veröffentlichung gewährt er einen musikalischen Einblick in seine Biographie und verbindet dabei Verschiedenstes. Hier schöpft eine sensible Künstlerpersönlichkeit aus all seinen Wurzeln.

Sonya Ovrutsky


Sonya Ovrutsky lebt und arbeitet in Philadelphia, wo sie die Main Line Music Academy in Ardmore gegründet hat und deren Geschäftsführerin sie ist. Ihre letzten Auftritte führten sie an das Wiener Konzerthaus und zum Salzburger Schumann-Festival, mit ihrem Bruder gab sie ein Rezital beim Luzern-Festival, mit dem Geiger Richard Amoroso spielte sie in der Verizon Hall des Kimmel Centers (Philadelphia), und sie trat beim Konzert „Tribute to George Rochberg“ auf.

Sie arbeitete mit Künstlern wie Paul Arnold, Kathryn Picht Read und Richard Woodhams zusammen, und machte eine Tournee durch Frankreich und die Schweiz, bei der sie Rachmaninows zweites Klavierkonzert spielte.


Sonya Ovrutsky gewann den Internationalen Wettbewerb in Senigalia (Italien), im Alter von fünfzehn Jahren. Darüber hinaus nahm sie erfolgreich an folgenden weiteren Wettbewerben teil: der Aspen Music Festival Concerto Competition, der Studio Club Competition in New York, der Juilliard/Lehigh Valley Concerto Competition, der Elizabeth Harper Vaughn Competition in Kingsport und nicht zuletzt beim New York Municipal Concert Award, den sie gewann.

Daneben erhielt sie mehrere Spezialpreise wie den für die beste Begleitpianistin beim 12. Internationalen Tschaikowsky-Wettbewerb in Moskau im Jahr 2002 sowie beim fünften Internationalen Pablo-Sarasate-Wettbewerb in Pamplona im Jahr 1999. Sie machte ihre Master’s und Bachelor’s Degrees an der Juilliard School, wo sie bei Herbert Stessin studierte.


Sie trat in bedeutenden Konzertsälen auf, wie dem Palace de Beaux Arts in Brüssel, der Weill Carnegie Concert Hall, der Alice Tully Hall im Lincoln Center sowie der Merkin Hall in New York, dem Aspen Music Festival, am Moskauer Konservatorium, der Moskauer Philharmonie und dem Rachmaninow-Konzertsaal, dem Musikfestival Santander sowie Konzertsälen in Madrid, Saragossa, Barcelona, Pamplona, Brüssel, Rom und den großen Städten Südafrikas.

Als international anerkannte Begleitpianistin hat Sonya Ovrutsky in Meisterklassen und Privatstunden von den Professoren Zakhar Bron, Dorothy DeLay, Mauricio Fuks, Felix Galimir, Cho Lian Lin, Robert McDuffy, Peter Oundjian, Itzhak Perlman, Vadim Repin, Sylvia Rosenberg, Eduard Schmieder und Pinchas Zukerman begleitet. Sie ist in Recitals mit ihrem Bruder Mikhail sowie mit Vladimir Spivakov, Zakhar Bron und anderen aufgetreten.

Der junge Geiger Mikhail Ovrutsky veröffentlicht am 22.04.2011 sein CD-Debüt auf Berlin Classics. Die CD "Turning Points" hat er zusammen mit seiner Schwaster Sonya (Klavier) aufgenommen.

Auf der CD befinden sich all jene Komponisten, die seinen bisherigen Lebensweg von Moskau über Philadelphia nach Köln geprägt und verändert haben: Tschaikowsky, Prokofjew, Gershwin, Bach und Mendelssohn.

Turning Points
Sergei Prokofjew, Pjotr Iljitsch Tschaikowsky,
Johann.Sebastian Bach, George Gershwin, Felix Mendelssohn
Mikhail Ovrutsky - Violine
Sonya Ourutsky - Klavier

1 CD - Best. Nr.: 0300060BC

VÖ: 22.04.2011

Turning Points

Sergei Prokofjew
(1891-1953)
[01]-[05] Fünf Melodien, op. 35b

Pjotr I. Tschaikowsky (1840-1893)
[06]-[08] Souvenir d’un lieu cher, op. 42

Johann Sebastian Bach (1685-1750)
[09]-[12] Sonata g-Moll für Solovioline, BWV 1001

George Gershwin (1898-1937)
(Arr. Jascha Heifetz)
[13] »Summertime and A Woman Is a Sometime Thing«
[14] »It ain’t necessarily so«

Felix Mendelssohn Bartholdy (1809-1847)
[15]-[17] Sonate F-Dur (1838)

Mikhail Ovrutsky - Violine
Sonya Ovrutsky - Klavier

Konzerte

 

07.04.11 Huddersfield, BBC Philharmonic/Brahms
28.06.11 Luxemburg, Filarmonica della Scala, S. Bychkov / Mendelssohn
29.06.11 Essen, Filarmonica della Scala, S. Bychkov / Mendelssohn
30.06.11 Bad Kissingin, Filarmonica della Scala / Mendelssohn
01.07.11 Ingolstadt, Filarmonica della Scala, S. Bychkov / Mendelssohn
13.10 bis
15.10.11 Wellington, New Zealand Smyphony Orchestra/Inkinen/Brahms

Weitere Konzerte in Vorbereitung

Edel:Kultur
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08.03.2011 „Ich fühle mich stark und furchtlos"

Sven-Erik Stephan - 3 Bilder

Brian Eno und Nick Cave sind ihr bereits verfallen, der Chef des englischen Indie-Labels Domino, Laurence Bell, hat sie sofort unter Vertrag genommen und die düster rockenden Haudegen von Grinderman (dem Soloprojekt von Nick Cave) hat die Musik der zierlichen Londonerin so fasziniert, dass sie Anna Calvi als Vorprogramm auf ihrer jüngsten Europatour eingeladen haben.

Dort konnte Anna Calvi und ihre Band bestehend aus Drummer Daniel Maiden-Woos und der Multiinstrumentalistin Mally Harpaz das Grinderman-Publikum sowohl beeindrucken als auch verstören mit einer ungewöhnlichen morbider Musikalität und Dramatik und phänomenalen Bühnenpräsenz.

Wie aus einem Tarrantino-Film entsprungen steht sie auf der Bühne mit ihren rot geschminkten Lippen und ihrer Gitarre, aus der hochmelodische Klänge perlen. Boleroesk entwerfen Schlagzeug und Gitarre immer gewaltigere Spannungsbögen, verlieren sich aber nie endgültig im melodischen Chaos.

Denn über ihnen thront und regiert Calvis hypnotische Stimme und lässt dunkle, atmosphärische Melodien mit romantischem Pop verschmelzen.  

„Wenn man sich in einem Keller einschließt und völlig isoliert an einem Album arbeitet, kann man schon mal ein wenig den Verstand verlieren. Einiges von meinem Material bezieht sich auf diese Situation – wie ich die Entstehung dieses Monsters überlebt habe, das drei Jahre lang mein Leben beherrschte.“ Anna Calvi

Anna Calvi lächelt süß. Das tut sie häufig. Sie wirkt so gar nicht wie ein Mensch, der Monster entstehen lässt. Oder die Art von Musik, die wilde, auf stürmischer See treibende Emotionen entfesselt, die sie auf der Bühne, mit entschlossener, lakonischer Anmut präsentiert.

Auf jeden Fall haben wir es hier mit einer Art gespaltener Persönlichkeit zu tun. „Wenn ich live spiele, bin ich ein anderer Mensch“, lächelt Anna süß. „Ich fühle mich stark und furchtlos. So, wie ich im täglichen Leben gern wäre.“

Anna Calvis Debütalbum handelt von Lust und Liebe, Teufeln, und einer neuen Sicht auf den dramatischen Surrealismus im Stil von David Lynch … äh, Moment mal, sofort aufhören.

Ein weiterer Aspekt an diesem entwaffnend süßen blonden Mädchen ist der Umstand, dass sie selbst besser als jeder andere definieren kann, was sie tut. Bei ihr gibt es keine „die Songs sprudeln einfach aus mir heraus“-Banalitäten. Anna Calvi weiß, was sie tut und warum sie es tut.

„Es ist eine Platte über all diese Mächte, die von uns Besitz ergreifen, und wie man sie überlebt und einen Weg durch sie hindurch findet. Alles, worauf man vertrauen und woran man glauben kann, ist die Liebe.

Das sage ich nicht leichtfertig dahin. Denn in dieser Welt gibt es eine Menge Dunkelheit. Dieses Album ist die Kulmination meines ganzen bisherigen Lebens.“

Und es gibt gute Gründe dafür, warum dieses Leben von Dunkelheit durchsetzt ist. Die Geschichte beginnt mit einem Baby, das in London geboren wurde und ums Überleben kämpfen musste. Anna Calvi verbrachte den größten Teil der ersten drei Jahre ihres Lebens im Krankenhaus.

 „Das habe ich verkraftet, indem ich meine eigene Welt entstehen ließ. Und genau das beschreibt meine Beziehung zur Musik – eine Welt, die ich entstehen lasse und in die ich flüchten kann. Frühe Erfahrungen begleiten uns durchs ganze Leben.“

Ihr italienischer Vater ist musikbegeistert, dank seiner Plattensammlung kam Anna in den Genuss einer erstklassigen musikalischen Schule: „Captain Beefheart, The Stones, Maria Callas … sämtliche musikalischen Meilensteine finden sich in seinem Plattenschrank.“

Sie nahm Violinenunterricht. Doch im Alter von 13 Jahren eroberten Django Reinhardt und Jimi Hendrix ihr Herz und ihre Seele. Die folgenden Jahre verbrachte sie damit, sich selbst das Gitarrespielen beizubringen.

Es folgten Obsessionen mit Django, Flamenco, Oper, westafrikanischer Musik und Ravi Shankar. „Ich versuche, meine Gitarre wie andere Dinge klingen zu lassen. Das ist es, was man bei Musikern wie Reinhardt findet; er holt wirklich alles aus seinem Instrument heraus.

Ich höre viel klassische Musik aus dem 20. Jahrhundert – Messiaen, Ravel und Debussy. Das impressionistische Element ihrer Musik … das ist es, was ich auf der Gitarre spüren will.

Meine Gitarre wie ein Orchester klingen zu lassen. Aber diesen Effekt versuche ich nicht mithilfe einer Menge Pedale zu erreichen – mein Vox-Verstärker, ein Reverb-Pedal, und dann“ … sie legt ihre Hand auf eine Stelle zwischen Herz und Bauch … „kommt alles von hier.“

Damals hatte Anna noch gar nicht daran gedacht, selbst zu singen. Sie verdingte sich als Gitarristin in einer Teenager-Band. „Ich war sehr schüchtern. Meine Gitarre zu spielen, war meine Art, mich auszudrücken.“

Mit 17 erreichte sie einen Wendepunkt. Nachdem sie zunächst über ein Kunststudium nachgedacht hatte, traf sie in letzter Minute die Entscheidung, zu singen. „Ich wollte schon immer Sängerin sein, doch es war schwierig für mich, weil ich so schüchtern war.

