Exklusive Interviews mit interessanten Menschen

17.05.2017 Ihr Motto - „Ich gebe nie auf!“

GFDK - Andrea Croneder

Seit 2003 führte Ulrike Adler (*1972, Konstanz) die Galerie Adler in Frankfurt am Main. Sie vertritt junge, ausdrucksstarke Positionen der zeitgenössischen Kunst, von denen sie bereits einige erfolgreich in bedeutenden Sammlungen und Museen unterbringen konnte.

Nach einem BWL Studium mit Schwerpunkt Finanzwirtschaft und Marketing in Verbindung mit  einigen Jahren Berufserfahrung, wuchs der Wunsch etwas Eigenes auf die Beine zu stellen.

Verschiedene Tätigkeiten bei Start Ups im In- und Ausland, vermittelten ihr Erfahrungen in der Unternehmensgründung – und vor allem die prickelnde Aufbruchstimmung der New Economy.

Schließlich war klar, dass „ein Weg zurück in die Finanzmärkte bzw. in ein großes Unternehmen plötzlich nicht mehr in Frage kam, der Austausch mit Gründern war zu spannend.“

Die Frage, weshalb sie sich gerade die Kunstszene aussuchte, ist einfach beantwortet:

Im Jahr 2000 war das Internet noch jung und eine Internetgalerie eine absolute Marktlücke. Zudem war Kunst schon immer ihre Leidenschaft.

2001 wagte sie schließlich den entscheidenden Schritt und gründete mit www.BigArt.de die erste Internetgalerie Deutschlands. Ein Geschäftskonzept, die ihr umgehend zahlreiche Auszeichnungen einbrachte.

Die Idee war so einfach wie genial und das nötige Selbstvertrauen hatte sie ebenfalls.

Den Nutzen sah sie darin, besonders Laien das Finden, Aussuchen und Kaufen von Kunst zu erleichtern. Kunstsuchende, die bei BigArt surften, sollten dies auch ohne Fachwissen tun und sich das endlose Abklappern von Galerien sparen können.

Auswahl und Erwerb eines Werks sollte über einfache Kriterien wie Kategorie, Material, Farbe, Breite, Höhe und Preisklasse ermöglicht werden. Die sich an die Vorauswahl anschließende persönliche Beratung durch Ulrike Adler, inklusive einer Besichtigung der Wohnung des Interessenten und einem Besuch beim Künstler, war dazu gedacht, alle Gegebenheiten und Wünsche aufeinander abzustimmen.

BigArt.de fungierte als Vermittler zwischen Künstlern, Sammlern und Kunstinstitutionen und war gleichzeitig ein Forum für alle Kunstinteressierten, die sich über aktuelle Ausstellungen und wichtige Geschehnisse in der Szene informieren wollten.

Durch die Realisierung von Shows und Atelierbesuchen konnte Adler die im Internet geknüpften Kontakte zusammenführen und erreichte auf diese Weise eine optimale Verknüpfung von virtueller und realer Welt.

Bereits nach zwei Jahren stellte sie fest, dass ihr Wunsch, sich mehr für ihre Künstler zu engagieren, sie zu fördern und auf Messen vorzustellen, bedeutete, dass sie eine „echte“ Galerie gründen müsste.

Und das, obwohl „es eigentlich nie mein Traum“ war „eine Galerie zu führen“ wie sie selbst rückblickend sagt. Neben der Möglichkeit sich effektiver einsetzen zu können, war es vor allem das Bedürfnis, eine Plattform für jene Künstler zu schaffen, mit deren Richtung und Aussage sie sich identifizieren konnte.

Die Entdeckung der in Boston lebenden Videokünstlerin Alex McQuilkin, deren Arbeiten sie 2003 auf der Armory Show zum ersten Mal sah, untermauerte diesen Entschluss. Die Begeisterung für Künstler, die sich in ihren Werken mit den Widersprüchen des Lebens auseinandersetzen, die auch vor Tabubrüchen nicht zurückschrecken, war geweckt und die Richtung der Galerie damit vorgegeben.

Ulrike Adler ist sich sicher, dass eigenwillige Positionen und existenzielle Themen immer Bestand haben, ganz egal wie kontrovers sie diskutiert werden, denn:

Die Kernfragen des Lebens beschäftigen uns alle und sind deshalb auch häufig Thema in der Kunst. Seichte Themen und dekorative Motive fesseln den Betrachter nur für kurze Zeit.“    

2006 nutzte Ulrike Adler ihre zahlreichen geschäftlichen wie privaten Verbindungen nach New York, wo sie ein halbes Jahr gelebt hatte und wo sie bis heute die Hälfte ihrer Zeit verbringt, um dort eine Zweigstelle zu eröffnen.

Zwei Jahre später lief der Mietvertrag der Dépandance aus und eine massive Mieterhöhung bewegte Adler dazu, die Galerie zu schließen und stattdessen nur noch ein Büro zu unterhalten. Gerade noch rechtzeitig, um den schlimmsten Folgen der Finanzkrise zu entgehen.

Momentan konzentriert sie sich in New York vor allem auf die intensive Kontaktpflege zu Sammlern und Kunstbetrieben.

Die durch die Krise hervorgerufene schwierige Finanzsituation schreckt sie nicht, obgleich sie sie durchaus realistisch einschätzt:

„Kunst ist kein Grundnahrungsmittel. Wir werden jetzt eher wieder Käufermärkte sehen, die Preise werden sich nicht mehr überschlagen. Wer über ein genügend großes Polster verfügt, und dazu zählen doch viele langjährige Sammler, der lässt sich nur wenig beirren.

Aber auch viele junge Leute, die erst am Anfang ihrer Karriere stehen, interessieren sich für Kunst, ob für die eigenen vier Wände oder die Mini-Sammlung. Wenn da der Job in Gefahr gerät, werden allerdings schnell andere Prioritäten gesetzt. Für mich heißt dies: intensiven Kontakt zu den Sammlern und Interessenten halten und wachsam sein, wie sich das Geschäft entwickelt.“

Vor circa zwei Jahren, als die Arbeit drohte, überhand zu nehmen, stellte Ulrike Adler Saskia Dams ein, wodurch die Galerie einen deutlichen Auftrieb erfuhr. Die junge Kunsthistorikerin, die sich ebenso versiert wie engagiert für Kunst und Künstler einsetzt, sorgt dafür, dass sich Ulrike Adlers Wunsch

„das Galerieschifflein mit allen seinen Mitruderern heil durch die stürmische See“ zu bringen, erfüllt.

Dabei wird sie außerdem noch durch drei freie Mitarbeiter unterstützt, die jeweils da anpacken, wo Not am Mann ist und den Erfolg der Galerie als persönliche Angelegenheit sehen.

Die vergangenen Jahre waren aufreibend und anstrengend – Urlaub oder Verschnaufpausen gönnt sich Ulrike Adler kaum, denn der Aufgabenberg wächst stetig und die Verantwortung ist hoch. Gerade die jungen, noch nicht etablierten Künstler leben oft von der Hand in den Mund und sind auf das Geld aus Galerieverkäufen angewiesen, um sich Materialien und Ateliermieten leisten zu können.

Die Motivation trotz all der größeren und kleineren Belastungen und Schwierigkeiten immer weiter zu machen, liegt zum einen darin, dass es der Galeristin viel Freude macht, junge Künstler zu entdecken, aufzubauen und zu etablieren. Zum anderen wäre da noch ihr Leitsatz, der sie so entschieden und voller Optimismus durchhalten lässt: „Ich gebe nie auf!“

 

 

 

mehr

17.05.2017 Man fragt sich: Wo habe ich das schon einmal gesehen?

Dr. Ulrich Heimann

Beginnen wir damit, ein Bildinventar anzulegen, uns einen Überblick über die Requisiten der ganz eigenartig reizvollen, phantastischen Bildwelten Marina Sailers zu verschaffen.

In älteren Bildern werden wir als Betrachter oft in Innenräume versetzt, angefüllt mit Postermöbeln, Stühlen, Betten, Kissen, üppig floralen Stoffen, Teppichen,  Kleiderständern, Lampen, Treppenhäusern mit reich verzierten Geländern.

Gelegentlich werden diese Räume bewohnt von einer träumerischen weiblichen Person, meist mehr oder weniger ausgeprägt  ein Selbstbild der Künstlerin, manchmal als Gips- oder Marmorbüste.

Außerdem werden die Innenräume bevölkert von Adlern, Tauben, Schwänen und verschiedenen exotischen Vögeln; von Katzen, Schmetterlingen, Möpsen, Tigern und Fischen.

Die Fische tummeln sich (wenn sie nicht unter unseren Augen den Adlern zum Opfer fallen) im Wasser, das auf vielen Bildern von einer offenstehenden Tür her die Räume überflutet und Gegenstände wie Schuhe, Bücher, Farbflaschen, Bilder in Bewegung versetzt.