Aber ich habe daran gearbeitet – fünf bis sechs Stunden am Tag. Das habe ich streng geheim gehalten. Für einen Menschen wie mich war das die furchteinflößendste Entscheidung meines Lebens. Sehr, sehr, sehr langsam entwickelte sich diese große Stimme.“

Ihren musikalischen Seelenzwilling fand Anna, als sie 2006 Mally Harpaz kennen lernte. „Sie begann, mit mir Schlagzeug zu spielen. Als ich hörte, wie ein Harmonium gespielt wurde, fand ich das so wunderschön, dass mir die Tränen kamen.

Es hat eine so zeitlose, ruhige Qualität. Ich fragte Mally, ob sie es nicht probieren wollte. Sie hatte noch nie eins gespielt, ist aber die Art von Musikerin, die einfach alles kann.“

Der nächste und letzte Rekrut für Calvis Weniger-ist-mehr-Projekt war Drummer Daniel Maiden-Wood. „Er ist sehr intuitiv. Und er hört zu, was man bei Schlagzeugern eher selten findet. Wir trafen keine bewusste Entscheidung, ohne Bass zu arbeiten.

Ich wollte einfach, dass Mally das Orchester der Band ist, denn ich arbeite gern mit Beschränkungen. Mir gefällt die Rauheit der Musik, die wir drei produzieren. Und ich mag Raum in der Musik. Es ist spannend zu überlegen: ‚Wie kann ich mit dieser einen Gitarre den Sound einer riesigen Saitenabteilung entstehen lassen?’ So habe ich schon immer gearbeitet.“

Wie Anna bereits zu Beginn dieses Gesprächs bemerkt hat, begleiten uns frühe Erfahrungen durchs ganze Leben. So war es ihre jugendliche Begeisterung für den Flamenco, auf die sie bei ihren temperamentvollen und überhaupt nicht schüchternen Liveshows zurückgriff.

„Flamenco-Tänzer sind wirklich leidenschaftlich, ihre Kleidung und ihre Haltung drücken echte Leidenschaft aus. Das hat unsere Bühnenoutfits stark inspiriert.“

Ihre erste externe Bestätigung kam von einem Mann, der seinerzeit auf dem Original-Sound And Vision-Album gespielt hatte und von Annas Videoserie mit wunderbar puristischen Auftritten, ihren Attic Sessions, begeistert war.

Nachdem ein Freund von Brian Eno sie im Londoner Luminaire gesehen hatte, erzählte er dem bedeutendsten Produzenten und Provokateur der Musikszene von einer neuen Sängerin/Gitarristin, die Eno unbedingt hören müsste. Das tat er auf YouTube, und Eno war so beeindruckt von Anna, dass er sie zum Mittagessen einlud.

„Er war süß. Ich gab ihm meine Keller-Demos und er war begeistert. Seither ist er für mich zu einem Mentor geworden. Er trat genau zum richtigen Zeitpunkt in mein Leben. Er war der erste Mensch aus der Außenwelt, der hörte, was ich machte und es validierte.

Das war ein bedeutender Augenblick in meinem Leben. Er schickte mir eine E-Mail, in der er schrieb, dass meine Musik voller Romantik und Leidenschaft sei, und was können wir uns von der Kunst mehr wünschen? Das war für mich wie Wasser am Ende der Wüste.“

Dieses Element des Lichts am Ende eines langen, düsteren Tunnels durchzieht sowohl die Musik als auch die Geschichte des Albums. „Ich schrieb und nahm lange Zeit auf dem Dachboden meiner Eltern auf einem Achtspurgerät auf.

Dann verbrachte ich zweieinhalb Jahre damit, an diesem Album in einem Kellerstudio zu arbeiten. Im Grunde sehr ungesund. Damals sah ich sehr, sehr lange Zeit kein Sonnenlicht.“

Gelegentlich verließ das Trio seinen nachtgleichen Bunker, um ein paar Shows zu spielen. Der junge Brit-Folk-Star Johnny Flynn bat Anna, ihn bei seiner Tournee zu unterstützen, und bei einem Gig in Manchester war zufällig der ehemalige Coral-Gitarrist Bill Rider-Jones anwesend.

Er war begeistert, rief sofort Laurence Bell bei Domino an und bekniete ihn, Anna einen Vertrag zu geben. „Alles ging sehr schnell“, erinnert sich Anna. „Wir machten dieses Album in einem winzigen Studio und hatten nichts. Ich musste alle Saitenparts selbst spielen.

Die Chöre bestehen aus mehreren Schichten meiner Stimme. Und dann eröffnete sich auf einmal die Möglichkeit, ins Black Box Studio in Frankreich zu gehen und mit diesem wunderbaren Vintage-Analog-Equipment aus den 1960ern zu arbeiten.

Das wollte ich nur bei speziellen Songs einsetzen. Aber diese Möglichkeit hätte ich ohne Domino nie gehabt. Obwohl ich das hier sowieso machen würde, weil ich es nicht ertragen könnte, keine Musik zu spielen, ist es nicht einfach, wenn man zwölf Stunden am Tag arbeitet und seine Zeit und Energie in etwas investiert, von dem man nicht weiß, ob es jemals jemand hören wird.

Es ist schön, den Kaninchenbau zu verlassen und wieder Tageslicht zu sehen.“

Rob Ellis ist natürlich ein Produzent, Komponist und Musiker, der durch seine Zeit mit Polly Harvey viel Erfahrung bei der Zusammenarbeit mit starken Künstlerinnen hat. Was hat er als Annas Koproduzent eingebracht?

„Er ist Old-School-Rock’n’Roll … du weißt schon: ‚Hau kräftiger auf die Trommel!’. Das liebe ich. Wir teilen die Liebe zur klassischen Musik … er mag dieselben Komponisten wie ich.

Also musste ich nicht erklären, was ich damit meinte, dass eine Gitarre oder ein Shaker wie ein Orchester klingen sollte. Es war toll jemanden zu finden, der mich verstand.“

Sie gesteht bereitwillig, dass ihre stärksten Einflüsse beim Gesang Elvis, Scott Walker, Nina Simone und Maria Callas sind, und beim Songwriting Roy Orbison und Leonard Cohen.

Den Gitarren von Robert Johnson und Bukka White verdankt ihre einfache – Ha! Einfach ist hier wohl kaum die richtige Bezeichnung! – Debussy/Django/Hendrix-Klangpalette ihre Blues-Elemente.

„Es gibt zeitgenössische Künstler, die ich liebe. Antony And The Johnsons. Wild Beasts. TV On The Radio. Aber derart besondere Dinge findet man nicht häufig … schließlich ist es das, was sie so außergewöhnlich macht.

Wenn man also in die Vergangenheit zurückgeht und sich diese besonderen Künstler herauspickt, stößt man auf Rohdiamanten. Wenn man allerdings nur zehn Jahre zurückgeht, muss man sich durch eine Menge Mittelmäßigkeit wühlen. Ich suche nach brillanten Momenten, die ich anzapfen kann.“

Wobei auch der zeitgenössische Film eine große Rolle spielt. „Ich mag Regisseure wie Wong Kar-wai und Gus Van Sant … Menschen, die schöne Filme machen, in denen die Kamera eine Geschichte erzählt. Ich versuche Musik zu machen, die von dieser Art von Filmemachern inspiriert ist.“

Anna ist zu Recht stolz auf ihr erstes Album und nennt zwei Songs, mit denen sie dem nahekommt, was sie ultimativ erreichen möchte. „Ich bin sehr detailverliebt. Und es gibt viel Klangmalerei auf Love Won’t Be Leaving.

Ich empfinde Musik sehr visuell und möchte, dass die Musik die Geschichte mindestens so deutlich ausdrückt wie die Texte, wenn nicht noch deutlicher. Ich denke, das ist mir mit Love Won’t Be Leaving gelungen. Ich bin sehr zufrieden mit dem Album, das ich in Frankreich aufgenommen habe.

Es ist ein gutes Beispiel dafür, dass ich die Gitarre wie ein anderes Instrument klingen lassen wollte. Der Mittelteil sollte an die Saiten in einem Hitchcock-Soundtrack erinnern. Das Crescendo, das sich auf eine Explosion zu bewegt. Aber auf eine echte und ehrliche Weise. Da gibt es keine heiße Luft.“

Doch vor dem Album kommt die erste Veröffentlichung. Anna hat sich auf eine Ein-Frauen-Mission begeben, um das uralte und edle Konzept der Debütsingle, die unabhängig von einem Album besteht, wiederzubeleben, denn ihr Album ist für sie ein abgeschlossenes Werk.

So entstand Jezebel. „Es stammt von Wayne Shanklin. Aber ich hatte die Edith Piaf-Version gehört. Sie beeindruckte mich zutiefst. Ich liebe Edith Piaf. Ich liebe es, wie viel Gefühl und Passion sie in ihren Gesang legt.

Das ist etwas, das ich in meiner Musik zu tun versuche … so offen und leidenschaftlich wie möglich zu sein. Jezebel erschien mir als erste Veröffentlichung genau richtig. Denn das Album ist eine in sich geschlossene Einheit.

Es ist eine Geschichte und eine Reise. Deshalb wollte ich dem Album nichts vorwegnehmen, bevor es erschienen war. Ich wollte, dass die Menschen das Album in seiner Gesamtheit hören.“

Während ich diese Zeilen schrieb, bereitete Anna sich auf eine Tour mit Grinderman vor – überaus passend, denn Nick Caves Mythen schaffende Aktualisierungen von Vintage-Einflüssen könnten ein weiterer Hinweis auf Calvis Muse sein.

Cave ist natürlich der Meister der Liebeslieder, die von Liebe und Sex als wilden, unkontrollierbaren Mächten handeln. Ich erwähne Anna gegenüber, dass diese Vorstellung dem Konzept von Lust und Bedürftigkeit, das ihr Debütalbum ausmacht, so nah wie irgend möglich kommt.

„Stimmt. Musik ist sehr sexuell. Wie könnte man das nicht auf irgendeine Weise ausdrücken? Gitarrespielen ist sehr sexy. Und dann ist da noch diese Sache … wenn man jemanden so sehr liebt, dass man meint, ihn töten zu können. Dieses Gefühl habe ich auf jeden Fall kennengelernt.“

Anna Calvi lächelt süß.

Arti


Label: Domino Records

Vertrieb: GoodToGo

VÖ: 14.01.2011

beats international

Sven-Erik Stephan
Pfuelstrasse 5
10997 Berlin
Tel:  030 246 397 - 25

 

Copyrights.