In jüngster Zeit entführt Marina Sailer den Betrachter hinaus ins Freie: auf einer Brücke, an einem See, im Wald handelt das Bildgeschehen, bei dem die Künstlerin nurmehr Regie führt statt selbst zu agieren. Denn neuerdings tritt die Künstlerin in ihren Bildern nicht mehr als Selbstporträt kostümiert auf, sondern ihre Präsens in den Bildern zeigt sich in dem, was sie schildern.

Oftmals hat dieses – in den Augen eines Mannes sehr weibliche – Bildinventar etwas an sich, das es uns irgendwie bekannt vorkommen lässt. Man fragt sich: Wo habe ich das schon einmal gesehen? und findet im eigenen Bildgedächtnis recht schnell Antworten:

Dieser Fußboden erinnert mich an eine Zeichnung Picassos aus der Zeit um 1920; dieser Wald  – einschließlich des Farbauftrags – an Max Ernst, die Stoffe oder die Geländer an Matisse, der Tiger an Delacroix. Das sind aber nur die Konnotationen eines Betrachters; wenn man die Künstlerin fragt, versichert sie, sie wisse meist nicht so genau, von woher ihr Unterbewusstsein ihr die Bilder zuspiele.

Wenn sie sich doch erinnert, bekommt man  – verbunden mit dem Vergnügen eines Aha-Erlebnisses – bereitwillig Auskunft: diese nackte Frau auf einem altertümlichen Fahrrad stammt von einem Bild aus einem Band mit pornographischen Fotografien aus dem 19. Jahrhundert; dies ist eine „Real doll“, mit der sich irgendein Rockstar hat fotografieren lassen.

Jedenfalls wird deutlich, wie sich Marina Sailers Phantasien bebildern: sie bedienen sich – wie ein Großteil der aktuellen Kunst – aus dem uferlosen Haushalt, den die flottierende Bilderflut unserer Tage bereitstellt.

Auffällig ist dabei die häufige Bezugnahme auf künstlerische Bildwelten von den „Klassikern“ bis in die aktuellste zeitgenössische Malerei. Beispielsweise mach sich neuerdings eine neonfarbene, giftig-vulgäre Nuance in Marina Sailers Kolorit bemerkbar, dem man bei so manchem anderen Zeitgenossen ebenfalls begegnen kann.

So bieten ihre Bilder sich den Betrachtenden als Konfigurationen aus heterogensten Elementen und Quellen dar, die sich jedoch – selbst wenn man um deren Herkunft weiß – keinesfalls dauerhaft enträtseln lassen; vielmehr bestehen die Bilder und die Geschichten, die sie erzählen, unerschütterlich auf ihrer Hermetik, auf ihrer Privatheit, auf ihrer Undechiffrierbarkeit.

Es sind ausnahmslos Bilder von rückhaltloser Subjektivität, in denen Marina Sailer ihre Erlebnisse, Erfahrungen, Träume und ihren Humor verarbeitet. Diese Verarbeitungen von wie auch immer – im Tagtraum oder in Wirklichkeit – erlebter (vor allem gesehener) Wirklichkeit sind sichtlich weniger Resultat von Reflexion als vielmehr von Intuition. 

Zwei Stichwörter - Heterogenität der Bilder sowie ihr erzählerischer Charakter, ihre narrativen Eigenschaften - bedürfen einer kurzen Erläuterung. Mit dem Narrativen, dem Erzählerischen der Bilder ist gemeint, dass Marina Sailers Bilder sich als Fixierungen von Momenten aus geheimnisvollen Erzählungen geben.

Diese fixierten Momente sind keine „fruchtbaren Augenblicke“ im Sinne Lessings, lassen also keine Rückschlüsse auf ein „Davor“ und ein „Danach“ zu, bieten keine Möglichkeit, ein im „fruchtbaren Augenblick“ kulminierendes Geschehen schlüssig zu rekonstruieren.

So stehen sich alle Faktoren der Erzählung in den Augen der Betrachtenden unverbunden und einander fremd gegenüber, so sehr wir Betrachtenden auch ihre ursprüngliche Stimmigkeit spüren.

Für Novalis, einen der frühromantischen Vordenker der künstlerischen Moderne, ist genau diese Heterogenität unverzichtbares Ferment aller modernen – und wir Heutigen können ergänzen: auch und erst recht der postmodernen Kunst. Poesie sei, so schrieb Novalis in seinen Fragmenten, offenbartes Gemüt, und weiter, als habe er Bilder wie die von Marina Sailer vor Augen:

„In unserem Gemüt ist alles auf die eigenste, gefälligste und lebendigste Weise verknüpft. Die fremdesten Dinge kommen durch Einen Ort, Eine Zeit, Eine seltsame Ähnlichkeit, einen Irrtum, irgend einen Zufall zusammen. So entstehen wunderliche Einheiten und eigentümliche Verknüpfungen.“

In Kunstwerken sei, so Novalis keine Einheit als die Einheit des Gemüts, und „nichts ist poetischer als als alle Übergänge und heterogene Mischungen“. (Fragmente und Studien II Nr. 337, 343, 419, 221, in: Novalis, Werke, Tagebücher und Briefe, Bd. 2, München 1978)

Die Einheit dieser heterogenen Kompartimente stellt sich in Marina Sailers Bildern vor allem über die malerische Handschrift her; die Fabulierlust der Malerin teilt sich auch als lustvolle Malerei mit, und so steckt sie uns Betrachtende an, unter das Interieur ihrer zur eigenen Dezentrierung animierenden Innenräume und unter die Requisiten ihrer Landschaften auch unser Innenleben, unsere Phantasien, Wahrnehmungen und Konnotationen zu mischen. 

Dr. Ulrich Heimann, Kunstakademie Düsseldorf

mehr

06.05.2017 Sie würde auch in der Wildnis leben

Arndt von Themroc

Wenn sich jemand in unsicheren Zeiten aufmacht um Menschen in aller Welt kennenzulernen und seine Erfahrungen in Musik ausdrückt, so ist dies etwas sehr Verbindendes und Schönes. Seit sie 15 Jahre alt ist, bereist die Sängerin und Komponistin Tabea Mangelsdorf (Tabeah) aus Abenteuerlust und Interesse am Menschen die Welt.

Die gebürtige Potsdamerin hat nun mit ihrer Band Tabeah ihr Debut-Album „Stars at Eye-Height" veröffentlicht, auf dem sie mit poetischen Songs ihren Erfahrungen Ausdruck gibt.

Arndt von Themroc hat für die Freunde der Künste mit Tabea Mangelsdorf (Tabeah) über ihre musikalischen Ursprünge, Einflüsse und Ziele gesprochen.

Woher kommst du/ihr?

Ich komme aus Potsdam. Seit ich 16 Jahre alt bin, bin ich von dort aber immer wieder ausgeflogen und habe in Australien, den USA, Indien und Brasilien gelebt. Nach meinem Pop-Gesangsstudium in Osnabrück ziehe ich gerade wieder nach Berlin. Meine Bandmitglieder kommen aus Hannover, Münster, Detmold, Ostfriesland und Spanien.

Seit wann machst du Musik?

Ich habe schon als kleines Kind Musik gemacht. Flöte natürlich und irgendwann habe ich immer mehr Klavier gespielt. Aber gesungen habe ich erst mit 18, denn ich war ein total introvertierter Stummfisch! Ab dem Zeitpunkt habe ich dann immer mehr Konzerte gesungen.

Was bedeutet der Bandname? Warum habt ihr diesen Namen ausgewählt?

Ich habe damals lange überlegt wie wir als Band heißen sollen. Aber diese Musik bin einfach ich! Tabeah ist daraus entstanden, dass ich meinen Namen Tabea um ein `h´ erweitert habe. Es symbolisiert meine Künstlervision. In der hebräischen Handschrift wird das `h` wie ein offener Kanal gezeichnet und das hat so eine Art spirituelle Bedeutung. Und das ist auch was ich als Künstlerin sein möchte: ein offener Kanal für etwas Größeres.

Was sind deine/eure musikalischen Einflüsse?

Die Musiker aus meiner Band kommen aus sehr verschiedenen Stilen. David K. Ehlers (keys) kommt hauptsächlich aus dem Hip Hop und R’n’B, Claas-Henning Dörries (bass) aus dem Post-Rock, Christian Grothe (git) ist sehr viel in der Ambient-Szene unterwegs und unser Drummer Simon Jurczewski steht auf Elektro. Ich selber bin mit klassischer Musik aufgewachsen und habe vier Jahre klassischen Gesang in den USA studiert, bevor ich mich entschied meine eigene Musik zu machen und Pop zu studieren.

Das hört man in den klassischen Streicher Arrangements und vielleicht den eigenwilligen, Song-unähnlichen Strukturen der Lieder. Irgendwann habe ich Jonsi (den Sänger von Sigur Ros) für mich entdeckt. Aber ich höre eigentlich alles was mich irgendwie berührt und mitnimmt. Doch wenn ich komponiere schreibe ich das, was mir kommt erst mal ungefiltert auf, ohne dabei auf Stil zu achten.  

Und ich habe als Kind mehr gemalt als gesprochen. Das hat einen großen Einfluss, denn wenn ich komponiere, male ich innerlich oft bunte Fantasiewelten und weite Landschaften.

Wie schreibt und entwickelt ihr eure Songtexte? Hast du selbst Dinge erlebt und Erfahrungen gemacht in denen es in deinen Songtexten geht?

Die Texte schreibe alle ich. Einige Texte entstehen durch Lebensgeschichten, die mir Menschen auf meinen Reisen in Indien, Israel, Palestina oder Exiltibet erzählten. In anderen Texten bin ich sehr politisch und stelle vieles in Frage. Die Songs der neuen CD geben meinen Sehnsüchten nach innerer Lebendigkeit, verspielter Wildheit und absoluter Freiheit einen Ausdruck.

Was erwartet den Hörer auf eurem Album?

Man wird eingehüllt in eine Klangdecke und in neue Welten entführt.  Mal flüstert die Musik zerbrechlich zart, mal tänzelt alles im witzelndem Pizzicato und mal wird in einer Epik der Spannungsbogen bis an die Grenze gedehnt, dass man am Ende der Reise gerade noch das Gefühl hat, heil angekommen zu sein.

Sphärische und orchestrale Gitarren- und Streicherklänge getrieben von der Rhythmusgruppe und eine unverkennbar expressive Stimme, die klar darüber fliegt. Es sind kunstvolle Lieder, fast Pop, nicht so recht Post-Rock, viel Weltmusik mit klassischen Elementen und Melodien wie Filmmusiken.

Auf diesem Album begegnet man einem riesigen Löwen der genug hat von der Kleinlichkeit der Welt und in seinem Traum zu größeren Horizonten fliegt. In Just For Now geht es zur Ursprünglichkeit im Leben und um den Drang wild durch den Wald zu toben anstatt eine Leistungs-Machine zu sein. Paper Piano dreht alles humorvoll auf den Kopf um die Welt mal aus einer ganz anderen Perspektive zu sehen.

Jedes dieser Kunstwerke will zur Freiheit und zur inneren Lebendigkeit. Spielerisch und fantasievoll, wild und herausfordernd oder ganz ursprünglich spirituell. Der Alltag ist oft sehr schnell und vollgestopft, aber von der Intimität und Tiefe dieser Musik darf man sich in Ruhe berühren lassen und vielleicht lang verschlossene Räume in sich öffnen.

Wer sind deine musikalischen Vorbilder?

Ich liebe Jonsi, Henryk Gorecki, Vince Mendoza, Ane Brun, Joni Mitchell, Cassandra Wilson, Arve Henriksen, Simin Tander, viele der Arabischen und Afrikanischen Künstler und viele mehr.

An welchen weiteren Musik-Genres bist du noch interessiert?

Traditionelle Afrikanische und Arabische Musik. Da steckt oft so eine uralte Tiefe drin.

Was würdest du tun, wenn du nicht Musiker/in geworden wärst?

Tolle Frage. Ich würde in der Wildnis leben, oder mich als Aktivistin für die Urvölker der Welt einsetzen oder vielleicht ein Wandernomade sein. Träumerein.

Wie sehen eure Live-Shows aus?

Man sitzt dort mit seinem Wein, sieht acht total vertiefte Musiker und lässt sich wie von einer Filmmusik, in eine Welt aus feinen und total epischen Klangspektren mitreißen. Viele fühlen sich danach gereinigt, berührt, erhoben und mit etwas Vergessenem in sich verbunden fühlen. Das ist schön.

Was sind eure Pläne für die Zukunft?

Wir wollen immer mehr Leute mit unserer Musik erreichen natürlich! Mein Traum ist es mit einem Visual Artist zusammen zu arbeiten und an ungewöhnlichen Orten wie Höhlen, Ruinen und Kratern Konzerte zu veranstalten.

Wir arbeiten schon am nächsten Album, welches erdiger, roher und noch viel mehr Weltmusik wird. Es zieht mich auch wieder Richtung mehr Einfachheit. Es bleibt spannend.

mehr

18.04.2017 detailverliebte Kreationen für Frauen

GFDK - Steffen Schraut

Seit 2002 entwirft der deutsche Modemacher STEFFEN SCHRAUT minimalistische und gleichzeitig detailverliebte Kreationen für Frauen mit einer raffinierten, femininen Komponente – und vor allem mit Trendund Stilsicherheit.
"Ich möchte Lieblingsteile entwerfen, die Frauen viele Jahre lang tragen, weil sie sich darin wohlfühlen."

Die Mode liegt STEFFEN SCHRAUT quasi in den Genen: Aufgewachsen im schwäbischen Familienunternehmen Blusen Hämmerle, bekam er schon früh einen Einblick in das Business. Stationen bei Escada, Hirsch und als Trendscout bei Peek & Cloppenburg folgten.

Steffen Schraut - Mode-Designer mit Gespür

Seine jahrelange Erfahrung und sein treffsicheres Gespür für das was kommt, helfen ihm im Prozess der Ideenfindung und bei seiner kreativen Arbeit. Dabei steht immer das Produkt im Mittelpunkt und weniger der Kreative, der es erschafft.

Schon früh erkannte die Modegröße Albert Eickhoff sein Talent und ermutigte ihn zu einem eigenen Label. Innerhalb von zehn Jahren hat STEFFEN SCHRAUT es geschafft, sich in der Branche als Top-Marke zu etablieren.

STEFFEN SCHRAUT entwirft luxuriöse Mode mit Wohlfühlcharakter und einem Hauch Sexiness. Figurbetonte Schnitte in den Größen 34 bis 44. Modisch,  attraktiv und unaufgeregt chic. Seine Looks unterstreichen stets die Persönlichkeit der Trägerin.

Seine Zielgruppe: Die Frau mitten im Leben, sowohl Mutter als auch Tochter. STEFFEN SCHRAUT legt sehr viel Wert auf das Zusammenspiel von Proportionen, Konturen und edlen Materialien – alle Musteranproben finden an „echten“ Frauen statt. Schließlich soll jede Frau in STEFFEN SCHRAUT eine gute Figur machen.

Steffen Schraut "Mode soll unkompliziert sein"

Der Modeunternehmer STEFFEN SCHRAUT entwirft zusammen mit seinem Design-Team pro Saison eine KOLLEKTION zu je drei Lieferterminen. Knappe Orderstrukturen von 10 Tagen ermöglichen es STEFFEN SCHRAUT frühe Auslieferungen zu gewährleisten und auf Trends zu reagieren. Moderate Preise sind ebenfalls ein Plus von STEFFEN SCHRAUT: "Mode soll unkompliziert und ein Mitnahmeartikel sein."


STEFFEN SCHRAUT ist international in den besten Stores vertreten. Seine Kollektionen befinden sich bei Premium-Händlern in über 20 Ländern weltweit, u.a. im KaDeWe in Berlin, bei Breuninger in Stuttgart, bei Unger in Hamburg, bei Apropos in Köln und Düsseldorf, bei Föger in Österreich, bei Lorenz Bach in der Schweiz, bei LuisaViaRoma in Florenz und weltweit online bei Stylebop.com – und dort ganz selbstverständlich neben allen namhaften Designern. 2012 feiert STEFFEN SCHRAUT mit seinem Label sein 10- jähriges Jubiläum.

Weitere Nachrichten und Artikel über Mode, Fashion-Shows, Top-Events und Geschichten die das Leben schöner machen finden sie in der Rubrik: LEBENSART - Stil und Lifestyle

Nachrichten, Stories, Meinungen und Unterhaltung

Freunde der Künste,
das Sprachrohr der Kreativwirtschaft


mehr

28.03.2017 Terrani fotografiert die Stars

GFDK - Gottfried Böhmer

Der in Köln geborene Marcel Terrani ist einer Künstlerfamilie entsprungen. Der Großvater war Fotograf und sein Urgroßvater Maler. Und so lag es wohl in der Wiege, dass der Enkel auch zu den Künsten neigte - wenn auch über Umwege.

Seine berufliche Laufbahn begann als Mediendesigner/-gestalter für den WDR, obwohl er einen Studienplatz an der Columbia University in Kalifornien für Regie hatte. Den konnte der junge Marcel aber nicht antreten, da der Staat Kalifornien pro Semester 10.000 Dollar Kapitalnachweis forderte und so musste die künstlerische Laufbahn noch etwas auf sich warten lassen.

Aber vor 10 Jahren war es dann soweit. Der innere Ruf drängte zur Kunst und Marcel Terrani hat etwas daraus gemacht. Heute gehört er zu den Künstlern, die von Ihrer Kunst leben können. So kostet ein Original 5.000 Euro, aber es gibt auch kleine Editionen, allerdings nur in DIN 4-Größe.