1) Emma Nathan, 2) Maisie Cousins 3) beats international

 

 

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22.02.2011 musikalische Schubladen haben sie noch nie interessiert

ACT Music - 3 Bilder

Musikalische Schubladen haben die dänische Sängerin Caecilie Norby noch nie interessiert:

„Ich war immer auf der Suche nach einprägsamen Melodien. Im Pop braucht man eine starke Melodie, um einen Hit zu bekommen; im Jazz ist das Thema zentral, das ein Stück eröffnet; und in der Klassik können die gewaltigsten Orchester-Arrangements platt und langweilig werden, wenn sie nicht von einer natürlichen Melodie getragen werden.“

Für Norby ist die Melodie die Essenz von Musik und das entscheidende Kriterium, nachdem sie Musik bewertet und auswählt, frei von Genregrenzen. Eine Einstellung, die ein Abbild ihrer erstaunlichen Karriere und wohl auch ihr Erfolgsgeheimnis ist.

Als Tochter klassischer Musiker - ihre Mutter Solveig Lumholt war Opernsängerin, ihr Vater Erik Norby Komponist - brachte die Entdeckung des Jazz mit seinen bluesigen, swingenden und coolen Momenten die Entscheidung, doch in die Fußstapfen ihrer Eltern zu treten. Wenig später, noch als Teenager, geriet sie in den Sog der Rock- und Popmusik mit ihrer rohen Energie und ihren Ohrwürmern.

Als Reisende zwischen all diesen musikalischen Welten machte sie sich schnell einen Namen, zunächst in ihrer Funk-Jazzband „Frontline“, die in den frühen achtziger Jahren alle verfügbaren dänischen Jazzpreise bekam. Zusammen mit Nina Forsberg bildete sie danach das Pop-Duo „One Two“, das alleine in Dänemark eine Viertelmillion Alben verkaufte.

Hier wie in ihrer seit den frühen neunziger Jahren aufgenommene Solokarriere war sie in Skandinavien zunächst die vielleicht wichtigste Figur des Brückenschlags zwischen Pop und Jazz, was sie international zur Wegbereiterin von Kolleginnen wie Rebekka Bakken, Silje Nergaard oder Viktoria Tolstoy machte.

Als erste dänische Künstlerin wurde sie vom legendären Blue Note Label unter Vertrag genommen, wo sie vier glänzend rezensierte und verkaufte Alben aufnahm.

Sie arbeitete mit vielen internationalen Stars verschiedenster Fächer zusammen, vom Landsmann (und der anderen dänischen Instanz für stiloffenen und breitenwirksamen Jazz) Bugge Wesseltoft bis zu Billy Hart, Mike Stern, Chick Corea oder Kurt Elling.

Der wichtigste unter ihnen ist der Bassist Lars Danielsson, der eben nicht nur ihr Ehemann, sondern auch der Produzent und Partner fast aller ihrer Projekte wurde.

So auch bei ihrem neuestem Unternehmen „Arabesque“, ihrem Debüt für ACT. Ein ehrgeiziges, vielleicht wegweisendes Projekt, fasst Norby hier doch auf gewisse Weise ihre bisherige Karriere zusammen, gespiegelt durch die klassischen Einflüsse ihrer Kindheit. Erstmals schrieb Norby Songtexte auf klassische Stücke, vor allem aus der Zeit des Impressionismus.

die die Mehrzahl der hier versammelten 15 Tracks bilden. Auch ein selbstkomponiertes „Nocturne“ ist dabei. „Es war so inspirierend, dass sich um viele Stücke großartige Geschichten ranken. „Rimsky-Korsakovs „Scheherazade“ zum Beispiel fußt ja auf den Geschichten aus 1001 Nacht.

Und bei Ravels „Dead Princess“ fand ich es interessant, über die fragile Seite der flamboyanten, lesbischen Prinzessin Winnaretta de Polignac zu schreiben, der Geldgeberin und Impresaria Ravels, Strawinskys und der Pariser Boheme.“

Norby entdeckte auch Satie und Debussy wieder und fühlte sich sofort geborgen: „Ich hatte keine Quellen und keinerlei Erfahrung damit, nordischen Jazz mit Klassik zu verbinden.

Aber ich fühlte mich schon bei der ersten Studiosession Satie viel näher als zum Beispiel Ellington.“ Viermal ist dabei auch die großartige klassischen Pianistin Katrine Gislinge zu hören, mit der Norby erstmals zusammenarbeitete.

„Dabei kannten wir uns schon als Kinder, weil unsere Eltern die besten Freunde waren.“ Schließlich ehrt Norby mit dem Bonustrack „How Oft“ auch das Andenken ihres Vaters, von dem die Komposition stammt.

Doch Norby findet nicht nur in den Melodien der Klassik den jazzigen Ton, es geht auch umgekehrt. Mit zwei Songs veranschaulicht sie eindrucksvoll, welcher „Klassiker“ Michel Legrand ist, den sie für den „melodischsten europäischen Komponisten aller Zeiten“ hält.

Der Swing-Standard „Bei mir bist du schoen“ verwandelt sich nicht zuletzt dank Wesseltofts elektronischer Beigaben in eine mitreißende Funk-Nummer. Und dann suchte Norby auch noch die unsentimentale Hymne an „Wholly Earth“ der von ihr sehr verehrten Abbey Lincoln aus, ohne wissen zu können, dass dies zum Tribut post mortem werden würde.

Wie stets lässt sich Norby von einer handverlesenen Schar großartiger Musiker begleiten,
neben Danielsson, Wesseltoft und Gislinge auch ACT-Gitarrenstar Ulf Wakenius, Trompeter Palle Mikkelborg, Flötist Hans Ulrik sowie die Drummer und Perkussionisten Anders Engen und Xavier Desandre-Navarre, alle wie sie Fans großer Melodien.

Deswegen hat „Arabesque“ dieses enorme Potential, selbst viele begeisterte Anhänger zu gewinnen. Nicht nur Klassikfreunde, Jazzfreaks oder Popfans. Sondern alle, die gute Melodien lieben.

 

Besetzung:
Cæcilie Norby / vocals
Lars Danielsson / bass, cello, git, organ
Bugge Wesseltoft / piano, synth
Katrine Gislinge / piano
Ulf Wakenius / guitar
Palle Mikkelborg / trumpet
Hans Ulrik / flute, bass-clarinet
Anders Engen / drums & percussion
Xavier Desandre-Navarre / drums & percussion

 

ACT Music & Vision GmbH & Co.KG
Büro Adresse:
Ehrengutstraße 28
D-80469 München

E-Mail: info@remove-this.actmusic.com

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14.02.2011 einer der letzen glaubwürdigen

Baltasar Garzón Real wurde am 26. Oktober 1955 in dem andalusischen Dorf Torresals Sohn einer Bäuerin und eines Tankwarts geboren. Er wuchs mit fünf Geschwisternin einfachen Verhältnissen auf. Ursprünglich wollte Garzón Pfarrer werden. Er besuchte sechs Jahre lang ein Priesterseminar.

Nach dem Abitur tauschte er jedoch die Bibel gegen das Gesetzbuchein. Sein Jurastudium, das er sich mit Gelegenheitsjobs finanzierte, schloss Garzónals 23-Jähriger an der Universität von Sevilla ab.

Bereits ein Jahr später hatte er dieVoraussetzung für den Einstieg in eine Richterkarriere geschaffen.Garzóns berufliche Laufbahn begann 1979 in der Provinz Huelva. 1987 wurde Garzónvom Obersten Rat der Richterlichen Gewalt in Spanien zum Inspekteur für die Region Andalusien delegiert.

1988 trat er in Madrid eine Stelle als Untersuchungsrichter am Nationalen Gerichtshof „Audiencia Nacional“ an, der 1977 für die Ahndung von Verbrechen überregionaler Tragweite wie Terrorismus, Drogen- und Wirtschaftskriminalität geschaffen worden war.

Internationale Aufmerksamkeit zog Garzón im Zusammenhang mit der „Operación Mago“ auf sich, bei der im Sommer 1990 in der nordwestspanischen Region Galicienmehr als 50 Personen wegen Rauschgiftdelikten verhaftet wurden.

Durch erfolgreiche Ermittlungen gegen ETA-Kommandos, rechte Terroristen und Drogen-Dealer wurde Garzón so populär, dass Ministerpräsident Felipe González ihn als Unabhängigen beiden Wahlen 1993 auf die Liste der Sozialistischen Spanischen Arbeiterpartei (PSOE)setzte.

Garzón trug zum Sieg der PSOE bei und wurde ins Parlament gewählt. Er bekam jedoch nicht wie versprochen die Stelle des Innenministers, sondern wurde„nur“ Staatssekretär und Antidrogenbeauftragter. Sein Plan, eine Sonderstelle zur Korruptionsbekämpfung einzurichten, scheiterte.

Nach einem Jahr kehrte Garzón derPolitik enttäuscht den Rücken und auf seinen Posten als Untersuchungsrichter zurück. Seitdem begleitete ihn bei seinem Kampf gegen die staatliche Kriminalität der Vorwurf,sich an seinen ehemaligen Parteifreunden rächen zu wollen.

Seine Ermittlungen gegen die rechtsextreme Untergrundorganisation GAL (Gruposantiterroristas de Liberación), die er für die Ermordung baskischer Flüchtlinge nach Frankreich verantwortlich machte, trugen dann im März 1996 maßgeblich zum Fall der sozialistischen Regierung bei.

Dass der frühere Innenminister José Barrionuevo 1998 wegen Staatsterrorismus ins Gefängnis kam, verdankte er nicht zuletzt Garzón, der Felipe Gonzáles beschuldigte, die GAL gegründet zu haben.

Der Versuch, González eine Verantwortung für die 1983 und 1984 während seiner Regierungszeit durch die polizeiterroristische Bande GAL verübten Verbrechen nachzuweisen, scheiterte 1996 aber an einem Veto des Obersten Gerichtshofs.

Erneute Ermittlungen gegen Gonzálesim Jahr 1999 brachten Garzón Kritik vom Obersten Gerichtshof wegen Befangenheitein, er habe persönliche Meinungen mit objektiven Fakten vermischt.

Ab 1996 ermittelte Garzón auch gegen Chiles Ex-Diktator Augusto Pinochet imZusammenhang mit der „Operación Condor“, einer 1975 eingeleiteten Geheimaktionfünf südamerikanischer Militärdiktaturen zur Bekämpfung von Oppositionellen.

Bekanntheit über die Grenzen Spaniens hinaus erlangte er im Oktober 1998 mit einem überraschenden Haftbefehl gegen den 83-jährigen Diktator, der in einer Londoner Klinik festgenommen wurde.

BIOGRAFIE

Garzón leitete ein offizielles Anklageverfahren wegen Völkermordes, Terrorismus und Folter gegen Pinochet ein – im Völkerrecht ein bis dato einmaliger Vorgang, der sich nur in Madrid verwirklichen ließ, da der Ex-General in Chile Immunität als Senator auf Lebenszeit genoss.

Die Auslieferung scheiterte schließlich an gesundheitlichen Gründen, Pinochet durfte im Januar 2000 in die Heimat zurück. Mit seiner Initiative gegen Pinochet gab Garzón der Entwicklung des internationalen Strafrechts in der Praxis einen entscheidenden Anstoß.