Eine Besonderheit ist auch, dass Marcel Terrani seine Stars meistens selber fotografiert. Wie er den Kontakt zu diesen findet, bleibt sein Geheimnis. Die Basis seiner Arbeit ist die Medienkritik, über die er im übrigen auch wenig schmeichelhafte Worte findet.

Privat ist Marcel Vater eines zweijährigen Jungen. Er reist mit Vorliebe nach Holland, wegen deren Architektur. Er ist begeisterter Cineast, liebt französische Filme und wer ihn treffen will, kann das in der Kunstbar, dem ehemaligen Wartesaal in Köln tun.

Hier läuft auch seine aktuelle Ausstellung, zu deren Eröffnung 400  Gäste kamen. Es war so voll, dass der Künstler große Mühe hatte in seine Ausstellung zu kommen.

die kunstbar
chargesheimerplatz 1
50667 köln

Dr.Wolfgang Delseit über die Ausstellug  »Paparazzo« von  Marcel Terrani

Der »Paparazzo« wird definiert als ursprünglich scherzhafte, heute jedoch übliche Bezeichnung einer bestimmten Art von (Berufs-)Fotografen (der Sensationsjournalist à la Bild-Zeitung ist eine ähnliche Kategorie), die Prominenten in von denen unerwünschte Art und Weise nachstellen, getarnt, versteckt oder ganz offen in deren Privatsphäre eindringen. 

Der Paparazzo ist sensationslüsternd, sucht den richtigen Moment für den »Abschuss« seiner »Beute«, der ›berühmten‹ Persönlichkeit, die er am liebsten in einer kompromittierenden Situation ablichtet, damit er die Neugier der ›normalen‹ Menschen am Leben der Anderen befriedigen kann.

Paparazzi arbeiten zumeist für Boulevardmedien. Erstmals verwendete der italienische Regisseur Frederico Felline den Begriff für den aufdringlichen Pressefotografen, den Walter Santesso im Film La dolce vita (1960) verkörperte.

Nun denn, wer die Arbeiten von Marcel Terrani kennt, ist erst einmal irritiert angesichts des Ausstellungstitels Paparazzi. Terranis Arbeiten kamen bisher gar nicht so »sensationslüsternd« des Weges, gar auf Effekthascherei ausgerichtet…?!

Doch wer die Bilder, die hier ausgehängt und aufgestellt sind, betrachtet, wird schnell erkennen, dass es hier eben um eine andere Form des »Paparozzotums« geht:

Man findet keinen betrunkenen David Hasselhoff, der vor sich hinlallend einen Burger zu verspeisen sucht, keine derangierte Brittney Spears, keine alt gewordene Amanda Lear, die sich mit jugendlichem Latin-Lover am Strand vergnügt…

Terrani zelebriert den Künstler, die Künstlerin. Unterkühlt in Silber die Männer, selbstbewusst und wärmer in Gold die Frauen; ikonografisch abbildet mit Auriole und einer Aura von Entrücktheit.

Terranis Bilder gefallen, sind dekorativ, auch kommerziell (was kann sich ein Künstler auch Schöneres wünschen) – passen eigentlich in jedes Ambiente; sie darauf zu reduzieren, hieße die Intention des Künstlers zu verkennen!

Die Bilder sind Manipulationen! Manipulationen eines groben Ausgangsmaterials – im vorliegenden Fall: PR-Bilder, gestellte Bilder, von den Künstlern selbst freigegebene Bilder, keine Schnappschüsse minderer Qualität, sondern Hochglanz-Fotos, eigene und diverser namhafter Fotografen, die Plattencover oder Coverseiten von Magazinen zieren.

Davon ausgehend bearbeitet Terrani das Bildmaterial mittels Computer neu, bringt es in einen anderen Zusammenhang, gibt zutatengleich neue Komponenten hinzu.

Schönheit und Ästhetik dominieren die Bilder auf den ersten Blick; dann folgt die Verstörung des Betrachters, der Denkanstoß – mögen diese in der ungewohnten Kombination einzelner Gegenstände zu finden sein oder in den eingebauten Textteilen.

Lady Gaga, deren Song der Ausstellung ihren Namen gab, und deren Bild den Besucher der Ausstellung begrüßt – spielt mit dem Paparazzi-Image: die Schmike verlaufen, die Frisur kunstvoll zerzaust, mit Stahlkorsage

Rihanna begrüsst lasziv – im Maske und von Stacheldraht umhüllt – mit Welcome to the Kit-Cat-Club

Beyonce streicht über selbstbewussten Blickes über ihr wohlgeformtes Gesäß: Ass…sylum.

Penelope Cruz’ Blick verrät: Be an original

Justin Timberlake kommt als sensibler Swanlake daher.

David (»Dave«) Gahan (Sänger der britischen Synthie-Popgruppe Depeche Mode) als Personal Jesus – fast der Realität einer Drogenhölle entrückt.

Heidis (Klum) – offener, selbstbewusster Blick sagt uns: Tja, ich weiß, was ihr über mich denkt, aber es ist mir egal…

Madonna – gekreuzigt oder die Welt umgreifend, fast tragend, ein Sinnbild vermeintlich ewig-währender Schönheit, teilt uns mit: Enjoy Plastic Surgery, denn Lancaster does not help.

Aus der Rolle fallen zwei Bilder:

In Prada – Buy or Die rekurriert Terrani auf seine Anfänge als Collagist. Das Bild zeigt viele Komponenten früherer Arbeiten (etwa den über das Stacheldraht springenden Soldaten, die Matroschka-Figur, das Prada-Girl), die Terrani mit neuen Einflüssen und Bildaussagen anreichert.

Verschiedene Bilder desselben Titels kommen dem, der einige Arbeiten von Marcel kennt, in den Sinn; aber man achte einmal auf die Jünger, mit denen Russel »Jesus« Crowe sein Abendmahl teilt…

The holy Vincent entspricht zwar seiner Machart den anderen heute hier gezeigten Bilder, doch nirgendwo ist die Aureole augenscheinlicher als hier: I Vincent say: Fuck the Gallery.

Im Blick des Gezeigten ist nicht Selbstbewusstsein, sondern der Zorn des Verkannten, des zu Lebzeiten gescheiterten Genies. Und es ist nicht – wie es sich dem Betrachter aufdrängen will – das Bild von Kirk Douglas als Van Gogh… Doch dazu mag Ihnen der Künstler selbst etwas erzählen können.

Und zuletzt: Es mag sein, dass sich nicht jedem Betrachter die Botschaft der Bilder erschließt – doch auch das ist legitim: Ein jeder kann die Ästhetik der Bilder genießen, ohne einen Schlüssel zur Bedeutung mitgeliefert zu bekommen. Erfreulich in Anbetracht der Tatsache, das die »Sucht nach tieferer Bedeutung« (Olaf Hauke) den Kunstmarkt noch immer beherrscht…

I'm your biggest fan

I'll follow you until you love me

Papa-Paparazzi

Baby, there's no other superstar

You know that I'll be your

Papa-Paparazzi

                    Lady Gaga, Paparazzi

 

Ich bin dein größter Fan

Ich verfolge dich bis du mich liebst

Papa-paparazzi
Baby es gibt keinen anderen Superstar

Du weißt, das ich dein

Papa-Paparazzi sein werde

 

 

 

mehr

14.02.2017 ohne Konsum und Luxus

GFDK - Gottfried Böhmer

Ein Leben für Tiere - Eine bemerkenswerte Geschichte aus Deutschland. "Er will den sogenannten Nutztieren eine Würde geben und erreichen, dass immer mehr Menschen das anerkennen und darauf hin auf Fleisch- und Milchkonsum verzichten".

Ohne Günter Garbers wären der Highland-Bulle Schmusi und die Schweine Rudolf und Steiner längst auf dem Schlachthof gelandet. Der Tierfreund aus Seevetal hat sie gerettet. Immer wieder nimmt er Tiere bei sich auf.

Menschen, Marken und Produkte

Die kleine Schafherde von Günter Garbers betreibt Landschaftspflege auf einem Deich an der Seeve. Sie genießt bei ihm ihr Gnadenbrot, ebenso wie seine kleine Ziegenherde. Zehn Hektar Ackerland bewirtschaftet er zur Gewinnung von Heu und ist als einer der letzten Schafscherer in der Region gefragt.

Ohne Konsum und Luxus

Ein Leben für die Tiere, das ist die Mission von Günter Garbers. Der kauzige Bartträger aus Glüsingen, der ursprünglich Landschaftsarchitektur studiert hat, lebt heute ein ungewöhnliches, selbst gewähltes Leben, ohne Strom, Konsum und Luxus.

Seine Tierrettungsaktionen bringen ihn regelmäßig in die Schlagzeilen der Lokalpresse und halten den 63-Jährigen immer auf Trab. In seinem Arbeitsleben ist Garbers viel herumgekommen. Als gelernter Schäfermeister hat er in Großbritannien und Neuseeland gearbeitet.

Und er hat in seinem Beruf viel erreicht: 1984 gewann er sogar die Deutschen Schafschurmeisterschaften. 20 Jahre lang zog er mit einer Herde von 1.000 Tieren durch die Lüneburger Heide, lebte damals vom Schlachten der Schafe und Fleischverkauf.

Ein würdiges Leben bis ins hohe Alter für seine Tiere

Vor 20 Jahren kam die große Wende: Er entschied sich aus Liebe zu den Tieren für ein veganes Leben und gab den Beruf des Schäfers auf. Er beschloss, keine Tiere mehr zu töten, und wurde Tierschützer. Der 63-Jährige lebt vom Biogemüseverkauf auf Wochenmärkten und ist als einer der letzten Schafscherer in der Region gefragt. Das Wohl der Tiere ist jetzt sein Leben, seine Mission.

Der streitbaren Tierschützer am 22.02.2017, 21:00 Uhr, NDR Fernsehen

Der Hof von Günter Gabers erwirtschaftet natürlich keine Profite, aber bei der Haltung und Pflege der Tiere fallen hohe Kosten und viel Arbeit an. Neben dem täglichen Futter sind tierärztliche Untersuchungen notwendig, auch müssen Zäune erneuert und am Hof immer wieder Kleinigkeiten ausgebessert werden. Wenn sie seinen Hof unterstützen möchten setzen sie sich direkt mit Günter Garbers in Verbindung.

Die Dokumentation aus der Reihe "Tierische Typen" begleitet Günter Garbers bei Tierrettungsaktionen und porträtiert einen streitbaren Tierschützer mit seinem außergewöhnlichen Engagement.

Die Ziele des Tierschützers

Die vegane Bewegung zu unterstützen und bundesweite Patenschaften für seine Tiere zu ermöglichen.

Medienberichten über die Arbeit von Günter Garbers finden Sie unter:

Günter Garbers bei Blogsport
Hallo Niedersachsen – Eine zentnerschwere Freundschaft

Günter Garbers
Am Mühlenbach 17
21217 Seevetal
Tel: 004916091355112

mehr

29.12.2016 Wie identifiziert man nun aber das Neue als Neues?

Andreas Wildhagen - Christopher Schwarz

2008 führten die Journalisten Andreas Wildhagen, und Christopher Schwarz ein Interview mit Professor Bazon Brock das Exklusiv auf GFDK veröffentlicht wurde. Ob die traditionellen Gesellschaften in der Lage sind neues zu schaffen ist eine Frage die 8 Jahre danach sich ganz neu stellt. Im Angesicht von Donald Trump, einer fast schon verfallenden EU, Konflikten auf der ganzen Welt, war das eine Frage, die sich heute mehr denn je stellt.

Professor Bazon Brock im Gespräch mit Andreas Wildhagen und Christopher Schwarz

Die Geheimnisse der Entstehung von Kreativität und Innovation 

Die Düsseldorfer Journalisten Christopher Schwarz und Andreas Wildhagen* trafen den Ästhetik-Philosophen Bazon Brock in seinem Haus im Bergischen Land.

Schwarz, Wildhagen: Herr Professor Brock, wie entsteht Kreativität in unseren Köpfen?

Bazon Brock: Vereinfacht gesagt, entsteht sie in einer immer erneuten Konfrontation mit etwas Unbekanntem, Unbestimmten, das man seit hundert Jahren in allen Disziplinen „das Neue" nennt. Wenn das Neue neu ist, hat es freilich keine Qualifikation. Wie aber soll man auf etwas eingehen, was neu ist, wenn es dadurch ausgezeichnet ist, keine Bestimmung zu haben?

Die natürliche Methode, die wir heute noch bei jedem Hund beobachten können, besteht darin, das Neue erst zu beschnuppern, weil es irritiert, und es dann zu ignorieren oder zu zerstören. Dass die meisten Menschen vor neuer Malerei davonlaufen oder aggressiv reagieren und nur wenige aufmerksam werden und „aha" sagen, ist also ein ganz normaler, im Evolutionsschema unseres Gehirns fest verankerter Vorgang.

Wir sind von Natur darauf angelegt, auf die Begegnung mit Neuem mit einer Fluchtreaktion zu antworten. Der Kunsttheoretiker Max Bense** hat die Ästhetik von der Informationstheorie herkommend aufgebaut, Max Bill, Architekt, Designer und Mitglied der Künstlerbewegung Abstraction-Creation***, von der Seite des praktischen, künstlerischen Gestaltens  - ich selber in den fünfziger Jahren über den Aspekt des Aktionismus und des Agitprop.****

Wie identifiziert man nun aber das Neue als Neues?

Bazon Brock: Immer in Hinblick auf das Alte, von dem es sich absetzt. Das Neue ist stets definiert durch die Differenz zum Vergangenen. Darin liegt eine andere Pointe beschlossen: Indem ich mich vom Neuen, Unbekannten auf etwas Altes, Bekanntes beziehe, stelle ich nämlich fest: Das Alte ist ja gar nicht alt! Unter dem Druck des Neuen zeigt es interessante, neue Aspekte.

Nehmen wir ein Beispiel aus der bildenen Kunst: die Maler der „Brücke", die deutschen Expressionisten, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts die Kunstwelt herausforderten. Ihre Kunst erschien dem Publikum so neu, dass es sich verstört abwandte oder die Bilder gleich auf den Schutthaufen der Kunstgeschichte werfen wollte. Andere dagegen ließen sich vor der damals entstehenden Gestaltpsychologie anleiten, suchten nach Vorbildern, die Ähnlichkeiten aufwiesen mit den Bildern der Expressionisten, und stießen so auf die Werke El Grecos.

Plötzlich sahen sie unter dem Druck der Expressionisten einen alten, fast schon versunkenen Maler, den seit 1614 niemand mehr ausgestellt hatte, ganz anders, eben neu. Unter dem visuellen Terror der Expressionisten entdeckte man El Greco als Zeitgenossen. Auch aus der Architektur kennen wir solche Wiederentdeckungen.

So erinnerten die nackten, kahlen Wände des Wiener Architekturpioniers Adolf Loos an Palladio und Bruneleschi, die ebenso nackte, unfreskierte Wände als Struktursprache der Architektur benutzen. Erst durch Adolf Loos wurde sichtbar, was niemand zuvor bemerkt hatte: Dass Palladio und Bruneleschi dem Publikum pausenlos nackte Wände zugemutet hatten.

Der auf das Neue abonnierte Avantgardist Loos war also mit einem Mal zum Schöpfer einer neuen Sicht auf die Tradition geworden. Die Architektur-Moderne erwies sich als kreativ, indem sie uns zwang, die Tradition mit anderen Augen zu sehen.

Gehört die Orientierung am Alten, das Festhalten von eingeschliffenen Seh-, Hör- oder Denkgewohnheiten nicht eher zu den Bremsern im Gehirn?

Bazon Brock: Nicht unbedingt. Wieso bauen wir mit demselben Gehirn, mit dem unsere Vorfahren Mammuts erlegt haben, heute Atomanlagen? Weil es immer wieder Umformulierungen des längst konventionell und langweilig Gewordenen gab. Weil das Alte keine stimulierenden Informationen mehr bereit hielt.

Das Gehirn kann sich in solchen Situationen zwingen, sich selber zu überraschen. Es kann etwas produzieren, was über das eigentlich Geplante hinaus geht. Dabei ist das Neue gar nicht auf Zustimmung angewiesen. Im Gegenteil: Wo Sender und Empfänger übereinstimmen, gelingt zwar der Austausch, aber es entsteht nicht Neues.   

Sind auch traditionelle Gesellschaften in der Lage, Neues zu schaffen?

Bazon Brock: Durchaus. Da entsteht automatisch Neues durch Uminterpretationen des Alten. Etwa durch das mündliche Weitergeben von Informationen. Das kennen wir aus der Gerüchtekaskade: Spätestens beim vierzigsten Mann, der scheinbar dasselbe erzählt, stellen wir eine Abweichung fest, wahrscheinlich schon viel früher.

Und kann man diese gleichsam naturwüchsige Kreativität organisieren?

Bazon Brock: Die Aufklärung hat es versucht: Sie machte sich das Neue - und die Angst vor ihm - systematisch zunutze, indem sie soziale Institutionen errichtete, in denen das Neue aufgesogen, gespeichert und reflektiert wurde: Akademien, Archive und Museen. Fortschritt in der Nutzung unserer Kultur heißt seither, dass das durch die jeweilige Avangarde neuformulierte Alte aller Zeiten jederzeit präsent bleibt.