Eine südamerikanische Menschenrechts-Initiativeschlug ihn für den Friedensnobelpreis vor. Auch die argentinische Militärjunta nahm Garzón ins Visier. 1999 beantragte er internationale Haftbefehle gegen 98 Angehörige der argentinischen Militärdiktatur, unter der 1976-1983 zwischen 15.000 und 30.000 Menschen ums Leben gekommen waren.

Der Haftbefehl richtete sich u. a. gegen die Generale Jorge Rafael Videla, Leopoldo Galtieri und gegen Admiral Emilio Eduardo Massera, den Hauptverantwortlichen für die Folterungen und Morde in der Marineschule von Buenos Aires.

Im Juli 2003 erwirkte Garzón die Festnahme von über 40 ehemaligen argentinischen Offizieren, denen Menschenrechtsverletzungen während der Militärdiktatur vorgeworfen werden. Weil unter den damaligen Toten auch spanische Staatsangehörige waren, strebte Garzóneine Auslieferung an.

Der argentinische Staatschef Néstor Kirchner forderte einen Prozess in Argentinien, verfügte aber eine Revision der Amnestiegesetze und hob ein Dekret auf, das die Auslieferung ehemaliger und aktiver Militärs verbot.

Im April 2005 verurteilte Spaniens Nationaler Gerichtshof den früheren argentinischen Korvettenkapitän Adolfo Scilingo wegen Verbrechen gegen die Menschlichkeit unter der Militärdiktatur in Argentinien zu 640 Jahren Haft.

Er war nach Überzeugung des Gerichts 1977 an zwei Todesflügen beteiligt, bei denen insgesamt 30 Regimegegner betäubt und vom Flugzeug aus ins Meer gestürzt worden waren. Scilingo gehörte zu den wenigen argentinischen Militärs, die ihre Verbrechen öffentlich eingestanden haben.

Er hatte sich 1997 bei einem Besuch in Madrid mit Garzón in Verbindung gesetzt, der ihn sofort verhaften ließ. In Spanien hinter Gitter kam auch der frühere argentinische Marineoffizier Ricardo Miguel Cavallo, der auf Drängen Garzóns 2003 aus Mexikoaus geliefert worden war.

Vier Jahre hatte Garzón Beweise gegen die Partei Batasuna gesammelt, die als politischer Arm der baskischen Terrororganisation ETA galt, bevor er ihr im August 2002 für drei Jahre alle politischen Aktivitäten verbot und das Madrider Parlament ein generelles Verbot der Partei beschloss.

2003 wurden auf Garzóns Anordnung neun Batasuna-Funktionäre verhaftet und im Oktober 2007 – nach ETA-Anschlägen auf einen Flughafen – weitere 23 Mitglieder der Führung der illegalen Batasuna-Parteifestgenommen.

Zwei Monate später verurteilte das nationale Strafgericht in Madrid 47 Personen wegen Zugehörigkeit zu ETA-Unterorganisationen oder wegen der Zusammenarbeit mit den spanischen Separatisten zu Haftstrafen zwischen zwei und 24 Jahren.

Gleichzeitig wurden mehrere ETA-Ableger definitiv für illegal erklärt und ihr Vermögen konfisziert. Umstritten war Garzóns Vorstoß zur Schließung verschiedener baskischer Zeitungen und Radiosender, weil er damit die baskische Kultur im Allgemeinen traf und nicht nur den Terror bekämpfte.

Während des Irak-Kriegs wandte sich Garzón im März 2003 in einem offenen Brief gegen die politische Linie des konservativen Ministerpräsidenten José María AznarLopez, der die Interventionspolitik der USA im Irak gegen die öffentliche Meinung Spaniens unterstützt hatte.

Dabei bezweifelte er die von US-Außenminister Colin L.Powell als Kriegsgrund angeführte Verbindung zwischen Al Kaida und dem Irak und prangerte die Politik der US-Regierung von George W. Bush als völkerrechtswidrigan.

Insbesondere kritisierte er die Behandlung der Häftlinge in Guantanamo und die geplanten Militärtribunale. Auf der anderen Seite erließ er am 17. September 2003 internationalen Haftbefehl gegen Osama bin Laden. Im eigenen Land suchte Garzón nach Spuren von Al Kaida, die am 11. März 2004 einen Anschlag auf Madrider Nahverkehrszüge verübt hatte.

Gegen den ehemaligen US-Außenminister Henry A.Kissinger wollte Garzón wegen dessen Verstrickungen in die CIA-gestützte „Operación Condor“ gegen südamerikanische Oppositionelle in den 70er Jahren vorgehen.

GeorgeW. Bush stand ab März 2007 ebenfalls auf seiner Anklage-Liste. Gegner warfen Garzón, der als unbestechlich, korrekt und sehr ehrgeizig gilt und in seiner Heimat als Staranwalt gefeiert wird, krankhaftes Geltungsbedürfnis und Fanatismus vor.

Ein spanischer Kolumnist kommentierte Garzóns Selbstgefälligkeit mit den Worten, er wolle eben stets „die Petersilie in jeder Soße“ sein (zit. n. FR, 6.3.2003). Ein Psychoanalytiker beschrieb ihn als machthungrigen General.

Freunde wie Feinde bescheinigten ihm jedoch messerscharfe Intelligenz, Ordnungssinn, einen Hang zum Perfektionismus sowie Ausdauer und Fleiß im Übermaß (vgl. Stgt. Z., 17.12.1998). Im August 2009 sprach die Schriftstellervereinigung PEN-Zentrum Deutschland dem spanischen Untersuchungsrichter Baltasar Garzón Real den mit 10.000 Euro dotierten Hermann-Kesten-Preis zu.

© Munzinger-Archiv GmbH

PRESSESTIMMEN


Agence France-Presse (AFP) | 2. Juli 2010

Spanischer Starjurist Garzón für Friedensnobelpreis empfohlen


Der wegen seiner Ermittlungen zu Verbrechen der Franco-Diktatur suspendierte
spanische Untersuchungsrichter Baltasar Garzón soll für den Friedensnobelpreis
vorgeschlagen werden.

Die Saramago-Stiftung werde den 54-Jährigen wegen seine Einsatzes für die Menschenrechte empfehlen, sagte die Witwe des im Juni verstorbenen portugiesischen Literaturnobelpreisträgers José Saramago am Freitag der Zeitung „ElPais“.

Garzón habe „sich niemals einschüchtern lassen, weder von Betrugsversuchen noch von irgendeiner Macht“, sagte Pilar del Rio dem Blatt. Er verdiene den Preis, weil er sich überall auf der Welt für Opfer stark mache.

Kulturportal Hessen | 27. August 2009

Hermann-Kesten-Preis 2009 für Baltasar Garzón Real


Baltasar Garzón Real erhält in diesem Jahr den vom P.E.N.-Zentrum Deutschland und dem Hessischen Ministerium für Wissenschaft und Kunst gestifteten Hermann-Kesten- Preis. Damit wird ein engagierter Verfechter der Menschenrechte auszeichnet.


Der Dreiundfünfzigjährige ist Untersuchungsrichter an der Audiencia Nacional in Madrid, dem höchsten Strafgerichtshof Spaniens. Die Auszeichnung wird am 12. November 2009 um 20 Uhr in den Kammerspielen des Staatstheaters Darmstadt verliehen.

Die Laudatio hält der Ressortleiter Innenpolitik der Süddeutschen Zeitung, Dr. Heribert Prantl. Herbert Wiesner, Generalsekretär des P.E.N.-Zentrums Deutschland, würdigte Garzón „als Anwalt eines durch staatlich sanktionierte Folter tief verstörten und verletzten Weltgewissens“.

Staatsministerin Eva Kühne-Hörmann nannte den Preisträger einen
engagierten Verfechter der Menschenrechte. Derzeit leitet Garzón die Vorermittlungen gegen jene sechs Juristen der Regierung des früheren amerikanischen Präsidenten George W. Bush, die Foltermethoden gerechtfertigt
hatten, wie sie im Gefangenenlager Guantanamo und andernorts angewandt wurden.


Weltbekannt war der Richter geworden, als er 1998 wegen der Folterung und Ermordung spanischer Staatsbürger einen Haftbefehl gegen den ehemaligen chilenischen Junta- Führer Augusto Pinochet erwirkte, der zu längerer Inhaftierung des Diktators in London führte.


Der Preis wird alljährlich zum „Writers-in-Prison“-Tag in Erinnerung an den deutschen Schriftsteller und ehemaligen P.E.N.-Präsidenten Hermann Kesten verliehen. Das Hessische Ministerium für Wissenschaft und Kunst finanziert das Preisgeld in Höhe von 10.000 Euro.

In den vergangenen Jahren wurden unter anderen die russische Journalistin
Anna Politkowskaja, posthum der ermordete türkisch-armenische Journalist Hrant Dink und im vorigen Jahr die russische Forschungs- und Menschenrechtsorganisation „Memorial“ ausgezeichnet. Ihr hatte auch die am 16. Juli 2009 ermordete Menschenrechtlerin Natalja Estemirowa angehört.

 

PEN-Zentrum Deutschland | Jahrestagung Osnabrück 2010

Resolution zu Baltasar Garzón

1. Das P.E.N.-Zentrum Deutschland, vertreten durch die Teilnehmer der Jahrestagung 2010, bittet die Regierung der Bundesrepublik Deutschland, insbesondere deren Auswärtiges Amt, darauf hinzuwirken, dass die Deutsche Botschaft in Madrid das laufende Gerichtsverfahren gegen den spanischen Untersuchungsrichter der Audiencia Nacional Baltasar Garzón Real durch einen Vertreter ihrer Rechtsabteilung beobachten lässt.


Der Angeklagte Baltasar Garzón ist Träger des vom deutschen P.E.N. und dem
hessischen Landesministerium für Wissenschaft und Kunst verliehenen Hermann- Kesten-Preises 2009 für Verdienste um die Wahrung der Menschenrechte.

Es steht zu befürchten, dass rechtsgerichtete Kreise Spaniens den von uns geehrten hochrangigen Richter, der schon jetzt von seinem Amt suspendiert ist, durch eine Einschränkung seiner Tätigkeit daran hindern wollen, ein Verfahren zur Aufklärung der massenhaft verübten Morde anzustrengen, die während des Franco-Regimes begangen wurden.