Es geht dabei nicht um Ad-hoc-Brains, sondern um das gesamte Wissen, das uns die historische Forschung zur Verfügung stellt. Die Moderne im epochalen Sinn beginnt erst da, wo man die Gleichzeitigkeit aller ehemaligen Vergangenheiten als Gegenwart wissenschaftlich organisiert.

Wirklich Neues gibt es also gar nicht?

Bazon Brock: Doch, aber die, die es in die Welt setzen, sind immer Zwerge auf den Schultern von Riesen. Das Neue entsteht auf der Grundlage der Vergangenheit. Eine Creatio ex Nihilo gibt es nicht. Unsere Devise müsste deshalb lauten: halte immer genügend Ressourcen für die Konfrontation mit der Zukunft bereit, indem Du immer mehr vergegenwärtigte Vergangenheiten produzierst.

So haben wir die Romantik inzwischen als eigenständige Kunstepoche sehen gelernt, für unsere Vorfahren hingegen war sie eine kindische Durchgangsphase zur Vorbereitung des Neoklassizismus. In diesem Sinn müssen Traditionen immer neu geschaffen werden. Jede Gegenwart schafft sich ihr neues Goethe- und ihr neues Tizianbild.  

Gilt das auch für die Werke von Mozart und Bach?

Bazon Brock: Mozarts Kompositionen fußen in der Musiktradition seiner Zeit, er brauchte die Wiener Musikkultur, um zu reüssieren. Bach konnte zwei Kantaten am Tag schreiben, auf Grund seiner Genialität und weil er sich innerhalb eines stabilen Formenkanons bewegte.

Selbst wenn er es versucht hätte, sich zu wiederholen, wären Abweichungen zustande gekommen, schon aufgrund der Funktionslogik des Gehirns, das beim Versuch der Wiederholung des Immergleichen ein Potenzial von Abweichungen erzeugt, die wiederum auf einem Grundtypus bezogen sind. Nur Varianten sind möglich.

Kann Politik kreativ sein. Wilhelm II etwa gilt unter vielen Historikern auch als ein Mann der technisch-wissenschaftlichen Innovation - „mit Volldampf voraus"!

Bazon Brock: Da ist etwas dran. Die Kaiser-Wilhelm-Gesellschaft war jedenfalls höchst effizient in der Organisation wissenschaftlicher Dynamik. Deutschland hatte einiges aufzuholen. Die Engländer hatten 1852 auf der Weltausstellung ihre wissenschaftlich-technische Überlegenheit demonstriert.

Übrigens waren es dann die Österreicher, nicht die Deutschen, die erkannten, dass es nicht nur um politische Vorherrschaft durch industrielle Waffenfertigung ging, sondern um die Produktion von Massenprodukten für ein anspruchsvolles Publikum. Der Konsument und das Markenprodukt wurden im 19. Jahrhundert entdeckt.

In Österreich wurden Hochschulen für angewandte Kunst gegründet, um Qualitätskriterien für industriell gefertigte Gebrauchsprodukte zu entwickeln - zum Beispiel im Design. Es ging den österreichischen Innovatoren darum, einem geschmacks- und bildungsfähigen Publikum zeitgemäßes, gutes Design anzubieten.

Sind Kreativität und Organisation Gegensätze? Kann eine straffe Organisation Kreative vertragen? Oder braucht der Kreative Einsamkeit?

Bazon Brock: Seit der Renaissance ist bekannt, dass extrem entwickelte, kreative Köpfe besonders teamfähig sind. Das können Sie auch bei Walter Gropius sehen. Die Verbindung von Kunst, Architektur und Ingenierskompetenz im Dessauer Bauhaus setzte Teamfähgikeit und offene Kommunikation voraus - so wie in den mittelalterlichen Bauhütten.

Töten militärische Organisationen die Innovationsfähigkeit des Individuums ab?

Bazon Brock: Militärische Planung alten Stils heißt: Die ersten drei Tage nach Kriegsbeginn können wir planen, danach ist Schluss. Heute sind die geplanten Anfangsphasen länger, das nennt man dann Strategie. Aber ein moderner Militär muss auch das Kalkül des Scheitern, der verlorenen Schlacht, mit einbeziehen und sich fragen: Wie reagiere ich darauf?

Diese Fragestellung ist kreativ, sie kann auch impulsiv sein, das Überraschungsmoment ist eine wichtige Waffe, wenn nicht gar die wichtigste. Auf die Unberechenbarkeit der militärischen Antwort kommt es an. Das ist dem Generalstabsoffizier in Fleisch und Blut übergegangen.

Kein Wunder, dass die jüngeren Oberste nach dem Krieg sofort eine Anstellung in der Wirtschaft bekamen. Hitler dagegen hatte keine Strategie, er war ein typischer Laie, ein militärischer Dummkopf. Er hat keinen Gedanken darauf verschwendet, dass er scheitern könnte.

Braucht man für Kreativität Konkurrenz oder schadet sie eher? 

Bazon Brock: Konkurrenz kann in einem Team dazu führen, dass man sein Wissen nicht mehr mit anderen teilt. Deshalb ist in einer kreativen Umgebung Vertrauen von essenzieller Bedeutung. Der Kapitän kann den Winden nicht befehlen, aber er muss auf das Schiff vertrauen. Ich kann mich auf das Nicht-Beherrschbare nur dann kämpferisch einlassen, wenn ich auf einem festen Fundament stehe, um das ich nicht mehr kämpfen muss.

Herr Professor Brock, wir danken Ihnen für das Gespräch. 

*Dr. Christopher Schwarz und Dr. Andreas Wildhagen sind Redakteure der WirtschaftsWoche in Düsseldorf. Das Gespräch entstand während der Recherchen für den WirtschaftsWoche-Innovationspreis. 

Buchhinweise: **Max Bense: Ungehorsam der Ideen, Köln 1965, ders.: von der Verborgenheit des Geistes, Berlin 1948. *** Eduard Hüttinger: Max Bill, Abc-Verlag, Zürich 1977, **** Bazon Brock: Kopfstand, 1959 

Bazon Brock, 71, ist Professor für Ästhetik und Kunstvermittlung an der Bergischen Universität Wuppertal. Seine Forschungsschwerpunkte liegen im Bereich Entwicklung einer Neuronalen Ästhetik. Der Kunstkenner, der sich an Happenings zusammen mit Friedensreich Hundertwasser und mit Joseph Beuys beteiligte, war ordentlicher Professor an der Hochschule für Bildende Künste in Hamburg und später an der Hochschule für Angewandte Kunst in Wien. Anschließend übernahm er die Professur in Wuppertal, wo er 2001 emeritiert wurde.  

Christopher Schwarz ist Redakteur der WirtschaftsWoche und schreibt dort seit acht Jahren in den Ressorts Leben und Reportagen. Der Wiesbadener war vorher Redakteur bei der FAZ. 

Andreas Wildhagen war Redakteur der Wirtschafts-Woche und schrieb dort fast 14 Jahre in den Ressorts Unternehmen, Leben und Reportagen. Der Hamburger war vorher Deutschland-Korrespondent der Tageszeitung DIE WELT und Autor bei Forbes von Burda in München.


Hier geht es zu weiteren Exklusiv Interviews die GFDK mit Künstlern, Schriftstellern, Musikern, und Schauspielern geführt hat

GFDK ist ein unabhängiges Nachrichtenportal mit einer etwas anderen Sichtweise auf das Weltgeschehen.

Nachrichten, Stories, Meinungen und Unterhaltung

Freunde der Künste,
das Sprachrohr der Kreativwirtschaft

mehr

05.12.2016 MICHAELA BOLAND TRIFFT

GFDK - Michaela Boland

Was ist aus dem „Off The record-Treff“ geworden, fragen sich nicht nur die Kölner. 2010 hat man sich da noch getroffen um nett zu plaudern. Michaela Boland hatte damals für GFDK darüber berichtet.

Köln. Howard Carpendale zeigte sich zu fortgeschrittener Stunde zumindest noch für einige Minuten. Dann hatte der in Durban/ Südafrika geborene Schlagersänger und Komponist jedoch offenkundig noch weitere Pläne und zog von dannen.

Dafür vergnügten sich zahlreiche andere Gäste beim „Off The record-Treff“ im „Consilium“ am Kölner Rathaus um so länger. Ex-Lindenstraßen-Beauty Liz Baffoe kam mit Schauspielkollegen Ivan Robert (Die Anrheiner/ WDR Fernsehen) und genoss die laue Spätsommerabendatmosphäre im Restaurant-Innenhof unter freiem Himmel wohl ebenso wie Kölns Oberbürgermeister Jürgen Roters(SPD).

Baffoe (Diplomatentochter und Schwester von Ex-Fußballspieler und Fernseh-Moderator Anthony Baffoe), die seit 2008 die „Hadiya Wedekind“ in der WDR-Produktion „Die Anrheiner“ spielt, hatte im vergangenen Monat als prominenter Gast an verschiedenen Stationen der A1-Clubtour von Audi durch unterschiedliche Städte in Deutschland und Österreich teilgenommen.

Die spannende Frage jedoch, wie es mit dem in Köln-Mülheim produzierten WDR-Serienhit rund um Menschen wie Du und ich aus dem Veedel, in dem auch Ex-Bläck Föös –Front- Sänger Tommy Engel, Schauspieler Ernst Hilbig und die Krekel-Schwestern, Hildegard und Lotti, mitspielen, weitergeht, war der schönen Liz leider nicht zu entlocken.

Organisator Bernhard Böringer hatte im Namen der aktuellen Gastgeber EMI, Ströer AG und Prinz Verlag erneut zu Kölns edler Cocktail- und Networkveranstaltung „Off the record“ geladen, die nur alle vier Monate stattfindet.

Gemeinschaftlich ins Leben gerufen hatten dieses Event seinerzeit Kommunikationsfachmann Bernhard Böringer und Schauspieler und Ex-Quiz-Taxi Moderator Thomas Hackenberg „Aus der Erkenntnis heraus, dass sich viele Menschen, die sich in dieser Stadt im Medien-, Kultur-, Politik- und Wirtschaftsleben engagieren, oft nur in den eigenen Kreisen bewegen, bietet diese Veranstaltung dem Gast die Gelegenheit mit spannenden „Machern“ aus anderen Bereichen zusammenzutreffen“, heißt es denn auch auf der Hompage des beliebten Events.

Um Exklusivität und Intimität der Veranstaltung zu wahren, seien die Gäste handverlesen und ihre Anzahl auf 180 bis 250 Personen begrenzt, denn Anonymität und Oberflächlichkeit sollten draußen bleiben.

Verhältnismäßig intim konnten so denn auch die Besucher des letzten Treffs miteinander plaudern, nachdem Moderator Andreas Dieck (Deutsche Welle) den Abend eröffnet und Neu-Schrimherrin Elfi Scho-Antwerpes (Bürgermeisterin und erste Vertreterin von OB Jürgen Roters) begrüßt hatte.

Neben „Unter Uns“-Serien-Star Ben Ruedinger (RTL), Karl-Heinz Angsten (Ex-Redaktionsleiter „Schreinemakers live“ sowie Ex-Infotainmentchef bei VOX) und Moderator Wolfgang Link (Zockershow/ RTL 2) folgte auch SportTreff-Veranstalter Hans-Jürgen Schmidt der Einladung Bernhard Böringers und schaute erstmalig bei der „Konkurrenz“ vorbei.

„Eine wirklich gelungene Veranstaltung“, urteilte der gelernte IT-Experte so denn auch über den exklusiven Treff. Hermann Meyersick, Geschäftsführer bei STRÖER (Außenwerbung) verriet, dass er sich nur auf ausgewählten Veranstaltungen sehen lasse.

Der vielbeschäftigte ehemalige Tourismusdirektor der Stadt Münster leitet seit Januar 2008 die strategische und operative Führung der Stöer Deutsche Städte Medien für die Region West mit Sitz in Düsseldorf und freue sich regelmäßig über ein bisschen Zeit fürs Familienleben.

Ob er insoweit der Einladung Hans-Jürgen Schmidts zum nächsten SportTreff folgen wird, bleibt daher abzuwarten. Ebenfalls unter den Gästen: „Mieten Kaufen Wohnen“-Maklerin Simone Berngen . Die elegante Immobilienfachfrau versucht derzeit regelmäßig auf VOX exklusive Behausungen an den Mann oder die Frau zu bringen.

Dabei trifft sie ab und zu sogar schon mal auf prominente Namen. Ob die Wahl-Düsseldorferin dem einen oder anderen beim „Of the record-Treff“ auch schöne Domizile schmackhaft machen konnte, ist allerdings nicht bekannt.

Außerdem zugegen: KOELNER Medientreff-Veranstalter Michael Busemann, Lebensgefährtin Valeria Barth, BILD Köln Redaktionsleiter Hans-Jürgen Schäfer, BILD Redakteurin Stephanie Kayser, Radio Moderator Manuel Japes („Mehr davon“/ UKW 107,1)Express-Chefreporter Philipp J. Meckert und Unternehmer Ralf Dormagen (Lambertz & Dormagen).

Michaela Boland ist Journalistin und TV-Moderatorin. Bekannt wurde sie als Gastgeberin der Sommer-Unterhaltungsshow „HOLLYMÜND“ des Westdeutschen Rundfunks Köln. Seit 1988 schrieb sie für die Rheinische Post, unterschiedliche Publikationen der WAZ-Gruppe Essen, Bayer direkt und Kommunalpolitische Blätter.

Außerdem präsentierte sie die ARD-Vorabendshow „STUDIO EINS“ und arbeitete als On-Reporterin für das Regionalmagazin „Guten Abend RTL“. Auf 3-Sat, dem internationalen Kulturprogramm von ARD, ZDF, ORF und SRG, moderierte sie die Kulturtalkshow „Doppelkopf“, sowie für TV NRW, die Casino

Show „Casinolife“ aus Dortmund-Hohensyburg. Michaela Boland arbeitet auch als Veranstaltungsmoderatorin und Synchron- sowie Hörspielsprecherin.


Für die Gesellschaft Freunde der Künste moderiert sie den Kaiserswerther Kunstpreis sowie alle grossen Kulturveranstaltungen der Gesellschaft.

Seit Mitte 2009 ist sie verantwortlich für die Ressorts:

Exklusivinterview und Porträt des Monats

© Michaela Boland und Gesellschaft Freunde der Künste

Foto 1)   Valeria Barth und Michaela Boland

Foto 2)   Hermann Meyersick und Hans-Jürgen Schmidt

Foto 3)   Michaela Boland und Bernhard Böringer

Foto 4)   Wolfgang Link, Andreas Dieck und Philipp Meckert

Foto 5)   Hans-Jürgen Schmidt, Hermann Meyersick und Elfi Scho-Antwerpes

Foto 6)   Ralf Dormagen

mehr

02.12.2016 Eine junge, besondere Frau. Hübsch und apart

GFDK - Gottfried Böhmer

Die als Tochter türkischer Einwanderer in Berlin geborene Elif Demirezer schrieb bereits als Teenager ihre ersten eigenen Lieder. Im März 2013 brachte Universal ihre erste Single „Unter meiner Haut“ auf den Markt. Schon Mitte April stieg sie auf Platz 80 der deutschen Single-Charts ein.

Manche Dinge sind einfach nur eine Frage der Perspektive. Eine ausgeprägte Leidenschaft fürs Basteln zum Beispiel, kann nicht nur mit Schere und Papier zum Ausdruck gebracht werden. Elif erklärt uns euphorisch mit leuchtenden Augen: „Du kannst auch mit Musik basteln, du nimmst Eindrücke, Gefühle, vielleicht eine Melodie die dir morgens in den Sinn kommt – und daraus bastelst du dann ein Lied.

Eine junge, besondere Frau. Hübsch und apart

Und genau so bastelst du auch dein Leben. Wir alle tun das!“ Und spätestens seit ihrem berührenden Auftritt bei Inas Nacht mit dem Song „Nichts Tut Für Immer Weh“ Ende 2011 haben viele sehnlichst darauf gewartet mehr von Elif zu hören. Mehr von dieser entwaffnenden Stimme, die unverwechselbar ist und in ihren Songs all die schönen Schnipsel von Erinnerungen weckt, aus denen die Collage unseres eigenen Lebens besteht.

In ihrer ersten Single „Unter Meiner Haut“ geht es um eine besondere Begegnung in einer dieser besonderen Nächte von denen man sich wünscht, dass sie nie enden. Und auch um das, was Elif sich daraus gebastelt hat.

Elif ist nicht abgeklärt. Oft ist sie romantisch

Denn Elif ist eines dieser Mädchen, dieser jungen Frauen, die sich Hals-über-Kopf verlieben: in den vermeintlich „Einen“, mit dem man die ganze Nacht tanzt und „Panic At The Disco“ Songs singt, mit dem man wach bleibt bis weit in den nächsten Tag, aus Angst, dass der Rausch des Zusammenseins enden könnte.

Und der dann, wie so oft, doch geht bevor es verbindlich wird. Elif hat ihn nie wieder getroffen. Doch sie war verliebt, „aber mehr in die Idee, in das, was er sein könnte, in meine Träume, die ich in ihm gesehen habe“.

Portrait des Monats

Wenn sie nicht so große, braune Kulleraugen hätte, könnte man fast sagen sie sei "blauäugig". Aber genau diese ungefilterten, nicht zerdachten Emotionen sind es, die uns berühren wenn wir Elifs Musik hören. Aus den kleinen Momenten und den großen Träumen ihres jungen Lebens bastelt sie ihre Lieder.