Die Bundesrepublik kann diesen Prozess gegen Baltasar Garzón nicht beeinflussen,
aber der P.E.N. bittet in internationalem und europäischen Interesse darum, durch
einen ständigen Prozessbeobachter klären zu lassen, ob in dem Verfahren Anzeichen
richterlicher Befangenheit gegenüber dem Berufskollegen festzustellen sind.
2. Das deutsche P.E.N.-Zentrum verurteilt die Rufmordkampagne gegen den spanischen
Untersuchungsrichter Baltasar Garzón, den Versuch eines rechten Parteiklüngels und
von Teilen der spanischen Justiz, einen herausragenden Anwalt der Menschenrechte
mundtot zu machen und sein internationales Ansehen zu beschädigen. Unsere
uneingeschränkte Sympathie gilt seinem Kampf um den würdigen Umgang mit den
Opfern des spanischen Bürgerkriegs und des Franco-Regimes in der Nachkriegszeit, um
die historische Rekonstruktion vergangener Untaten, seinem Einsatz gegen Diktatoren
und ihre Schergen, seiner Entschlossenheit, Korruption und Terror in seinem Land
einzuschränken. Baltasar Garzón ist für alle, die Europas Glaubwürdigkeit durch die
Wahrung der Menschenrechte gesichert sehen, ein Vorbild.
Wir fordern unsere Kollegen vor allem in den europäischen P.E.N.-Zentren zum Protest
auf und bitten den Internationalen P.E.N. in London um Prüfung, ob der Fall Garzón nicht
in die Case List der Verstöße gegen die Menschenrechte aufgenommen werden muß.

 

20. Februar 2011 | 11:30 Uhr


Renaissance-Theater


Baltasar Garzón Real


Der Anspruch der universellen Justiz gegen die nationale Straflosigkeit


Vortrag des Untersuchungsrichters


Einführung: Manfred Lahnstein


In spanischer Sprache mit Simultanübersetzung

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10.02.2011 Heldinnen in den besten Jahren

Claudius Andersen

Starke Frauen, unkonventionelle Geschichten, ein bittersüßer Mix aus Komödie und Tragödie, dazu ein gehöriger Schuss Frivolität: diese ebenso sympathische wie Erfolg versprechende Mixtur zeichnet Nigel Coles Filme aus.

Der Brite versteht es, mit Emotionen zu jonglieren: leicht und schwer, heiter und ernst, ambitioniert und lässig geht es in seinen Filmen zu, die sich oftmals – wie aktuell in WE WANT SEX (Kinostart: 13. Januar) – seriöser Themen annehmen und dabei doch beste Unterhaltung bieten.

Cole, Jahrgang 1959, begann seine Karriere als Theaterregisseur, bevor er sich der Inszenierung von Werbespots und TV-Dokumentationen zuwandte. Mitte der neunziger Jahre drehte er die Episode „Wild Horses in Mongolia“ für die PBS-Serie „Nature“.

Zur Doku-Reihe „In the Wild“, in der sich Filmstars für bedrohte Tierarten engagieren, steuerte Cole drei Filme bei: „Galapagos with Richard Dreyfuss“, „Meg Ryan in Thailand“ und „Orangutans with Julia Roberts“, der ihm einen Genesis Award als PBS Documentary of the Year einbrachte. Außerdem führte er Regie bei Episoden der britischen TV-Serien „Peak Practice“ und „Cold Feet“.

Sein Kinodebüt absolviert Cole im Jahr 2000 mit der schwarzen Komödie GRASGEFLÜSTER, in der sich eine von Brenda Blethyn gespielte Witwe der Marihuana-Produktion zuwendet.

Damit landete Cole gleich einen Erfolg bei Kritik und Publikum. Er gewann einen British Independent Film Award als bester Regisseur und den Publikumspreis beim Sundance Film Festival.

Auch seinen zweiten Kinofilm, KALENDER GIRLS (2003), widmete Cole Heldinnen in den besten Jahren: Das titelgebende Ensemble rund um Helen Mirren und Julie Walters sorgt dadurch für Furore, dass es für einen Charity-Kalender nackt posiert.

Auch mit dieser Mischung aus Frechheit und Nachdenklichkeit traf Cole voll ins Schwarze und übertraf den Erfolg von GRASGEFLÜSTER sogar noch.

Seinen nächsten Film drehte Cole in Hollywood: die romantische Komödie SO WAS WIE LIEBE (2005) mit Ashton Kutcher und Amanda Peet in den Hauptrollen.

Peet wirkte auch in Coles Generationen-Roadmovie 5$ A DAY (2008) mit, in dem Christopher Walken und Allesandro Nivola auf schräg-humorvolle Weise ihr Vater-Sohn-Verhältnis aufarbeiten.

In seinem neusten Geniestreich, der Hitkomödie WE WANT SEX, ergreift Cole wieder Partei für die Frauen und erzählt mit viel Charme und britischem Humor vom legendären Frauenstreik in England des Jahres 1968.

Golden Globe Gewinnerin Sally Hawkins (HAPPY-GO-LUCKY) spielt darin die Rolle der couragierten Rita, die gemeinsam mit ihren Kolleginnen im Ford-Werk Dagenham als Näherin arbeitet.

Doch bei unerträglicher Hitze und stickiger Luft in den Fabrikhallen platzt den Frauen bald der Kragen und als sie auch noch erfahren, dass sie schlechter bezahlt werden als ihre männlichen Kollegen, gehen sie auf die Barrikaden und demonstrieren mit geballter Frauenpower für bessere Arbeitsbedingungen.

Der Aufstand der englischen Arbeiterinnen ging als erster Frauenstreik in die Geschichte ein und bescherte den Frauen Englands 1970 das Gleichstellungsgesetz.

Wer glaubt, dass es sich dabei um alte Kamellen handelt, irrt gewaltig. Noch nie war der Geschlechterkampf so unterhaltsam, dank einer illustren Darstellerinnenriege, die so unwiderstehlich agiert, dass die Leinwand förmlich vibriert. WE WANT SEX, der Film von Nigel Cole, kam am 13. Januar in die deutschen Kinos.

Claudius Andersen                                     
TOBIS FILM GmbH & Co.
KG                          

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14195 Berlin       
Tel:  +49 30 839 007 -51                            
Fax: +49 30 839 007 -28
E-Mail: 
claudius.andersen@tobis.de                   
http://www.tobis.de  

 

 

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02.02.2011 Dem Geiste dieser Tradition verpflichtet

GFDK - Silvia und Lois Lammerhuber

Anlässlich des Jahrtausend-wechsels wurde vom Time Magazine nach der „Person des Millenniums“ gesucht. Und dass sie in Johannes Gutenberg, dem Erfinder der Druckerpresse gefunden wurde, war für  Silvia und Lois Lammerhuber keine große Überraschung.

Denn Bücher sind nicht nur das Symbol für das Streben des Menschen nach Wissen, sondern Bücher sind darüber hinaus das endgültige Archiv der kulturellen Entwicklung der Menschheit.

Vor allem aber sind Bücher die aufregendste Art, über das Leben zu reflektieren und dabei „Seite für Seite“ unsere Geschichte fortzuschreiben.

Edition Lammerhuber widmet sich dem Thema Kunst und Wissenschaft

Vor fünfzehn Jahren (1996) haben Silvia und Lois Lammerhuber die Edition Lammerhuber als „Dach“ zur Herstellung von Printprodukten für Auftraggeber aus Werbung und Wirtschaft gegründet.

Immer öfter lautete die Aufgabe allerdings, die gewünschten Inhalte in eine bibliophile Form zu gießen – in Bücher. Daraus erwuchs der Wunsch, Bücher mit den faszinierendsten Themen aus Kunst und Wissenschaft zu verlegen. Die Kreativität des Menschen ist das großes Thema. Kunst und Wissenschaft.

Die Edition Lammerhuber ist daher ein erfahrener und dennoch sehr junger Verlag. 2010 ist das zweite Jahr mit einem eigenen Verlagsprogramm.

Das Ziel von Silvia und Lois Lammerhuber ist es, in einem leidenschaftlichen Prozess sich dem perfekten Buch zu nähern, im sorgsamen Streben nach jener ultimativen Qualität, die dazu geführt hat, dass Bücher „Häuser des Wissens und der Kunst“ – Bibliotheken – errichtet wurden.

Bücher mit emotionaler Intelligenz und Schönheit verlegen

Dem Geiste dieser Tradition verpflichtet, widmen die Lammerhubers ihre ganze gestalterische Kraft dem Bemühen, Bücher mit emotionaler Intelligenz und Schönheit zu verlegen, die ihre Wirkung über höchst qualifizierte Wissensvermittlung in Form reflektierender Gespräche und emotional aufgeladener Fotografie erzielen und die Texte wissenschaftlich kompetent, klar und unterhaltsam sind.

Silvia und Lois Lammerhuber verstehen sich als Verleger, die sich ihren Autorinnen und Autoren mit Hingabe und Freundschaft verbunden fühlen.

Sie sind dankbar und stolz, dass ihnen ein paar der klügsten und innovativsten Menschen der Welt jenes Vertrauen schenken, ihre Gedanken in ihren Büchern darlegen. Dieses Vertrauen verwalten Silvia und Lois Lammerhuber verantwortungsvoll als höchstes Gut.

Das Handwerkliche am Herstellungsprozess ihrer Bücher ist ihnen überaus wichtig, ist Teil ihrer Philosophie. Alle Produktionsschritte bis zur Drucklegung werden im Verlag erarbeitet.

Der Reproduktionsqualität von Kunstwerken und Fotografien, der Haptik der bedruckten Papiere, dem Buchbinden im Allgemeinen und dem Aufschlagverhalten ihrer Bücher im Besonderen gilt ihre stete Sorge.

Jede einzelne Druckform wird persönlich überwacht. Die Zuerkennung vieler Auszeichnungen beweist, dass dieses Bemühen sehr wohl bemerkt wird und Früchte trägt:

Awards 2009 / 2010:

Deutscher Fotobuchpreis 2009 für das Buch „Creation“: „Lobende Anerkennung“

Golden Pixel Award 2009 für das Buch Le Louvre Nu peintures I paintings – Sieger in der Kategorie Buch & Bildbände

Golden Pixel Award 2010 für das Buch Darwins Palast – Sieger in der Kategorie Buch & Bildbände

Der Golden Pixel Award zählt zu den renommiertesten Awards der österreichischen Druck- und Medienindustrie. 2010 zum 10. Mal als Jubiläums-Golden Pixel Award vergeben, prämiert diese österreichische Auszeichnung fortschrittliche und innovative Druckprodukte. Im Vordergrund dabei stehen der gesamte Projektgedanke und alle Kräfte, die daran mitgearbeitet haben.

Printissimo / Emballissimo 2010 für das Buch Darwins Palast – Sieger des Printissimo in der Kategorie Art

Printissimo / Emballissimo ist der Preis der Österreichischen Papierindustrie und wird jährlich im Rahmen einer großen Gala vergeben. Der Printissimo prämiert das kreative Design und die drucktechnische Perfektion außergewöhnlicher Druckerzeugnisse.

Goldener Werbehahn Niederösterreich 2010 für das Buch Planet Austria –the öaw blue book – Sieger in der Kategorie Public Relations.

Der Goldene Werbehahn ist der NÖ-Landeswerbepreis und wurde 2010 im Rahmen einer Gala zum 33. Mal vergeben.

Um die exklusive Qualität ihrer Bücher immer weiter entwickeln zu können, haben Sie entschieden, die Auflagenhöhe ihrer Titel mit maximal 3.000 Stück zu begrenzen, eine Größenordnung die der Sorgsamkeit des Büchermachens förderlich ist.