Elif veröffentlicht nun ihr erstes Album – ein Album, von dem erzählt wird, dass bereits die ersten Demosongs diese enorme emotionale Kraft hatten, die nun musikalisch vollendet zu hören ist. Ina Müller zumindest schien davon überzeugt zu sein, als sie Elif bereits im Jahr 2011 zu ihrer Show „Inas Nacht“ einlud, um die junge Künstlerin der Welt vorzustellen.

Frischer Wind aus Berlin

Eine junge, besondere Frau. Hübsch und apart, mit schrägem Humor und funkelnder Schüchternheit, bescheiden und mit der Gabe, zu berühren. Eine, der man zuhören möchte wie sie wächst, erlebt, liebt und verliert, versucht und vergibt.  Eine Berlinerin, deren Lieder aus kleinen Momenten und großen Träumen entstehen, in denen wir uns wiederfinden.

Eine Künstlerin, eine Persönlichkeit, die so besonders ist, und dennoch so nah. Man wundert sich eigentlich warum es so eine Künstlerin bisher nicht gab. Bisher. Denn es gibt sie: Sie heisst ELIF.

mehr

13.10.2016 Verständigung zwischen Völkern und Ländern

GFDK - Elisabeth Salwiczek

Während die deutschen Medien seit Monaten einen kalten, heißen Krieg mit Russland herbeischreiben, macht Putin Politik, Kultur-Politik. Selbst die Heute Show schaltete in den Feindmodus um und folgt damit Spiegel, ZDF-Frontal, der TAZ, der FAS, Monitor usw. schrieb zuletzt Albrecht Müller von den "nachdenkseiten". Putin läßt sich davon nicht abhalten weiter auf Völkerverständigung zu setzen. Die Berufung von Professor Hans-Joachim Frey läßt daran keinen Zweifel.

Wladimir Putin läßt keinen Zweifel an seiner Freundschaft zu Deutschland

Professor Hans-Joachim Frey, Vorstandsdirektor und Künstlerischer Leiter der LIVA (Linzer Veranstaltungsgesellschaft mbH, Österreich) sowie Gründer und Künstlerischer Gesamtleiter des SemperOpernballs in Dresden wird Leiter des neuen internationalen Kultur- und Festivalzentrums in Sotschi (Russische Föderation), welches durch das Zentrum für Begabtenbildung „Sirius“ errichtet wird.

Der Bau des modernen, multifunktionalen Kultur- und Festivalhauses auf dem Gelände des früheren Presse- und Medienzentrums der Olympischen Winterspiele von 2014 hat bereits begonnen. Die Fertigstellung soll bis 2019/20 erfolgen.

Erster deutscher Kulturmanager in Russland

Der 51-jährige Kulturmanager und Regisseur wird das komplette Bauprojekt begleiten sowie das künstlerische Gesamtkonzept und mehrere große Festivals entwickeln. Er ist damit der erste deutsche Kulturmanager, der in eine solche herausgehobene Position nach Russland berufen wird.

„Ich bedanke mich für das Vertrauen, das in Russland in mich gesetzt wird, und empfinde die Berufung als eine außerordentliche Auszeichnung und große Ehre. Die Chance, ein so potentialstarkes Kultur- und Bildungsprojekt an einem der zurzeit spannendsten Orte der Welt von Beginn an zu prägen und von baulichen bis zu künstlerischen Aspekten zu begleiten und zur Vollendung zu bringen zu einem der wichtigsten Festivalcenter weltweit, ist faszinierend und von besonderem Reiz.

Verständigung zwischen Völkern und Ländern

Eine solche Möglichkeit bekommt man als Kulturschaffender wohl nur einmal im Leben. Durch meine bisherigen Tätigkeiten und Projekte in verschiedenen europäischen Ländern, in Übersee, Asien und der Russischen Föderation sehe ich die Kultur und die Kunst sowie die Arbeit für und mit etablierten und jungen Künstlern in einer immens wichtigen Brückenfunktion für die Verständigung zwischen Völkern und Ländern, insbesondere auch zwischen Österreich und Russland.

Es gibt wohl keine friedlichere und verständlichere Sprache als die Sprache der Musik. Ich habe mich immer als Brückenbauer zwischen Menschen und Kulturen gesehen und hoffe, das in meiner neuen Funktion in noch wirkungsvollerer Weise tun zu können.

Brücken bauen mit Bildung und Kultur

Ich freue mich darauf, diese großartige ganzheitliche Vision in Russland einerseits für junge Talente und Begabungen mit aufregenden Kulturprojekten und Inszenierungen unterstützen und fördern zu dürfen und andererseits werde ich helfen, aus der jungen und dynamischen Stadt Sotchi eine der wichtigsten weltweiten Festivalstädte á la „Salzburg am Schwarzen Meer“ zu machen“, erklärt Frey.

Das neue internationale Kultur- und Festivalzentrum wird Teil des Sirius-Wissenschaft- und Bildungszentrums in Sotschi sein. Dieses wurde von der russischen „Stiftung für Talent und Erfolg“ ins Leben gerufen und widmet sich der Förderung junger Talente in den Bereichen Naturwissenschaften, Sport, Bildung und Kultur.

Das neue Kultur-Center, das von weltweit renommierten Architekten erbaut wird, wird als Festivalhaus konzipiert, das unter anderem die Aufführungen von Konzerten, Opern und Ballettveranstaltungen auf höchstem akustischem Niveau ermöglicht.

2018 Opernballgala zur Fußballweltmeisterschaft

Bisherige Stationen führten den gebürtigen Hannoveraner u.a. nach Hamburg, Bremen, Dresden und Linz. Bei zahlreichen Regieproduktionen inszenierte Hans-Joachim Frey in den vergangenen Jahren in Russland und im Fernen Osten. Seit 2014 ist er Berater des Direktors des Bolschoi-Theaters in Moskau. Zudem ist er seit vielen Jahren als Professor in Seoul in Südkorea tätig.

Zehn Jahre war Frey Operndirektor an der berühmten Dresdner Semperoper und ist seit 2006 bis heute der Leiter und Gründer des Dresdner SemperOpernballs, dem er parallel zu seiner Tätigkeit in Sotchi weiter vorstehen wird und der am 3. Februar 2017 zum 12. Mal stattfindet. Im Juli 2018 findet am Vorabend des Finalspieles zur Fußballweltmeisterschaft unter seiner Leitung eine große Opernballgala am Moskauer Bolshoitheater statt.

Über Prof. Hans-Joachim Frey

Hans-Joachim Frey ist ein deutscher Kulturmanager und Regisseur. Er wurde 1965 in Hannover geboren. 1997–2007 war er Operndirektor an der Semperoper Dresden, 2007–2010 Generalintendant am Theater Bremen. 2006 initiierte Hans-Joachim Frey den SemperOpernball in Dresden und ist seitdem 1. Vorsitzender und Künstlerischer Gesamtleiter.

Seit 2010 ist er regelmäßig mit Projekten in Russland tätig, weitere Regiearbeiten führten ihn daneben bisher nach Weißrussland, Georgien, Bulgarien, Österreich, Deutschland und China. Seit 2012/13 ist er Künstlerischer Leiter der LIVA (Linzer Veranstaltungsgesellschaft mbH) in Linz/Österreich, wo sein Vertrag am 31.12.2017 endet.

Seit vielen Jahren leitet er zudem den Internationalen Gesangswettbewerb der italienischen Oper „Competizione dell’Opera“, dem wichtigsten Europäischen Nachwuchs- und Talentwettbewerb für junge Sänger und Sängerinnen, der gerade sein 20jähriges Jubiläum am Moskauer Bolshoitheater gefeiert hat.

Über das Zentrum für Begabtenbildung „Sirius“

Das in Sotchi befindliche Zentrum für Begabtenbildung „Sirius“ wurde durch die Stiftung „Talent und Erfolg“ geschaffen und nutzt die bestehende Infrastruktur der Olympischen Winterspiele. Dessen Anliegen ist die frühzeitige Identifizierung, Entwicklung und professionelle Förderung talentierter Jugendlicher, die außerordentliche Begabungen in Kunst und Kultur, Sport und Naturwissenschaften zeigen sowie erfolgreich im Bereich technischer Kreativität sind.

Die Bildungsprogramme des Zentrums konzentrieren sich auf drei Bereiche: „Kunst und Kultur“, „Wissenschaft“ und „Sport“. Jeden Monat kommen bis zu 600 Kinder im Alter von 10 bis 18 Jahren aus allen Regionen Russlands ins Bildungszentrum „Sirius“. Seit der Eröffnung haben mehr als 7.500 talentierte Jugendliche aus allen Regionen der Russischen Föderation an den Ausbildungsprogrammen teilgenommen. Über 1.500 Lehrer sorgen in Lernprogrammen, Workshops und Seminaren für die Ausbildung.

 

 

mehr
Treffer: 206