Darüber hinaus publizieren Sie Bücher in limitierter und signierter Auflage und im Rahmen ihrer Collector´s Edition Bücher mit ausgewählten Fotografien – Fine Art Prints aus dem jeweiligen Buch.

Silvia Lammerhuber und Lois Lammerhuber 

 

VITA LOIS  LAMMERHUBER

Geboren 1952 in St.Peter/Au, EDV-Organisator. Nach einer zweijährigen Reise  von Alaska nach Feuerland beginnt er sich erst spät, 1982, mit Fotografie zu beschäftigen. Autodidakt.

Seit 1985 intensive Zusammenarbeit mit GEO, was seine Entwicklung vehement prägt. Bis heute wurden weltweit rund 2000 Reportagen  gedruckt.

Seit 1994 ist Lois Lammerhuber Mitglied des Art Directors Club New York.

Darüber hinaus verfasste Lammerhuber viele Jahre lang Texte für Magazine und Radio, z.B für OE 1 "Neue Literatur aus Österreich" und regelmäßig für die Sendung "Unterwegs" im BR 2.

Mit dem Beginn seiner Buchpublikationen erwachte auch Lammerhubers Interesse für graphisches Design. Viele seiner Bücher, Kalender, Broschüren  und Werbung  tragen seine graphische Handschrift.

Seit Oktober 1994 ist Lammerhuber für den Österreich-Teil des Magazines GEO redaktionell und fotografisch verantwortlich.

Lois Lammerhuber ist  Eigentümer des Verlages "Edition Lammerhuber" und der "Photoagentur Lammerhuber".

Lammerhubers Interesse an Fotografie hat auch zum Aufbau einer der bedeutendsten Fotosammlungen Österreichs geführt, deren Ziel es ist, die Schlüsselwerke der Fotografiegeschichte zu vereinen. 

 

BÜCHER

Weinviertel( 1993); Mostviertel (1993); Steirisches Himmelreich( 1993); Tirol(1994); Neuseeland (1994); Wachau (1995); Österreich( 1995); Wien (1995); Ephesos und  die Ägäische Türkei(1995); Mutter Teresa(1995); Mensch, Mönch (1995); Du hast mich berührt (1997); Kernöl( 1997);

Das Dach der Welt (1998); Most (1999); The World of Biedermeier (2001);Wiener Wasser (2002);  365x Österreich (2003); Kärnten (2004); Eternit 100 (2004); Wiener Wälder (2005), Brot & Wein (2007); Metamorphosen (2007); Wiener Wein (2007); Louvre avec vues (2007); Schloss Hof (2007); Biedermeier–The invention of simplicity (2007); Creation (2008); Wiener Opernball (2008); Museum of Islamic Art (2008); Louvre Nu peintures/paintings (2008); Venus (2008); Celebration (2009); Planet Austria (2009);  Wiener Staatsoper (2009). Ars Electronica Center (2009); Darwins Palast (2009); Le Louvre Nu sculpture (2009); Closeup (2010); Wiener Parks und Gärten (2010); Hallstatt 7000 (2010); Biosphärenpark Wienerwald (2010); Wiener Hofburg (2010);

 

AUSZEICHNUNGEN

  • Top Job Award, Deutschland 1990: für eine GEO-Reportage über das "Mostviertel".
  • Art Directors Club of Europe 1994: für das GEO-Bild "Frau mit rotem Regenschirm".
  • Graphis Photo Award, USA 1994: für die beste  Fotoreportage des Jahres über "Papst Johannes Paul II" für GEO.
  • Graphis Photo Award, USA 1995: für die beste Fotoreportage des Jahres über "Das Ende der Intifada am Beispiel Jerusalem" für GEO.
  • International Photojournalism Award for Promoting Ethics of Peace and Righteousness, Schweiz 1995: für das Foto "Shishu Bhawan aus der Serie über Mutter Teresa" für GEO.
  • The Human Condition, USA 1996: für die Fotoreportage "Mutter Teresa".
  • Niederösterreichischer Tourismuspreis 1997.
  • Silberner Werbehahn, Wien 1999: für die Imagebroschüre "125 Jahre Johann Koller“
  • Silberner Werbehahn, Wien 2000: für den Kalender "Wasser" und für das Buch
  • "Das Dach der Welt". 

  • Goldener Werbehahn, Sonderpreis, Wien 2001: für das Buch "The World of Biedermeier".
  • Goldener Werbehahn, Sonderpreis, Wien 2002: für das Buch "Wiener Wasser".
  • Art Book Award, Wien 2007: für das Buch „Biedermeier – Die Erfindung der Einfachheit“.
  • Cannes Lions 2008, Shortlist in der Kategorie Best use of sponsorhip,
  • Cannes 2008: für „At the Vienna State Opera“ für Samsung.
  • Maecenas,  in der Kategorie „Kunst und Medien“, Wien 2008: für Fotos zur Billboard-Kampagne „VENUS“ für das Naturhistorische Museum Wien.
  • Deutscher Fotobuchpreis 2009, „Lobende Anerkennung“ für das Buch „Creation“.
  • Golden Pixel Award 2009: für das  Buch „Le Louvre Nu peintures|paintings“
  • Printissimo/Emballissimo, Preis der österreichischen Papierindustrie, 2010: für das Buch „Darwins Palast“.
  • Goldener Werbehahn, Niederösterreich 2010: in der Kategorie PR: für das Buch

„Planet Austria – the öaw blue book“.

·Golden Pixel Award 2010: für das  Buch „Darwins Palast“. 

 

Pressekontakt:

Johanna Reithmayer

EDITION LAMMERHUBER

T +43 2252 42269

F +43 2252 85938

E johanna.reithmayer@remove-this.lammerhuber.at

www.edition.lammerhuber.at

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25.01.2011 Sie prägt selbstbewußt die internationale Musikszene

GFDK - Warner Music Group - mit 3 Bildern

Lykke Li Zachrisson kam 1986 als mittleres Kind einer Fotografin-Mutter und eines Musiker-Vaters zur Welt. Dass ihre Mutter sie stehend und ohne Narkotika gebar, war ein Ausdruck des revolutionären Krankenhaus-Credos „being born on a woman’s terms“ und vermutlich LYKKE LIs erste Konfrontation mit der Frauenwelt, die auch ihr Ringen mit der Frage der Zugehörigkeit begründen sollte.

Die Zachrissons waren eine Familie, die niemals still stand, von Schweden nach Neuseeland und schließlich nach Portugal zog, wo sie sich in einem Bergdorf niederließen, um der Nachstrahlung des Tschernobyl-Desasters zu entkommen.

Als folgsames Rebellenkind, das seine ersten Schritte barfuß auf scharfen Kieseln zu Pfauenlauten und Donner machte, die Winter in Indien, Nepal und Marokko verbrachte und in elf verschiedenen Einrichtungen zur Schule ging, wandte sich Lykke schnell dem Kritzeln von Gedichten und dem Tanzen zu – nicht aus Interesse sondern als Notwendigkeit.

Als die Familie schließlich einige Jahre später nach Schweden zurückzog, hatte sich das Umherwandern bereits auf die Natur der inzwischen Neunjährigen ausgewirkt, deren Innerstes rastlos und frühreif war.
 
Mit 19 war Tanzen kein adäquates Outlet mehr für LYKKE LIs immer lauter werdende Seele, und so wurde der Gesang zum Heilmittel für ihre jugendlichen Leiden und die Beschränkungen von Stockholms Vorstadt. Schließlich verlagerte sie ihren Lebensmittelpunkt nach New York, zog in Bushwick ihr Ding durch, schaltete und waltete, uptown und zurück.

Als sie eines Morgens in ihrer rattenverseuchten Kammer einer Wohnung aufwachte, nachdem sie am Abend zuvor bei einer Open-Mic-Nacht von der Bühne gebuht worden war, wurde ihr schlagartig klar: Schlimmer kann es nicht werden, ab jetzt kann es nur noch bergauf gehen – und sie wusste, dass die Kunst, in welcher Form auch immer, für immer ihr Leben sein würde.
 
Badabing Badaboom.
 
Zurück in Stockholm, pleite und allein, aber zu allem bereit, lag Lykke dem Produzenten Björn Yttling (von Peter, Bjorn & John) in den Ohren und fand in ihm den passenden Deckel für ihren Topf, da er sie in die Welt des professionellen Schreibens und Aufnehmens von Musik einführte.
 
2007 nahmen die beiden 14 Songs auf, aus denen LYKKE LIs gefeiertes Debütalbum Youth Novels werden sollte – ein Werk, das die 21-Jährige schnell berühmt machte und sie auf ein atemberaubendes Rennen durch die Welt klaustrophobischer Backstage-Räume, greller Lichter, verruchter Partys, wuseliger Flughäfen, mieser Typen, hübscher Fremder, faltiger Mode und Stripper-Stiefeln, wertiger Lumpen und Balisons in überstrapazierten Koffern führte. Und zum Herzschmerz...


Gott segne den Herzschmerz, werden wohl alle mit einstimmen, schließlich war dieser für den unvergesslichen Song „Possibility“ verantwortlich, der von einer ziemlich kaputten Einstellung gegenüber der Liebe zeugt, für den Film „Twilight – New Moon“ geschrieben wurde und Millionen junger Vampirseelen aus dem Herzen sprach, die sich danach sehnten, nicht dazuzugehören. Und zu lieben.
 
„Mein letzter Tango mit der Liebe endete ziemlich übel, aber man kann sagen, dass ich mein eigenes Herz gebrochen habe. Liebe war nur mein Instrument und der Herzschmerz mein Geist – etwas, an das ich mich klammern konnte, als alles um mich herum zusammenbrach...“
 
Nach zwei verrückten Jahren, in denen praktisch jeder Ort, jede Person und jedes Vergnügen auf dieser Erde nach ihrer Aufmerksamkeit lechzte – außer der Liebe natürlich –, sehnte sich LYKKE LI verzweifelt nach einem Ort, an dem sie sich ausruhen konnte anstatt auf einer Bühne zu tanzen.

Da es keinen Ort gab, den sie ihr Zuhause nennen konnte, beschloss sie einmal mehr, nach New York zu gehen – um ein bisschen zu leben!
 
„Zwei Monate verbrachte ich dort und hatte eine gute Zeit. Doch ich war ausgemergelt, New York war für mich zu dem Zeitpunkt der falsche Ort. Und als ich den Stecker gezogen hatte, als ich allein war und die Flut von Angeboten und Einladungen langsam verebbte, musste ich mich damit auseinandersetzen, wer ich war.

Auch wenn sich meine Lebensumstände drastisch geändert hatten und mir alles offen stand, was ich mir je erträumt hatte, hatte ich immer noch die gleichen Gefühle wie vorher: die gleiche Existenzangst, die gleiche Rastlosigkeit. Ich hatte mich nicht verändert und wartete noch immer. Ich musste etwas unternehmen. Ich musste wachsen.“
 
Also floh LYKKE LI in den Westen, in die kalifornische Wüste, spielte in einem schrägen und dunklen Moses-Berkson-Film namens „Solarium“ mit und begrub einen Teil ihres verletzten Herzens im brühend heißen Wüstensand.

Den Rest nahm sie mit in ein Haus auf einem Hügel im Osten von Los Angeles, wo sie sich ein Fahrrad und eine Autoharp kaufte, ein wenig prachtvolles Klavier lieh, ein paar Blumen in ihrem Zimmer verteilte und sich hinsetzte um nachzudenken.
 
Zur Ruhe gekommen, ein bisschen einsam und mit der Gainsbourg’schen Angst konfrontiert, dass dich der Geist einer Liebe, die nie wirklich gelebt hat, für immer verfolgen wird, immer in dir hausen wird, ungeboren und untot, suchte sie Trost in der Musik.
 
Schon bald erzitterte die Bergkuppe des Echo Parks unter der Musik jener Gemüter, die an einem ähnlich kontemplativen, gebildeten und schmerzvollen Ort waren wie sie: Leonard Cohen, Neil Young und Dr. John gemischt mit Velvet Underground und This Mortal Coil, alles unter dem omnipräsenten Bann von Alan Lomax Feldstudien, Whiskey und Darjeeling.
 
Doch wie jeder, der sich in den Untiefen von Sehnsucht und Verlust befindet, war LYKKE LI darauf bedacht, sich wieder zu berappeln und in sich selbst die Essenz ihrer Musik wiederzuentdecken. Sie dürstete nach der rauen Kraft der Schlichtheit, nach einer Form aufrichtiger Wahrheit.


Sie kam zu dem Entschluss, dass es – unabhängig von Furcht, Verlust und Sehnsucht – nicht um die Perle in der Auster geht sondern um das Sandkorn, aus dem die Perle entsteht. Um die Kohle selbst, nicht den Diamanten, der aus ihr entstehen kann. Um das Jetzt, das sich unausweichlich ins Dann verwandelt, und das Wenn, aus dem vielleicht nie ein Jetzt wird.
 
Und dann fing sie an zu schreiben.
 
„Ich wollte zurück zu den Anfängen, als Songs noch etwas bedeuteten. Ich wollte Minimalismus, nur Texte und Melodien. Wie alle großartigen Songs sollten auch meine nur mit Handschlägen und Gesang gespielt werden können.“
 
Sie bündelte den Niedergang des Shangri-La-Leitwolfs mit „Women Under The Influence“, „Ladies And Gentlemen Of The Canyon“, einer Kung-fu-Marianne-Faithful und einer bewaffneten Nancy Sinatra im Kaktusrausch und machte Musik.

Aus ihrem Kopf kamen Voodoo-Trommeln, ein paar schmerzende Akkorde, peitschend und heilig, erschütternd und hoppelnd zugleich, und eine Stimme, die sich urplötzlich vom Sehnsuchtsvollen zum Fordernden gewandelt hatte, vom Fragilen zum Rauen.
 
„Wenn ich singe... dann geht es immer um meine intimsten Emotionen, über die ich mit niemandem sprechen würde. Aber es ist meine Bühne, mein Raum, an dem ich alles ausdrücken kann, was ich will. So oder so – ich setze die Grenzen, ich mache die Regeln. Ihr müsst draußen bleiben.“
 
„These scars of mine make wounded rhymes tonight“, singt sie und setzt damit den Titel ihres zweiten Albums in einen Kontext. Ein Zweitwerk, das das Recht einfordert, nicht dazuzugehören, wohlwissend, dass es dies dennoch tut. Von einer Künstlerin, die zu gleichen Teilen aus Diesseits und Jenseits, Liebe und Zerstörung, Kampf und Glauben besteht.
 
„Das könnte es tatsächlich sein, mein letztes Hurrah. Dieses Album musste perfekt sein, es muss für Dekaden vorhalten. Für alle Fälle.“ 
 
Mit den Worten einer Mutter, die einst aufstand, um eine Künstlerin zu gebären:
 
„Tanz’ solange du noch kannst“, singt LYKKE LI.
„Tanz’, weil du musst.“

Tourneedaten 2011

4 April 2011 Hamburg |Grunspan

 5 April 2011 Berlin Astra Kulturhaus

6 April 2011 München Muffathalle

9 April 2011 Amsterdam Paradiso

11 April 2011 Köln Gloria

Ihr neues Album Wounded Rhymes erscheint am 8.3.2011

Warner Music Group Germany Holding GmbH
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17.01.2011 Sie ist eine phänomenale Frau

Claudius Andersen - mit 5 Bildern

Wenn am 25. Januar die Liste der Nominierten für die beste Schauspielerin bei der 83. Oscar-Verleihung bekannt gegeben wird, hat sie gute Chancen dabei zu sein: Sally Hawkins für ihre Rolle in Nigel Coles britischer Hitkomödie WE WANT SEX (Kinostart: 13. Januar).

Darin spielt sie die couragierte FORD-Arbeiterin Rita O’Grady, die gemeinsam mit ihren Kolleginnen für Lohngleichheit und bessere Arbeitsbedingungen auf die Straße geht und so einen ganzen Konzern in die Knie zwingt.

„Sie ist eine phänomenale Frau“, schwärmt Sally Hawkins von Rita. „Sie ist eine wahre Tour de force – weiß es am Anfang bloß noch nicht. Sie ist eine normale Mutter von zwei Kindern, Näherin in der Ford-Fabrik in Dagenham, eine Arbeiterin wie tausende andere in den Sechzigern.

Aber plötzlich wird sie ins kalte Wasser geworfen, muss mit Managern verhandeln und eine politische Rolle spielen. Sie wird zur Stimme all dieser Frauen, weil sich sonst niemand zu ihrem Sprachrohr machen will.“ Eine Paraderolle für die britische Schauspielerin.

Schon mit Poppy, der dauerfröhlichen und quirligen Grundschullehrerin in Mike Leighs HAPPY-GO-LUCKY, spielte sich Sally 2007 in die Herzen des Publikums und der internationalen Filmkritik.

Es war ihr großer Durchbruch. Erst gewann sie den Silbernen Bären der Berlinale, dann folgte der Golden Globe. Bis dahin war Sally bereits seit 10 Jahren am Theater, hatte eine Schauspielausbildung an der renommierten Royal Academy of Dramatic Art (RADA) genossen und erste kleine Rollen in Kino und Fernsehen ergattert.

Regisseur Mike Leigh besetzte sie erstmals 2002 für ALL OR NOTHING und dann 2005 in seinem Oscar-nominierten Drama VERA DRAKE. Früh erkannte er das Potential der zierlichen, hochtalentierten Frau und mit welcher Glaubwürdigkeit sie eine enorme Bandbreite von Charakteren verkörpern kann.

Noch heute erinnert sich Sally an den Tag, als sie im Soho Haus in London erstmals mit Mike Leigh über ihre Hobbies, Inspirationen und Träume sprach. „Die Erinnerungen an dieses erste Treffen werde ich bis an mein Lebensende nicht vergessen”, so Sally in einem Interview.

Von Jane Austens skeptischer Heldin Anne Elliot in VERFÜHRUNG bis hin zum Gangmitglied Slasher in Matthew Vaughns Gangsterthriller LAYER CAKE, in dem sie einen Kokainhändler, gespielt von James Bond-Darsteller Daniel Craig, in Schwierigkeiten bringt, scheint keine Rolle unpassend für die junge Britin zu sein.

Und 2011 wird sie diesem Repertoire noch etliche Facetten hinzufügen, darunter in der Neuverfilmung des Romanklassikers JANE EYRE und an der Seite von Keira Knightley in Mark Romaneks ALLES WAS WIR GEBEN MUSSTEN. Aber nicht nur beruflich wird es spannend für Sally.

Am 27. April 1976 in London geboren, steht dieses Jahr die große 35 auf ihrer Geburtstagstorte. Und eigentlich hatten sie und ihr guter Freund und Schauspielkollege James Corden einst einen Pakt geschlossen, dass beide heiraten und viele Babys miteinander bekommen werden, sollte Sally bis dahin noch Single sein.

Da heißt es „ran halten“ für all die, die ihr Herz noch erobern wollen. Unseres hat sie längst für sich gewonnen. In WE WANT SEX, dem unterhaltsamsten Geschlechterkampf, den es je auf der Leinwand zu sehen gab, können wir Sally Hawkins seit dem 13. Januar endlich wieder im Kino bewundern.

Claudius Andersen                                     
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07.01.2011 Am 28.01.2011 veröffentlicht sie ihre erste CD

Hasko Witte - mit 3 Bildern

Midori Seiler ist die Konzertmeisterin der Orchester Akademie für Alte Musik Berlin und Anima Eterna. Am 28.01.2011 veröffentlicht sie mit den Partiten für Violine von Johann Sebastian Bach ihre erste CD auf dem Label Berlin Classics.


Die CD wurde im Johann-Sebastian-Bach-Saal des Schlosses in Köthen aufgenommen. In dieser Stadt wirkte Johann Sebastian Bach von 1717 bis 1723 als Hofkapellmeister des Fürsten Leopold von Anhalt-Köthen. Im CD-Booklet können Sie ein interessantes Interview mit Midori Seiler lesen.

Darin gibt Sie u.A. Auskunft zur Historischen Aufführungspraxis und ihren Bezug zu den Bachschen Partiten. Die Bachschen Partiten für Violine solo – das ist Musik in höchster Konzentration.

Aber auch eine der größten musikalischen Herausforderungen. Midori Seiler spricht im Booklet ihrer neuen CD von einem Destillat, das man im Solo-Spiel suggestiv zur Entfaltung bringen müsse.

So kann ein ganzer Kosmos auf nur vier Saiten entstehen. Midori Seiler, Tochter einer japanischen Mutter und eines bayerischen Vaters, wuchs in Salzburg auf. Ihre musikalische Ausbildung führte sie von dort über Basel und London nach Berlin.

Dabei waren Helmut Zehetmair, Sandor Végh, Adelina Oprean, David Takeno, Eberhard Feltz und Stephan Mai ihre Lehrer. Seit 2000 ist sie Konzertmeisterin von den Ensembles Anima Eterna und der Akademie für Alte Musik Berlin – zwei der profiliertesten Ensembles der Alten-Musik-Szene.

Darüber hinaus ist sie auch als Solistin und Kammermusikerin sehr erfolgreich in Erscheinung getreten.


Mit dieser CD treibt Midori Seiler das Solistische nun auf die Spitze: Im Johann-Sebastian-Bach-Saal des Köthener Schlosses hat sie die Bachschen Partiten für Solovioline aufgenommen. Auf ihrer Guarneri-Violine entwickelt sie eine ebenso historisch versierte wie emotionale Lesart dieses puren Bachs.

JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750)

Partiten für Violine solo
BWV 1002, 1004, 1006

MIDORI SEILER, Tochter einer japanischen Pianistin und eines bayerischen Pianisten, wuchs in Salzburg auf. Ihre musikalische Ausbildung führte sie von Salzburg nach Basel, London und Berlin.

Ihre Lehrer waren Helmut Zehetmair, Sandor Végh, Adelina Oprean, David Takeno, Eberhard Feltz und Stephan Mai. Seit dem Jahr 2000 ist Midori Seiler Konzertmeisterin der Orchester Akademie für Alte Musik Berlin und Anima Eterna und war Gastkonzertmeisterin bei renommierten Ensembles und Orchestern.

Als Solistin in Europa, Südamerika, Spanien, Asien und den USA spielte sie Violinkonzerte von Bach, Vivaldi, Telemann, Mendelssohn, Mozart, Haydn und Beethoven.

Unter ihren CD-Veröffentlichungen, von denen viele mit Preisen ausgezeichnet wurden, finden sich die Violinkonzerte von Mozart, das verschollene Violinkonzert von Bach BWV 1052 in einer eigenen Rekonstruktion, und die „Scheherezade“ von Rimsky-Korsakow.

Mit dem Pianisten und Spezialisten für historische Tasteninstrumente Jos van Immerseel produzierte sie die Violinsonaten von Mozart und Schubert. Die kompletten Violinsonaten von Ludwig van Beethoven werden 2011 erscheinen.


Große öffentliche Aufmerksamkeit erregte die szenische Produktion der „Vier Jahreszeiten“ mit der Akademie für Alte Musik Berlin, dem Choreograph und Regisseur Juan Kruz Diaz de Garaio Esnaola und Midori Seiler als Solistin. Sie ist als Live-Mitschnitt auf DVD erhältlich. Die Audio-Version dieses Werkes erschien 2010.


Midori Seiler gab Meisterkurse für Barockgeige in Brügge, Antwerpen und Chemnitz und am Königlichen Konservatorium Den Haag für das Spezialgebiet „Aufführungspraxis des 19. Jahrhunderts“.


Seit dem Jahr 2010 ist sie Professorin für Barockvioline und -viola am Institut für Alte Musik an der „Hochschule für Musik Franz Liszt“ in Weimar.

Konzerte 2011

Midori Seiler spielt die Bach Partiten:

21.03.2011 Köthen - Bachfest Köthen
02.04.2011 Monte Carlo - Festival Printemps des Arts Monte Carlo

Weitere Konzerte in Vorbereitung

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23.12.2010 künstlerische Metamorphose

Sony Music - mit 5 Bildern

Mit 21 Jahren zeigt die schwedische Singer-Songwriterin Fredrika Stahl bereits eine erstaunliche Reife. Sie will sich nicht auf das eine oder andere Genre festlegen lassen und hat ihren ganz persönlichen Ausdruck, wobei sie irgendwo zwischen Pop und Jazz anzusiedeln ist. Dank ihrer stimmlichen Qualitäten ist ihr Gesang elegant, natürlich und ungekünstelt.

Fredrika wurde 1984 in Schweden geboren und verbrachte fast ihre ganze Kindheit in Frankreich. Das erklärt auch, warum sie die französische Sprache perfekt beherrscht.

Als Kind erhielt sie Ballett- und Klavierunterricht. Singen war ebenfalls ihre Leidenschaft, doch bewunderte sie damals noch dieselben Stars wie ihre Eltern: Simon & Garfunkel, James Taylor, Chicago...

Mit 12 ging Fredrika zurück nach Schweden und begann ihre eigene musikalische Kartographie der Welt zu erstellen. Dazu zählten Musiker wie Jewel, Lisa Ekdahl, Tracy Chapman, Norah Jones und andere. Musik füllte bald ihr ganzes Leben aus.

Als sie nach ihrem Schulabschluss nach Frankreich zurückkehrte, begann sie zuerst sehr bescheiden mit der Teilnahme an einem Musical in Paris. Wie zahllose andere angehende junge Künstler arbeitete sie nachts in einer Kneipe, um über die Runden zu kommen.


Der Zufall wollte es, dass sie dabei Geef (3 Cinks Prod) kennen lernte, der daraufhin ihr Produzent wurde. Sie begannen erst mit der Arbeit an einigen von Fredrikas Folksongs.

Ein Jahr später lernte sie während einer Aufnahmesession den Pianisten Tom McClung kennen, der gegenwärtig mit Archie Shepp zusammen spielt. Tom hörte sich ihre Probeeinspielung an und bot an, Jazz-Arrangements dazu zu schreiben.

Bald hatte sie für das geplante Album das perfekte Team beisammen: den Gitarristen José Palmer (DeeDee Bridgewater, Jean-Jacques Goldman, Archie Shepp, Manu Katché), den Kontrabassisten Diego Imbert (u.a. Biréli Lagrène), den Schlagzeuger Karl Jannuska (Lee Konitz, François Théberge, Serge Forté) und den Saxophonisten Hervé Meschinet (Arturo Sandoval, Michel Legrand, Charles Aznavour, Claude Nougaro).


Fredrikas Talent entfaltet sich auch auf der Bühne. Sie trat bereits zusammen mit Eric Poirier, Ichiro Onoé und Manuel Marchès auf, aber auch mit Razul Siddick, Jean-Jacques Elangué, Peter Giron und John Betsch.

Fredrikas Musik strahlt auf subtile Art sowohl Reife als auch Frische aus. Ihr unbestritten persönlicher Stil lässt sich weder ganz dem Jazz noch dem Pop zurechnen. Und das „altmodische“ Timbre der talentierten Singer-Songwriterin erinnert den Zuhörer an die großen Jazzsängerinnen der Vergangenheit. 

Ihr neues Album "Sweep me away" erschien im Oktober bei Sony Musik.

Die künstlerische Metamorphose von Fredrika Stahl könnte eigentlich kaum frappanter sein. Die 25-jährige Schwedin, die in ihrer Wahlheimat Frankreich mit ihren ersten beiden Alben „A Fraction Of You“ (2006) und „Tributaries“ (2008) als neuer Stern am Jazzhimmel gefeiert wurde, klingt auf ihrem neuen Album „Sweep Me Away“ wie verwandelt.

Perfekter Pop. Agil arrangiert, aufregend interpretiert. Die Sängerin, die alle Songs sebst komponiert hat, kann jedoch mit solchen Kategorisierungen wenig anfangen. „Die Frage, ob ich eine Popsängerin oder eine Jazzsängerin bin, schockt mich immer. Wo ich hingehöre.

In welche Kategorie man mich einordnen soll. Für mich ist Kunst eines der wenigen Dinge, die man nicht eingrenzen kann. Für mich ist das einfach Musik. Hauptsache, sie klingt gut.“ Und „Sweep Me Away“ macht seinem Titel alle Ehre und erweist sich tatsächlich als ein Album, von dessen Songs, gleich wie man sie denn nun einordnen möchte, man unweigerlich mitgerissen wird.

Die zwölf Songs stehen durchaus in der Tradition moderner, femininer Singer/Songwriterinnen wie Emiliana Torrini und Regina Spektor, die alle ihre ganz eigene Stimme und Ausdrucksform entwickelt haben.

Fredrika Stahl singt mit einer enormen Klarheit und Akkuratesse, die das Bild einer kühlen nordischen Schönheit nähren, doch ihr wohltemperiertes Pianospiel und die warmen Arrangements produzieren eine angenehm vertraute Stimmung. Ein Jahr lang hatte Fredrika Stahl ganz zurückgezogen in Schweden gelebt und an den neuen Songs gearbeitet.

„Es war das erste Mal, dass ich solche komplexen Demos aufgenommen habe. Es gab enorm viele Gesangsarrangements, auch wenn ich niemals Gesangsstunden genommen habe.

Die fertigen Songs kommen den ursprünglichen Demos recht nahe. In dem einen Jahr in Stockholm habe ich mich von Frankreich abgekapselt gefühlt. Ich musste mich einfach auf mich und meine Musik konzentrieren – eine sehr intensive Erfahrung.“

Fredrika Stahl hatte bereits zwischen ihrem vierten und zwölften Lebensjahr mit ihren Eltern in Frankreich gelebt. Nach ihrem Abitur zog es die damals 17-jährige nach Frankreich zurück.

Nachdem sie ihren ursprünglichen Plan Tänzerin zu werden verworfen hatte und sich einige Zeit als Kellnerin über Wasser hielt, wurde der amerikanische Jazzpianist Tom McClung, jahrelanger Begleiter von Archie Shepp, auf ihr musikalisches Talent aufmerksam.

So kam es zu ersten Auftritten in Pariser Jazzclubs wie New Morning und Duc des Lombards. „Jazz ist brillant für Live-Auftritte“, erinnert sie sich. „Ich habe unglaublich viel gelernt. Anfangs gab es noch so eine Distanz, schließlich war ich kaum 20 Jahre alt und spielte mit Musikern in ihren Fünfzigern.

Dass ich meine Songs selbst schreibe, hat mich aber irgendwie gerettet.“ Gemeinsame Auftritte mit Herbie Hancock, Richard Bona und Maceo Parker erwiesen sich als unschätzbar wertvolle Erfahrungen.

Eine wesentlich wichtigere Konstante in ihrem bisherigen Werk ist der Produzent Jean Fabien Ekodo, der unter dem Künstlernamen GeeF arbeitet und auch ihre beiden ersten Alben produzierte. Für „Sweep Me Away“ arbeitete er gemeinsam mit Jeff Dolort als Co-Produzent.

Aufgenommen wurden die Songs von „Sweep Me Away“ mit einer Reihe exzellenter Jazz- und Funk-Musiker, darunter die beiden Pianisten Eric Legnini und Romain Collin, der Bassist Daniel Romeo und der Schlagzeuger Arnaud Renaville sowie die sich durch fragile Poptexturen auszeichnende Gitarristin Edith Fambuena.

Bereits das Intro des Albums, auf dessen Gesangssatz wohl sogar Brian Wilson stolz wäre, macht hellhörig. Die so komplex wie reich arrangierten Songs wie etwa „Altered Lens“ erinnern bisweilen an den nouvelle chanson eines Benjamin Biolay.

Stahl kann sich herrlichen musikalischen Tagträumereien hingeben („Fast Moving Train“), kokett fröhlich klingen („Rocket Trip To Mars“) oder ausgelassen beatlesk („In My Head“) „Fling On Boy“ hat den nötigen Swing, um auch auf dem Dancefloor zu bestehen, während „Song Of July“ wie eine leichte Sommerbrise wirkt.

Das  emotionale Spektrum, das Fredrika Stahl mit ihrem neuen Album abdeckt, ist wirklich erstaunlich. Was kann es Schöneres geben, als bei einem Album aus dem Staunen nicht mehr herauszukommen? „Dreamin with both feet on the ground“ singt die hübsche blonde Schwedin in einem Song. Wir lauschen derweil ganz gebannt ihrem delikaten neuen Album. Swept away! 

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